Astrid Lindgren siempre será recordada por el éxito de uno de sus personajes: Pipi Calzaslargas. Sin embargo, esta escritora sueca tiene una vasta obra que no se limita únicamente a la literatura infantil, sino también los libros para adultos muchos de los cuales abordan temas como el feminismo y la liberación de la mujer.

La editorial Kalandraka acaba de rescatar “Rasmus y el vagabundo”, un libro de aventuras con cierto toque iniciático (todo lo que permite un libro infantil, claro) en el que un niño decide ir a conocer mundo con un hombre que ha hecho de la libertad y la falta de ataduras su modo de vida.

Además del divertido e inspirador texto de Lindgren, el libro cuenta con el innegable atractivo de las ilustraciones de Pablo Auladell. Un complemento en el que abundan las texturas, el trabajo manual, la caricatura y que se ajusta como un guante al espíritu del libro que, no por estar orientado al público infantil y juvenil, es un trabajo simple. Un detalle común a libros similares, como “Las aventuras de Tom Sawyer” o “La isla del tesoro”, pero que parece haber sido abandonado por las nuevas generaciones de autores infantiles tal vez por miedo a que los más pequeños no estén a la altura cuando , en muchas ocasiones, los más pequeños están varios pasos por delante de lo que sus mayores creen que están.

Rasmus y el vagabundo. Astrid Lindgren. Ilustraciones de Pablo Auladel

Kalandraka. 160 páginas. Castellano

Gracias a la editorial Sins Entido, el lector español puede disfrutar con un acabado de lujo de la edición integral de la que tal vez sea la obra más ambiciosa de Emmanuel Guibert, Didier Lefèvre y Fredéric Lemercier.

Planteada como una suerte de “road movie” en viñetas, “El fotógrafo” describe las aventuras (y alguna que otra desventura) del propio Lefèvre, fotógrafo que acompañó a una misión de Médicos Sin Fronteras por Pakistán.

Además de una amena narración, el libro destaca por el novedoso planteamiento realizado por los autores, que decidieron incluir en la historia buena parte de las fotografías que Lefèvre realizó para su reportaje como si se tratasen de unas viñetas cualquiera, decisión que enriquece la historia y la dota de una verosimilitud aún mayor.

Como sucede con obras como “Notas al pie de Gaza” de Joe Sacco, “El fotógrafo” no es un cómic amable. La dureza de las situaciones que muestra, especialmente las relacionadas con la enfermedad y más aún las provocadas por la guerra, harían de su lectura un acto complejo y desagradable si no fuera porque sus autores son capaces de dosificar los hechos dramáticos sin tergiversarlos y presentarlos dentro de una historia más compleja y que describe la vida tal y como es, con sus complicaciones y dramas, pero también con sus instantes de felicidad.

Además de su dimensión artística, “El fotógrafo” funciona también como un tratado etnográfico en el que se van detallando algunas de las tradiciones y costumbres de los habitantes de los pueblos de la zona, desde su forma de vestir, su religión, su estructura social o el trato con los extranjeros.

Por último, el libro incluye una galería de retratos que explican qué ha sido de los personajes después de finalizada la misión, detalle que es de agradecer por parte del lector quien, después de más de doscientas páginas, acaba por establecer cierto vínculo afectivo con ellos.

El fotógrafo. Guibert, Lefèvre, Lemercier

Sins Entido. 272 páginas. Castellano

Desde su fundación en 1996, la Escuela de Arquitectura de la Universidad Europea de Madrid ha editado una serie de libros en los que se recopilaban algunos de los trabajos de los alumnos realizados durante su paso por dicho centro educativo.

En esta ocasión, un texto del profesor Andrés Jaque en el que se reflexiona sobre los cambios sociales que debe tener en cuenta la arquitectura sirve de eje e inspiración a las propuestas de los alumnos de Arquitectura e Ingeniería de Edificación.

Entre los temas abordados en “Eco-Ordinary” se encuentran los de la biodiversidad, la ética de las intervenciones arquitectónicas, la relación entre ecología y política, la durabilidad de las construcciones y el tamaño óptimo de las mismas para que no resulten mastodónticas o fuera de escala.

El volumen concluye con una serie de textos académicos relacionados con la Escuela de arquitectura y sus diferentes departamentos, lo que no deja de ser un material interesante para aquellos que sientan cierta curiosidad por la disciplina y estén pensando en matricularse en ella, que al fin y al cabo, es la verdadera finalidad de este tipo de productos.

Eco-Ordinary. Andrés Jaque y la Oficina de Innovación Política

Universidad Europea de Madrid. 160 páginas

Castellano/Inglés

Tras los dos volúmenes de “Donde hay pelo hay alegría”, Furillo y TMEO ponen a disposición de los lectores “El maestro”, un álbum en el que se recopilan las aventuras protagonizadas por el torero más desagradable de la historia ya publicadas por la revista vitoriana.

Dibujado con el característico trazo detallista de Furillo (en ocasiones más detallista de lo deseado) y escrito en un curioso dialecto de trazas andaluzas que en ocasiones recuerda al castellano, “El maestro” es un recital de divertidos excesos y barbaridades en campos tan variados como el sexo, la higiene personal, la salud, la gastronomía, los bares, los piropos, la homosexualidad, la Guardia Civil o las mujeres.

Un tebeo solo apto para estómagos fuertes y en ayunas, que hará disfrutar a aquellos que se acerquen a él sin miedo. Los tiquismiquis y los militantes de lo políticamente correcto, mejor abstenerse, no vayan a decir luego que no se lo habíamos avisado.

El maestro. Furillo

TMEO. 66 páginas. Castellano

Esta monografía sobre Enric Mestre inaugura una serie de exposiciones y publicaciones destinadas a sacar a la luz a destacados autores en este campo de la creación artística, cuya influencia en otros profesionales haya sido tal que permita afirmar que han creado una escuela.

