“Jesús Ordovás, el crítico musical más influyente de este país, comparte por primera vez con los lectores su excepcional colección de recortes, discos y objetos fetiche del pop español. Una historia gráfica escrita con la participación, entre otros, de Pedro Almodóvar, Alaska, Kiko Veneno, Eva Amaral, Nacho Vegas... Década por década, desde 1970, es un viaje de más de cuarenta años que es en realidad el viaje de nuestra vida.
Con más de 400 fotografías, un Quien es quién del pop español y 30 cuestionarios manuscritos contestados por 30 estrellas del pop. El 16 de Octubre de 1977 Carlos Berlanga y Nacho Canut se encontraron en el Rastro con Alaska y El Zurdo en el que se considera origen de lo que más tarde sería La Movida. De aquel primer contacto...” así arranca la nota de prensa que acompaña al ejemplar, y es que este no es un libro para diseñadores. Y sin embargo, es una recopilación indispensable de elementos gráficos para entender cuatro décadas del diseño en nuestro país. Aunque cuando se habla del pop español todos admitimos que la música es el eje central, no se puede entender como un fenómeno sólo musical: alrededor el cine, la fotografía, la ilustración, la gráfica y la edición conforman un todo en el que se cruzan y entremezclan, conviven y comparten un espíritu común.
Así, quizá el exponente más claro lo tenemos en Víctor Coyote, de quien se diría que entiende
la música y el diseño como una misma cosa, dos expresiones de un mismo fenómeno. Además, encontraremos piezas impagables de Juanjo Sáez, Carlos Pueyo –diseñador de cabecera de Alaska durante años–, Max, el Hortelano, Ana Juan, Alberto García-Alix, Ouka Leele, Ceesepe, Gatti, Miguel Ángel Martín, Jerónimo Álvarez, Jesús Ordovás, Jorge Arévalo, Leviathan, Javier Aramburu, Mauro Entrialgo, Ipsum Planet, Labanda, Pedro Pan, Juan Pascual, Óscar Mariné... Y estos son los que se mencionan en el libro o hemos identificado, porque de la mayoría de las piezas es difícil conocer su autoría.
Especialmente interesante es la parte referida a las revistas. Permite reencontrarse con aquellos primeros números de Neomanía, (origen de la actual Neo2); Madrid me Mata, diseñada y coeditada por Óscar Mariné, La Luna o Madriz, Ruta 66, sin dejar de lado los fanzines fotocopiados. Los flyers
y las entradas a conciertos tienen también su espacio.
En definitiva, estamos ante un ejemplar imprescindible para diseñadores. Aunque no sea para diseñadores.

Viva el pop. Jesús Ordovás 

Lunwerg . 240 páginas. Castellano

Alrededor de la crisis han proliferado como género propio los libros de análisis y propuestas. No hay ya librería que no tenga un apartado dedicado al tema. En clara referencia a Indignaos, de Stéphane Hessel, el dibujante y humorista Malagón propone este ¡Cabreaos!, prolongado por Forges.
En palabras del propio Forges, “en la tarea colectiva de las artes creaivas, una de las mayores inquietudes de los creadores al llegar a una edad pelín provecta es hallar la seguridad de que su forma de crear, de ver el mundo, va a tener continuación, si no totalmente, sí parcialmente en algún cohumorreligionario más joven”. Viniendo de quien vienen, podría pensarse que estas palabras son sólo el halago comprometido cuando de prologar a un colega se trata, pero son algunos más. Malagón es uno de esos pocos especímenes de nueva generación entre los humoristas ácidos y comprometidos, esos pocos que mantienen la tradición de una generación entera de sacudidores que en el segundo franquismo y la transición mantuvieron alertas y cabreados a los que mandaban. La falta de relevo puede atribuirse al consabido “eran otros tiempos”, pero parece que está más que justificado recuperar el género. De ser así, Malagón es un exponente indispensable.
Se trata de un libro de viñetas en formato muy periodístico, perfectamente funcionarían en  blanco y negro, y textos breves y contundentes, se diría que sentencias.
A modo de introdudción, Malagón propone –como hiciera Stéphane Hessel– un manifiesto, que concluye con el siguiente párrafo: “El cabreo que de ser el motor del cambio. Abandonemos nuestro acomodado enfado frente a la televisón y pasemos al siguiente estado de ánimo: un creciente y cada vez más generalizado cabreo frente a la pérdida paulatina que sufrimos de nuestros derechos más básicos o la privación de nuestra posibilidad de reivindicarlos. Ha llagado el momento, cabréense”.

¡Cabreaos! Se ríen por encima de nuestras posibilidades. José Rubio “Malagón”

Ed. Deusto. 134 páginas. Castellano

La historia se desarrolla en un edificio cualquiera. Sus habitantes van y vienen, se encuentran unos con otros, hablan, sueñan, tienen esperanzas... En definitiva, viven. Un fantasma, que toma la forma de un conejo blanco, deambula de un apartamento a otro espiando a todos sus habitantes, a la vez que experimenta sus sensaciones: angustia, tristeza, muerte... Pero algo vive bajo los hogares, una negra y extraña forma conocida como “La Gran Oscuridad”. El conejo la visita cada noche para conectarla con los habitantes del edificio y para que a su vez ésta pueda alimentarse de sus sueños y mantenerse viva. Gialdelli recrea a lápiz las oscuras estancias y los paisajes urbanos donde sucede la acción, con personajes hieráticos que conforman una narración intimista con tendencia al desasosiego.
Con una inteligente utilización de las  luces, el color es un recurso que emplea mesura, prudentemente, sin estridencias. La delicadeza de esta ilustradora –ha hecho también series de animación, ilustración en prensa, diseño de alfombras y estampados para Alchimia y Memphis, y de objetos para Alessi y Swatch– se completa con personajes sólidos y creíbles, retratados con un expresionismo formal que es sello de identidad de esta obra. La edición por parte de Sins entido como es habitual, especialmente cuidada en los aspectos gráficos.