Además de una amplia introducción en la que se incluyen textos y abundante documentación gráfica acerca de la trayectoria profesional y docente de Mestre, el libro contiene perfiles de algunos de sus discípulos y fotografías de sus obras. De esta forma, además de saber más del maestro, podemos conocer la obra de Xavier Montsalvatje, Su-Pi Hsu, Pablo Ruiz, Myriam Jiménez o Carmen Ballester.

Este proyecto, tanto es su versión editorial como en la expositiva, es una curiosa iniciativa que permite que personas ajenas al mundo de la cerámica puedan conocer algo más de esta tradicional forma artística, permeable a las nuevas tendencias artísticas y que hace mucho que dejo de ser sinónimo de botijos, vasijas, jarrones, cazuelas y otros utensilios similares para convertirse en una forma de expresión artística tan válida y compleja como la escultura en bronce o metal.

Maestros de la cerámica y sus escuelas. Enric Mestre

Diputación provincial de Zaragoza, Escuela de cerámica de Muel

128 páginas. Castellano

“A verlas venir” es el cuarto álbum de las aventuras de Javi Cabrero. Publicado por TMEO, revista en la que acostumbran a aparecer este personaje creado por Gol, en esta ocasión el lector será testigo de los problemas sentimentales del protagonista y de la incorporación de un nuevo miembro al grupo de personajes habituales, y que no es otro que el sobrino de Javi Cabrero, un muchacho de ciudad en plena preadolescencia que chocará por costumbres y comportamiento con todos los habitantes del pueblo a excepción de su abuelo, que resulta ser tan poco sociable como el chaval.

Un entrañable y divertido cómic, compuesto por historietas de lectura independiente pero que se continúan dando lugar a un álbum de conjunto coherente, que se aleja de los escenarios y situaciones urbanas a las que estamos acostumbrados en este tipo de trabajos y nos muestra cómo es la vida en un ambiente rural, con sus momentos idílicos, sus sacrificios, su paisanaje y su paisaje que, por cierto, es uno de los puntos fuertes de Gol como ilustrador.

A verlas venir. Gol. TMEO

66 páginas. Castellano

Toda adaptación de una obra maestra de la cultura universal conlleva un enorme riesgo y no poca osadía. De hecho, no son pocas las ocasiones en las que el receptor se pregunta si dicha adaptación era realmente necesaria. La experiencia suele demostrarnos que, mientras que la pérdida del original supondría una grave merma en el acervo cultural de la humanidad, el mundo podría seguir girando sin la mayoría de los sucedáneos.

Esta es la impresión que se obtiene de la lectura de la versión de “El proceso” de Kafka realizada por la ilustradora Chantal Montelier y David Zane Mairowitz, una obra prescindible, que nada aporta de bueno a la obra del checo ni desde el punto de vista conceptual ni artístico.

Tampoco ayuda a este trabajo el que esté aún reciente en la memoria de los lectores españoles la versión que del clásico de Collodi realizó Winshluss. Una magnífica versión de Pinocho tanto en lo conceptual como en lo artístico, que revisaba el personaje y lo adaptaba a los nuevos tiempos, haciendo hincapié en la parte más adulta y decadente de la obra.

Dicho esto, resulta aún más curioso que “El proceso” haya recibido una subvención de la Dirección General del Libro Archivos y Bibliotecas del Ministerio de Cultura. Si es por el valor literario de la obra original, nos da la sensación de que su lectura no invitará a los lectores a acercarse a la obra de Kafka; si es por el hecho de ser una novela gráfica, hay otros muchos títulos más interesantes que realmente dignifican el lenguaje del cómic.

Lamentablemente, “El proceso” de Montellier y Mairowitz no es un buen trabajo literario ni artístico; menos aún cuando el modelo ante el que tiene que medirse es una obra como la de Kafka. Eso es lo que pasa cuando uno, cual Faetón o Ícaro, se olvida de quién es y decide medirse con los genios pensando que va a estar a la altura.

El proceso. Kafka, Montellier, Mairowitz

Sins Entido. 128 páginas. Castellano

Mireia Pérez se ha convertido en una agradable sorpresa en el panorama del cómic español, territorio tradicionalmente vedado a la mujer y en el que, salvo honrosas excepciones como el de Purita Campos, los hombres han gozado de una total hegemonía.

En muy poco tiempo, Pérez ha conseguido hacerse un hueco en este sector y, tras demostrar su talento en los formatos cortos, se ha lanzado a la aventura de crear una novela gráfica, esfuerzo que se ha visto ahora recompensado con el primer Premio Internacional de Cómic FNAC-Sins Entido.

“La muchacha salvaje”, historia de la que ahora se presenta el primer volumen titulado “Nómada”, es una historia troglodita de superación y exclusión. Una epopeya de cuando no había agua corriente cuyo planteamiento resulta más cercano a la saga literaria del Oso Cavernario o la serie de televisión que narra las aventuras del Homo Sapiens –es decir, la epopeya sufrida por un miembro de una tribu evolutivamente inferior a otras que ya pueblan la Tierra en esos años–, que a obras como “El pequeño salvaje” de Truffaut.

Colorista, divertido y con las dosis justas de violencia y sexo para hacerlo accesible a todo tipo de lectores, “La muchacha salvaje” es una lectura agradable que queda interrumpida a la espera de los siguientes volúmenes en los que se descubrirá si la protagonista será capaz de abandonar su vida nómada para acostumbrarse al sedentarismo, el cultivo de tierras y la recolección.

El hecho de que carezca de largos bloques de texto y diálogos (innegable ventaja de hacer tebeos con personajes prehistóricos a excepción de los Picapiedra), hace que el trabajo de Mireia Pérez resulte muy adecuado para ser vendido en el extranjero. De hecho, no nos extrañaría nada que en unos meses viéramos las correspondientes adaptaciones italianas y francesas.

La muchacha salvaje. Mireia Pérez

Sins Entido. 110 páginas. Castellano

Joann Sfar es un viejo conocido del público español aficionado a los cómics gracias a personajes como Sócrates el semi-perro o el profesor Bell. En esta ocasión emplea su reconocible trazo para narrar una historia protagonizada por Marc Chagall, a través del cual va desgranando anécdotas de su vida y explorando algunos de los temas que le preocuparon a lo largo de ella.

La guerra, el amor, la muerte, la religión, la política, los progromos y, por supuesto, el arte y la pintura, son objeto de reflexión por parte de un joven Chagal que, al menos en la obra de Sfar, se revela como una persona curiosa y divertida.

Es de destacar el talento de Sfar para mezcla en la narración la realidad con la ficción y cómo en esta los personajes transitan con soltura entre su vida cotidiana y su vida onírica, exponiendo al lector sus miedos, sus anhelos o sencillamente sus fantasías. Para ello el autor despliega un código de colores que diferencian los distintos momentos, escenarios o avatares por los que atraviesan sus personajes.

“Chagall en Rusia” es una interesante novela gráfica plagada de peculiares personajes en la que confluyen momentos muy divertidos –especialmente los relacionados con los amoríos del pintor–, y momentos realmente dramáticos, relacionados con la realidad histórica que le tocó vivir. Un título que demuestra una vez más la buena labor editorial que viene realizando 451 desde su aparición y que deja claro, para todos aquellos que pudieran dudarlo, que su apuesta por la novela gráfica o los libros relacionados con las artes plástica y el diseño no es un capricho pasajero.

Chagal en Rusia. Joann Sfar. 128 páginas
451 editores. Castellano

Concebido originariamente como tesis doctoral, Victor I. Stoichita –conocido de los lectores españoles gracias a títulos como “Cómo saborear un cuadro”, también editado por Cátedra en su Colección Ensayos de Arte Cátedra–, aborda el tema de cómo surgen los cuadros en la cultura occidental a la luz de una nueva situación histórica, concretamente, la desaparición del cuadro como soporte clásico de la obra de arte.

Acompañado de un gran número de imágenes a color y blanco y negro que ilustran lo que se va narrando en el texto, Stoichita estudia el cuadro como objeto cultural, dejando a un lado su carácter religioso o de colección. Para ello divide su ensayo en tres grandes capítulos –“El ojo soprendido”, “El ojo curioso” y “El ojo metódico”– a través de los cuales va desgranando temas como los límites del cuadro, el marco dentro del lienzo, los cuadros dentro de los cuadros, las representaciones de los estudios de los pintores, la reproducción de los mapas y los espejos en las obras de arte, la aparición el autorretrato como género pictórico, su evolución a lo largo de la historia e incluso la reproducción de un cuadro visto por detrás, un atrevimiento conceptual que parece propio de movimientos artísticos de nuestra época y que en realidad se remonta al siglo XVII.

El volumen se completa con un índice onomástico, otro de ilustraciones y con una vasta bibliografía para aquellos a los que este titánico ensayo les sepa a poco y necesiten de más información sobre una realidad que, por resultarnos aún tan cercana y cotidiana, nos parece menos compleja y rica de lo que realmente es.

La invención del cuadro. Victor I. Stoichita
Editorial Cátedra. 514 páginas. Castellano

Un nuevo volumen de los premios Laus, concretamente el correspondiente a la edición del 2011. En esta ocasión, en lugar de limitarse a ser una mera recopilación de los trabajos premiados y seleccionados, el libro se presenta con un hilo conductor, una innovación acertada de no ser porque el tema elegido es la envidia, un chiste de cuadrilla solo comprensible por las personas relacionadas con el diseño y la publicidad –y no todos–, pues pocos profesionales de otras disciplinas entenderán que la envidia tenga cabida aquí.

Ese concepto está explícito en un breve texto, unas gráficas en las primeras páginas y en las fotografías de los diferentes jurados, obligados a posar en actitudes soberbias, para cumplir con el expediente aun a riesgo de resultar estrafalarios para el lector y hasta para algunos de ellos, que no parecen muy cómodos en dicha tesitura.

Desde el punto de vista del contenido, este “The book of envy” recopila las piezas que, a juicio de los diferentes jurados, han sido las mejores entre todas las presentadas este año en categorías como audiovisuales, publicidad, diseño gráfico o web y soportes digitales, o lo que es lo mismo, cientos de páginas de interesantes trabajos para revisar e inspirarse hasta la edición del año que viene.

The book of Envy. Laus 2011. Varios Autores

Adg-Fad. Castellano. 328 páginas

Reconocida con un Fauve de oro a la mejor obra en el Salón del Cómic de Angoulême 2011, “Cinco mil kilómetros por segundo” es una tortuosa historia de amor truncada por la incomunicación y las indecisiones, que se prolonga a lo largo de varias décadas, desde la adolescencia de sus protagonistas hasta su madurez.

Su autora, Manuele Fior, va tejiendo la narración con esa misma sencillez que caracteriza su trazo, aunque es en el aspecto cromático en el que verdaderamente destaca su trabajo. Los tonos amarillos, ocres, azules, rojos y violetas son los que determinan el momento vista y el lugar geográfico en el que se encuentran los protagonistas, como en la soleada Italia durante su adolescencia, la gélida Noruega en su juventud, el tórrido Egipto en su treintena o el violáceo futuro en su madurez.

El conjunto de la obra destaca por su aspecto orgánico, algo que la editorial Sins Entido ha sabido respetar al elegir papeles y acabados que potencian ese carácter y que habrían quedado totalmente eclipsados, si a la hora de imprimir se hubiera optado por papeles estucados, barnices o tapas duras, tan comunes en los últimos tiempos y que, en muchos casos, tan solo sirven para dotar al tebeo de unos acabados que no siempre precisa y aumentar su precio final.

De las últimas adquisiciones realizadas por la editorial madrileña en el salón francés, “Cinco mil kilómetros por segundo” y “Un lugar equivocado” son, sin duda, dos grandes aciertos. Esperemos que el público así lo entienda y se refleje en las ventas, siempre necesarias a la hora de mantener a flote un proyecto empresarial como este.

Cinco mil kilómetros por segundo. Manuele Fior

Sins Entido. 144 páginas. Castellano

El guionista y escritor Peer Meter lleva décadas investigando acerca del caso de Gesche Gottfried, famosa envenenadora que en el siglo XIX horrorizó la ciudad de Bremen por asesinar a quince personas de su entorno. Ahora, más de treinta años después de comenzar a interesarse por este caso, Meter ha publicado junto a la ilustradora Barbara Yelin “Veneno”, novela gráfica que cuenta la historia de Gottfried a través de los recuerdos de una anciana que por azar llega a Bremen horas antes de la ejecución.

A pesar de este aspecto eminentemente narrativo, que lo aleja del ensayo, “Veneno” no deja de ser una crítica de sus autores hacia la sociedad decimonónica, las instituciones judiciales, los cuerpos policiales de la época, los procesos inquisitoriales y la pena de muerte. Una crítica en la que tiene mucho que ver la técnica elegida para realizarlo, concretamente el lápiz de grafito gris y un abundante uso de los claroscuros y las sombras, lo que provoca que el lector quede atrapado en un ambiente opresivo. Algo que, pesar de todo, no impide que la lectura se haga amena y que las aventuras de la protagonista y las desventuras de la condenada enganchen desde las primeras páginas.

Colabora en la buena y fluida lectura la magnífica rotulación, escrita completamente a mano, algo que resultaba imprescindible para evitar que las artificiales tipografías mecánicas chocasen con lo artesanal del resto del trabajo.

Veneno. Peer Meter. Barbara Yelin

Sins Entido. 200 páginas. Castellano

Jorge González regresa a uno de los temas recurrentes de su obra: cómo el eco de la Argentina del pasado se escucha en el presente del país y las implicaciones que eso tiene para su realidad social.

En este caso, y a pesar de ciertos pasajes desarrollados en Buenos Aires, el escenario es la Patagonia, territorio de diferentes tribus indias que acabaron extinguiéndose, fueron extinguidas o fueron confinadas en reservas a consecuencia de campañas, como la del desierto, destinadas a colonizar la zona. Frente a estas políticas de exterminio, en el libro se suceden personajes que, interesados en la cultura y forma de vida de los indios, intentan saber más de ellos inmortalizándolos en cine, adquiriendo su forma de vida, reconstruyendo árboles genealógicos y escribiendo ensayos sobre el tema.

Gráficamente, el libro sigue la estética empleada por González en obras como “Fueye” aunque hay que destacar la preocupación en esta ocasión por recrear en dibujos el paisaje patagónico, un recurso que remite por igual a lo cinematográfico que al Martín Fierro, obra sobre la que Borges diría que tiene algunas de las mejores descripciones del paisaje de la literatura castellana.

Otro de los alicientes del libro es la parte escrita por Horacio Altuna, un breve capítulo en el que se abordan otros temas de la historia argentina, en esta ocasión, la masacre de Trelew por la cual casi una veintena de guerrilleros de ERP, FAR y Montoneros encarcelados en la Base de Almirante Zar fueron asesinados a sangre fría y la telenovela “Rolando Rivas, Taxista”, un hito de la televisión, la cultura popular y la memoria colectiva del país.

Dear Patagonia. Jorge González

Sins Entido. 288 páginas. Castellano

Alberto Cairo, profesional con una amplia trayectoria en el mundo de la infografía y la docencia, presenta este nuevo título que viene a completar a su anterior trabajo sobre el tema: “Infografía 2.0: visualización interactiva de información en prensa”.

En este caso su campo de estudio es más amplio pues, en lugar de circunscribirse a cómo se trata la información en prensa, ha preferido analizar cómo es la asimilación de aquella por parte del espectador. De esta forma, Cairo analiza desde cuestiones del campo de la psicología relativas a la percepción hasta otras relacionadas estrictamente con el diseño o la presentación de contenidos.

También hay un hueco para explicar los trucos de los infógrafos (y en consecuencia de los propietarios de medios de comunicación) para que, sin alterar la veracidad de las informaciones, el lector saque de un rápido vistazo conclusiones diferentes a lo que realmente dicen los datos. Un hecho que es fácil de lograr con tan solo variar el tipo de gráfico –por ejemplo, uno de barras u otro de círculos– que se elija a la hora de plasmar la información.

Es de destacar la vocación interactiva de este trabajo que, aunque está ilustrado con numerosos gráficos y ejemplos, remite constantemente a www.elartefuncional.com, web en la que pueden verse esos mismos ejemplos en color, con mayor calidad y acceder a actualizaciones o novedades sobre este trabajo como, por ejemplo, una sección de fe de erratas en la que se corrigen aquellos errores que contiene todo libro pero que hasta ahora, eran imposibles de enmendar una vez impreso.

El arte funcional. Infografía y visualización de la información

Alberto Cairo. Alamut. 256 páginas. Castellano

La revolución digital en la que estamos inmersos está dando lugar a diferentes libros y ensayos que analizan el pasado, el presente y, muy especialmente, el futuro del libro.

“El paradigma digital”, escrito por Manuel Gil y Joaquín Rodriguez, es uno de los análisis más completos y actualizados sobre esa realidad. Incluye entre sus contenidos modelos de edición de última generación como los Open Publishing Labs o Google Ebookstore; augura el futuro de la distribución y la evolución (o desaparición) de las librerías como lugares de venta; y desarrolla teorías sobre los libros y la hermenéutica, como las que se refieren a la edición extendida –aquellas que abogan por cambiar el concepto de libro y de edición que hemos tenido hasta el momento, incorporando otros contenidos diferentes al texto– y los libros que no acaban –aquellos que siguen su vida en páginas webs y blogs donde lectores y autor enriquecen el contenido primigenio con nuevas aportaciones–.

“El paradigma digital” también poner el foco en cuestiones que, ante la avalancha generada por la digitalización, han pasado a un segundo plano, como es el hecho de la apuesta por teorías ecológicas por parte de la industria editorial, que ha comenzado a apostar por papeles y tintas menos agresivas con el medio ambiente.

Conscientes del carácter mudable del tema que abordan, los autores de este texto adjuntan al final del mismo una interesante bibliografía y un listado de blogs en los que se aborda el presente de la edición con una inmediatez muy superior a la de cualquier libro impreso.

El paradigma digital y sostenible del libro

Manuel Gil & Joaquín Rodríguez. Trama editorial

232 páginas. Castellano

¿Qué razones hay para leer? Aquellos que aún alberguen alguna duda sobre las virtudes de esa actividad, tienen en este libro varias decenas de razones, como pueden ser leer por odio, por autoestimulación, para contradecirse, para reafirmarse, para consolarse, para hacer amigos o sencillamente por vicio.

Una vez dicho esto, la pregunta que surge es ¿entonces qué razones hay para leer este ensayo del escritor francés Charles Dantzig?

Las respuestas son variadas y abarcan desde la inteligencia de su autor a la hora de analizar algunas de las obras más destacadas de la literatura universal, a su sentido del humor y su mordacidad para lacerar a otras muchas obras destacadas de la literatura universal y a sus autores, sin olvidar la satisfacción que se obtiene de ver que hay otras personas que piensan lo mismo que nosotros sobre un determinado libro, o experimentar la contrariedad que supone comprobar que hay gente a la que le gusta un libro que a nosotros nos espanta.

A diferencia de otros ensayos sobre la lectura, “¿Por qué leer?” es un divertimento, un juego repleto de guiños para el lector conocedor, que también puede ser disfrutado por aquellos menos avezados que deseen ampliar sus fronteras en lo que a lecturas se refiere sin complejos, pues el propio Dantzig transita sin prejuicios desde la literatura erudita a la literatura de aeropuerto.

¿Por qué leer?. Charles Dantzig

451 Editores. 264 páginas. Castellano

Aunque su aspecto exterior, su acabado en tapa dura y su subtítulo invitan a pensar que estamos ante un texto universitario, una tesis doctoral o un farragoso ensayo teórico sobre el mundo de la edición actual, el presente título es en realidad un exhaustivo manual práctico en el que se detallan todos los pasos a dar por aquellos que deseen publicar un libro o lanzarse al mundo empresarial de la edición.

En apenas doscientas páginas Magda Polo Pujadas aporta las claves para saber qué tipo de proyecto se desea poner en marcha, cómo analizar el mercado y localizar el nicho en el que operar, cómo confeccionar un catálogo riguroso y con criterio, cómo hacer un informe de lectura, cómo diseñar un libro, cómo decidir cuántos ejemplares imprimir, cómo calcular los costes, cómo distribuirlos y cómo dar el salto al mundo de la edición digital. Para ello, además de contar con sencillas explicaciones, el libro posee infinidad de ejemplos prácticos y gráficos que facilitan enormemente la comprensión de lo expuesto.

Tal es la calidad y amplitud de los temas abordados por este libro que, en nuestra opinión, no tiene nada que envidiar a los másters de edición que ofertan cada año universidades y empresas del sector. Si bien es cierto que carece de la parte práctica de la que alardean esos costosísimos cursos, también lo es que en la era de internet, es relativamente sencillo conseguir entrar en contacto con autores consagrados o incluso apalabrar una visita a una imprenta o un estudio de diseño para resolver dudas o conocer de primera mano las necesidades técnicas que requiere un libro, como pueden ser métodos de impresión, características de los artes finales, métodos de encuadernación o tipos de papel.

Si bien es cierto que este manual no es garantía para que sus lectores se conviertan en un nuevo Mario Muchnik, un Carlos Barral, un José María Lara o un Jacobo Siruela, no hay nada que impida que pueda hacerse un hueco entre tantos y tan interesantes sellos editoriales surgidos en los últimos años como Periférica, Libros del asteroide o Cabaret Voltaire, que han hecho de la calidad, la buena selección editorial y la prudencia económica su fórmula del éxito.

Creación y gestión de proyectos editoriales en el siglo XXI
Del papel a la era digital. Magda Polo Pujadas
Ediciones de la Universidad de Castilla-La Mancha
206 páginas. Castellano

Calamar ediciones se ha erigido en la editorial de referencia en lo que a libros de cine se refiere gracias a, entre otras cosas, un cuidado diseño, obra de Miguel San José Romano, una buena selección de las fotografías (y un mejor empleo de las mismas que las dota de un enorme protagonismo) y una magnífica impresión que, en este caso que nos ocupa, corre a cargo de Brizzolis arte en gráficas.

Tras sus monografías sobre Ray Harryhausen o James Whale, ahora le ha tocado el turno a un interesante libro sobre los dioses de la nueva mitología, los superhéroes, que recorre desde los personajes clásicos como Flash Gordon, Capitán Marvel, Superman o Batman hasta creaciones recientes como Watchmen, Los Increíbles y otras, más al márgen del ideal de superhéroe al que estamos acostumbrados, como Kik-Ass o Dr. Horrible.

“Superhéroes” es un libro muy ameno que no precisa de ser leído de una sentada y al cual se puede volver repetidas veces para disfrutar de alguna anécdota, contemplar sus fotografías o sencillamente para consultar algún dato pues, uno de los aciertos de este volumen es incluir una ficha técnica de todas las cintas mencionadas y una bibliografía.

Superhéroes.. Del cómic al cine. Tonio L. Alarcón
Calamar ediciones. 280 páginas. Castellano

El símbolo es uno de los elementos esenciales de una marca. Además de transmitir información concisa sobre la compañía o su sector empresarial, permiten que sea reconocida de un simple golpe de vista. Por ello, crear buenos símbolos es no solo una necesidad sino todo un reto para cualquier diseñador. Por ello, no es mala idea tener a mano un volumen como el editado por Gustavo Gili en el que sus autores han recopilado más de mil ejemplos procedentes de todo el mundo y pertenecientes a empresas con perfiles muy diferentes.

El criterio de organización, basado en la división en dos epígrafes principales –“Figurativos” y “Abstractos”–, se divide posteriormente en otros muchos temas –“Figuras humanas”, “Objetos de uso cotidiano”, “Aves”, “Plantas y hojas”, etc.–, lo que permite ver en una misma página símbolos de aspecto semejante y estudiar las soluciones que los diferentes autores han dado a un problema parecido.

Todos los ejemplos cuentan con una ficha en la que se detallan los particulares de cada proyecto, como el nombre de la compañía que lo encargó, el nombre del estudio o diseñador que lo creó y una breve descripción del mismo. Además, aquellos trabajos que por relevancia lo merecen, cuentan con un estudio algo más detallado en un par de páginas e ilustrado con fotografías que muestran cómo se ha aplicado el símbolo en la realidad.

Símbolos. Angus Hyland, Steven Bateman

Gustavo Gili. 336 páginas. Castellano

Hervé Tullet, artista y creativo publicitario conocido en Francia como “el príncipe de los libros de preescolar”, presenta su nuevo título de la mano de la editorial Phaidon.

En esta ocasión aborda el tema de la cocina, invitando a los más pequeños a crear imaginativos platos siguiendo las divertidas y locas recetas que se incluyen y que han sido bautizadas con nombre como la “mermelada mágica” o los “pastelitos a la cera”.

Un libro concebido para ser pintado e intervenido por sus lectores y que demuestra la creciente demanda existente de este tipo de material por parte del público que, en los últimos tiempos, ha visto cómo los clásicos libros para colorear que acostumbraban a ser productos de autores anónimos, de baja calidad y destinados a ser usados y tirados, han sido sustituidos por ediciones de muy alta calidad, firmados por autores de renombre como el propio Tullet o Taro Gomi y editados por compañías de referencia como Phaidon o Cocobooks.

La cocina de dibujos. Hervé Tullet
Pahidon. 48 páginas. Castellano

Surgido como tesis doctoral, “La evolución de los caracteres de palo seco” es, en su versión publicada por la editorial valenciana Campgràfic, un ensayo que analiza esta familia de letras desde diferentes puntos de vista más allá del diseño, como su origen, su contexto histórico, su evolución a lo largo de los años y su recuperación por parte de los nuevos diseñadores, que han sabido incorporarla a proyectos para los que no estaba pensada en un primer momento.

El volumen se ilustra con numerosos ejemplos y contiene notas al pie que, a diferencia de lo que sucede con las tesis doctorales, en las cuales resultan redundantes, en este caso no solo no interrumpen la lectura sino que sirven de útil aclaración o de curiosa anécdota a lo narrado en el texto principal.

Con este trabajo, Marcos Dopico Castro ha logrado crear un libro de referencia que prácticamente agota el tema de las tipografías de palo seco, haciendo muy complicado que en un futuro próximo alguien se atreva adentrarse en el aparentemente sencillo universo de la tipografía grotesca.

La evolución de los caracteres de palo seco
Marcos Dopico Castro. Campgràfic. 256 páginas. Castellano

La comunicación actual es predominantemente visual. La necesidad de presentar los datos de forma correcta, clara y fácilmente comprensible de un vistazo es un imperativo de los tiempos en que corremos. Sin embargo, también es una obligación que a la hora de presentar esa información se haga de forma novedosa y creativa.

Para solventar este problema, “Diagramas” ofrece una amplia variedad de ejemplos de cómo estudios de diseño de diferentes partes del mundo –ninguno de ellos español– han resuelto proyectos de esas características para empresas de todo tipo y sector comercial.

Soluciones ordenadas en capítulos como “Branding y elementos promocionales”, “Estadísticas”, “Informes e instrucción” y “Diseño ambiental”, que abarcan ámbitos como la tipografía, la ilustración, piezas de diseño industrial, diseño expositivo e interior y, por supuesto, los diagramas de barras y circulares.

Los ejemplos, cercanos al centenar, se completan con explicaciones sobre el proyecto en cuestión, una amplia variedad de imágenes y el nombre de los responsables, cuyos datos se adjuntan al final del libro por si alguien tuviera la necesidad de contactarlos.

Añadido a todos estos atractivos, “Diagramas” cuenta con el un CD en el que se recopila una amplia variedad de iconos y símbolos libres de derechos para utilizar en futuros trabajos.

Diagramas. Grandes ejemplos de infografía contemporánea. 
Carolyn Knight y Jessica Glaser. Gustavo Gili. 226 páginas. Castellano

Los bares son lugares propicios para aquellos que están ávidos de aventuras, que necesitan conocer gente nueva, o sencillamente charlar y pasar el rato. La riqueza y variedad de personajes y anécdotas hace que del estudio atento de lo que sucede entre sus paredes pueden surgir infinidad de novelas y películas.

Ese es justamente el caso de “Xecs!” un grueso libro que desgrana los recuerdos de aquellos que, de una u otra manera, estuvieron relacionados con el bar Dadà de Reus, local que abrió sus puertas en 1980 y que sobreviviría casi dos décadas, hasta su cierre definitivo en 1998.

Además de su contenido autobiográfico –ilustrado con infinidad de fotografías, carteles y dibujos que permiten ver la evolución gráfica y estética del local y de la sociedad de la época–, el libro repasa a modo de introducción cómo fue la escena de bares y locales con música en directo en las ciudades de Reus y Salou durante las décadas de los 60 y 70.

Como afirman sus coordinadores, los hermanos Albert y Jordi Romero, “Xecs!” es un libro de familia que tal vez diga poco a aquellos que no frecuentaron nunca Dadà ni conocieron a sus clientes habituales. Sin embargo, las historias que en él se contienen resultan lo suficientemente divertidas y amenas como para pasar un buen rato recordando cómo éramos todos allá por las décadas de los ochenta y noventa.

Cabe destacar el hecho de que el libro no está sujeto a ninguna restricción de copyright, permitiéndose a los lectores reproducir tanto textos como imágenes sin ninguna restricción. Al fin y al cabo, los recuerdos y las vivencias surgidas en los bares son un poco de todos.

Xecs!. Els dadàs de Reus. Coord. Albert y Jordi Romero
Pragma edicions. 235 páginas. Catalán / Castellano

La editorial Cátedra reedita en su colección Cuadernos Arte Cátedra la obra más conocida de Marie-Loup Sougez, historiadora de la fotografía y pionera de esta disciplina en nuestro país. Una duodécima edición que, si bien respeta la portada original realizada por Diego Lara y su aspecto gráfico, se presenta revisada y ampliada.

El libro es una verdadera enciclopedia de la fotografía de tamaño bolsillo que repasa la evolución de este lenguaje artístico desde sus primeras manifestaciones y experimentos hasta la actualidad, prestando especial atención, no solo a sus manifestaciones, su influencia en los movimientos artísticos, sus publicaciones y exposiciones clásicas o sus figuras más representativas, sino también su aspecto técnico, sus mejoras hasta estandarizarse, la aparición del color y su enorme trascendencia en el campo de la imprenta al ser aplicada como método de reproducción de imágenes en serie.

Entre sus virtudes también se cuentan el hecho de prestar atención a la fotografía realizada en nuestro país –desde antes de la II República y tras la Guerra Civil hasta la actualidad– y a la fotografía de culturas afines como la latinoamericana, cercanas como la africana y lejanas como la oriental. Entre sus defectos, se puede mencionar su excesivo enciclopedismo y cierto tono conservador, lo que hace que, a pesar de sus actualizaciones, mucha de la fotografía más innovadora y actual quede fuera de sus páginas hasta que el tiempo y la experiencia avalen su inclusión en una futura edición.

Sea como sea, a día de hoy, “Historia de la fotografía” es un clásico del género, que debería estar (si no lo está ya desde hace años) en la biblioteca de cualquier aficionado o
institución relacionados con la fotografía. Su relación calidad-precio es difícilmente igualable por otros títulos disponibles sobre el mismo tema y la accesibilidad de su contenido puede servir para adquirir una visión general de la disciplina que asiente las bases que permitan afrontar textos más complejos o especializados.

Historia de la fotografía. Marie-Loup Sougez. Cátedra
576 páginas. Castellano

El trazo crudo y sin adornos de Igort parece hecho a medida para este libro, que retrata las vidas de distintas personas marcadas por los excesos del Stalinismo en la antigua URSS.
Fruto de los viajes que el autor realizó por Rusia y Ucrania durante dos años, este trabajo es un reportaje desgarrado y sin contemplaciones de una realidad intuida a grandes rasgos, pero desconocida en sus detalles. Con el material obtenido en sus viajes, Igort desarrolla una historia que atrapa al lector y que, tras la lectura de los testimonios de esas personas cuyas vidas fueron destrozadas por decisiones totalmente arbitrarias, lo devuelve completamente cambiado y exhausto.
Un libro que descubre algo más de lo sucedido en la URSS durante las décadas de los años 30, 40 y 50 del siglo XX y que demuestra que, lejos de ser coherentes con una doctrina política, ese tipo de acciones eran más propias de desequilibrados que de hombres de estado en su sano juicio.

Cuadernos ucranianos. Memorias de los tiempos de la URSS
Igort. Sins entido. 176 páginas

Anaya multimedia presenta una nueva edición de este título de Robin Landa, que ya se ha convertido en un clásico entre docentes y estudiantes de publicidad, comunicación y diseño gráfico.
Concebido como un manual, más que como un tratado o un ensayo, el libro repasa, tras dar una noción de lo que es la publicidad, la práctica totalidad de los pasos del proceso creativo, como la búsqueda de la idea, la redacción de textos, la creación de la marca, el diseño de los originales, la elección de las tipografías, la composición, la creación de campañas y la creación para medios online.
Su mayor atractivo radica en que sus textos son muy accesibles, sus páginas están repletas de ejemplos gráficos procedentes de todo el mundo (aunque predominan los de países anglosajones) y que incluye entrevistas con destacados publicitarios.
Un libro útil, aparentemente básico en sus contenidos, pero al que la enorme abundancia de éstos permite que se pueda volver a él periódicamente.

Publicidad y diseño. Las claves del éxito. Robin Landa
Anaya multimedia. Wiley. 288 páginas. Castellano

No es habitual encontrar en el cómic español trabajos que apuesten por la tradición del tebeo de aventuras. Historias que se presentan en tomos auto-conclusivos, pero que plantean una narración que se alarga en uno o dos títulos. Una fórmula explorada por clásicos del género como El teniente Blueberry de Giraud y Charlier, Adèle Blanc de Tardi o Blake y Mortimer de Jacobs, pero que en España no han tenido demasiados imitadores.
“Curiosity shop” rompe la tendencia de novela gráfica y cómic de temática introspectiva a la que estamos acostumbrados actualmente y nos plantea una historia de intriga ambientada en el Madrid de principios del siglo XX y protagonizada por una heroína con personalidad suficiente como para repetir en futuras aventuras.
Este trabajo, realizado por Teresa Valero y Montse Martín –otra rareza en el cómic español, en el que no suelen prodigarse las mujeres–, es un libro ameno, con buen guión, bien dibujado y con una asombrosa labor de documentación, al que nada le impediría ser exportado a otros países. De hecho, si la segunda parte es tan interesante como esta, lo de su proyección internacional es algo sobre lo que no cabe ninguna duda.

Curiosity shop. 1914: El despertar
Teresa Valero y Montse Martín
Glénat. 56 páginas. Castellano

El arte primitivo es difícil de ubicar en el marco del arte occidental. Aunque es innegable su pertenencia al mundo de lo estético, su estudio ha sido tradicionalmente labor de la Antropología –en lugar de por las Bellas Artes–, y tanto los marchantes como el mercado, le han prestado muy poca atención.
Estrechamente vinculado al colonialismo, no será hasta principios del siglo XX cuando el arte primitivo comienza a ser valorado por los artistas de vanguardia. Sin embargo y aunque estos artistas incorporaron a sus obras influencias primitivistas, este tipo de arte continuó estando poco valorado.
Estela Ocampo, profesora de Teoría e Historia del Arte en la Universidad Pompeu Fabra, aborda en este volumen el tema del arte primitivo, su estrecha vinculación con el mito y las sociedades en las que surge, su aceptación por la sociedad occidental –primero como atracción en los gabinetes de curiosidades y posteriormente en los museos– y, finalmente, la situación actual del arte primitivo contemporáneo.
De lectura amena, sencilla comprensión y un gran número de ilustraciones, “El fetiche en el museo” es una magnífica oportunidad para acercarse a esta realidad tan desconocida como atractiva y exótica.

El fetiche en el museo. Aproximación al arte primitivo.
Estela Ocampo. Alianza Editorial. 280 páginas. Castellano

Pau Virgili y Julio Wallowits, socios de la agencia de publicidad La Doma, plasman en este libro sus planteamientos y opiniones sobre la relación que se ha establecido entre empresas y consumidores a raíz de la aparición de las redes sociales y otras herramientas de comunicación que permiten un contacto fluido entre ambos.
Pensado para su explotación más allá del punto de venta, los contenidos de este libro se ofertan en forma de conferencias a universidades y empresas. Encuentros en los que se podrán escuchar reflexiones como la que afirma que “un taxista tiene tanto poder como la Coca-Cola”.
Un libro coyuntural que en ocasiones recuerda a las producciones que las cadenas de televisión hacen de eventos como la boda del príncipe heredero, una catástrofe aérea o el secuestro de un pesquero y cuya vigencia depende, más que de lo acertado o no de sus predicciones, de la aparición de un nuevo fenómeno que lo eclipse.

La reconciliación con el consumidor. Pau Virgili, Julio Wallovits
Empresa activa. 128 páginas. Castellano

Es difícil describir en unas pocas palabras lo que incluye “Fuente de letras”, pero podríamos decir que es todo lo que un diseñador precisa saber sobre tipografía en un solo volumen. Desde la invención de la escritura, la aparición de los primeros alfabetos o la invención de la imprenta, hasta la llegada de las tipografías digitales. Todo ello en más de seiscientas páginas divididas en tres secciones principales: historia y conceptos; un catálogo con cientos de ejemplos de tipografías; índice onomástico y diccionario de términos.
Editado por Taschen, este libro mantiene las características de calidad y buen precio de la compañía, pero se aleja de la línea estética y de contenido a la que nos tiene acostumbrados. En lugar de ser un libro predominantemente visual y relacionado con la cultura popular, es todo un tratado de tipografía en el que las ilustraciones se limitan a las muestras de caracteres o ejemplos que explican los apartados relativos a la evolución de esta disciplina.
El volumen se acompaña de un tipómetro de cartón en el que constan también ciertas ayudas para el diseñador, como las conversiones y equivalencias entre el sistema métrico decimal y las pulgadas o los atajos de teclado del Mac.

Fuente de letras.  Anatomía de los tipos
Joep Pohlen. Taschen. 640 páginas. Castellano

Tradicionalmente, las monografías sobre el mundo del cine solían ser títulos procedentes del extranjero traducidos al castellano, porque eran pocos los expertos españoles capaces de elaborar semejantes trabajos, tanto en lo que respecta a los contenidos como al modo de ilustrarlos.
De un tiempo a esta parte, sin embargo, Calamar Ediciones viene publicando trabajos originales de autores españoles que abordan de forma detallada películas como “El manuscrito encontrado en Zaragoza”, las películas de aventuras, la factoría Hammer, la vida y la obra de Ray Harryhausen o, como en el caso que ahora nos ocupa, las de James Whale, autor de filmes como “Frankestein”, “La novia de Frankestein” y “El hombre invisible”.
Firmado por Juan A. Pedrero Santos y prologado por Guillermo del Toro, este título repasa toda la filmografía de Whale, la pone en relación con sus experiencias vitales y la ilustra con cientos de fotografías, carteles, fotocromos y otros materiales que harán las delicias de los aficionados.
El libro destaca, además, por su buena presentación y correcto diseño, responsabilidad de Miguel San José Romano quien está logrando que la calidad de las ediciones de Calamar alcancen, además del fondo, a su forma.

James Whale.  El padre de Frankestein
Juan A. Pedro Santos. Calamar Ediciones
288 páginas. Castellano