Interiorae. Gabriella Gialdelli

Sins entido. 144 páginas. Castellano.

No es poca la pereza que a los diseñadores les provoca acercarse al libro electrónico como un terreno nuevo a explorar: la ausencia de “control” sobre el diseño final, la limitación en las posibilidades, la parquedad de recursos, los discretos resultados... Pero los ebooks están aquí, y han llegado para quedarse. Quizá ha llegado el momento de enfrentarse a ello, y el primer paso será conocer la herramienta. Nos encontramos ante un manual sencillo y muy didáctico para la primera aproximación a la preparación de documentos para eReader, utilizando la aplicación InDesign para su confección.
El libro consta de tres partes bien diferenciadas. En primer lugar, una aproximación a InDesign, que arranca desde la instalación del programa, contenido de menús... Se diría que es casi un manual de uso, al que se le añaden nociones básicas de maquetación.
La segunda parte se refiere al formato ePub, aproximación a HTML y CSS. La última parte del libro se destina propiamente a los libros electrónicos, formatos, e incluso consejos para publicar y vender un ebook.
Hay que concluir que este no es el libro definitivo para convertirse en diseñador de libros electrónicos, pero constituye una primera aproximación necesaria. Esa función la cumple sobradamente. Alguien dijo una vez que los textos que se leen por placer deben publicarse con tipografías de tacón, y los que se leen por necesidad, en letra de palo. Este libro es de letra de palo.

Ebooks. Creación y diseño de libros electrónicos. Mª Amor Fernández

RC Libros. 186 páginas. Castellano

“La niña de rojo” es una versión moderna del cuento clásico de Caperucita Roja. El relato de Aaron Frisch, que narra el accidentado viaje de Sofía en un día de tormenta, recoge los principales argumentos narrativos: la abuela enferma, el bosque oscuro, el lobo malvado y la niña de abrigo rojo.
Las ilustraciones de Roberto Innocenti, precisas hasta el más mínimo detalle, muestran la gran ciudad como un territorio caótico, desigual, peligroso. Y en el corazón de ese laberinto de calles y edificios se encuentra la selva, un lugar multiétnico repleto de color y vida, la máxima expresión de la sociedad del consumo, la comunicación y la tecnología; con todos sus defectos, de los que se plantea una crítica contundente.
La estructura de las páginas tiene mucho de storyboard, escenas de plano con el texto en cuadro aparte.
Roberto Innocenti es un ilustrador de oficio, inició su trayectoria artística en un estudio de animación; también trabajó en la diagramación de libros y el diseño de carteles para cine y teatro.

La niña de rojo. Texto de Aaron Frisch. Ilustraciones de Roberto Innocenti

Kalandraka. 40 páginas. Castellano

Los anuarios de ilustradores  han sido género de éxito durante décadas. En cada país se editaban y era imprescindible no quedarse fuera, pues las agencias de publicidad y las editoriales  los tomaban como referencia ineludible a la hora de contratar. Eran también valorados muy especialmente en el extranjero –aquí, los americanos, japoneses e ingleses, fundamentalmente– como elementos de inspiración. Entonces llegó internet, y todo cambió. Aquellos tomos exquisitamente editados y caros, muy caros, no podían competir con las listas de enlaces y los blogs de referencia. Después fueron las redes sociales y las webs de archivo, como Pinterest o Flickr. Aquellos recopilatorios parecían haber perdido sentido.
Las editoriales rompían el férreo criterio de clasificación territorial y por autores, y establecían nuevos órdenes subjetivos y temáticos para componer sus recopilaciones.
Ilustradores Españoles sigue formalmente la estructura de aquellos anuarios. Una o dos páginas dedicadas a cada ilustrador, orden alfabético, un breve texto biográfico y esmerada reproducción de las ilustraciones en un papel estucado mate que las realza.
139 ilustradores conforman una recopilación representativa y heterogénea, dispar en estilos y sin concesiones oportunistas.
En ella la que consagrados y jóvenes talentos comparten páginas en igualdad de condiciones. Desde Arnal Ballester, Enrique Flores, Fernando Vicente y Ulises Culebro a Jorge González Molinero, Carla Berrocal, Rocío Cañero o Javier Jubera.
El volumen se completa con una introducción histórica de la ilustración en España, a cargo de Mario Suárez, autor también de la selección.
Es a la postre un formato que parecía desaparecido, y en su recuperación se demuestra que sigue teniendo su espacio. Quizá la cantidad de nuevos ilustradores y su visibilidad constante y reiterativa a través de la red sea precisamente lo que genere ese espacio. Si hace unos años se trataba de dar a conocer lo que se hacía, quizá ahora toca seleccionar lo que destaca.

Ilustradores Españoles. Dibujos, formas y colores que harán tu vida más bella 

Mario Suárez. Lunwerg, 2013. 117 páginas. Castellano

La ilustradora Elena Hormiga realiza su personal visión de una historia tradicional de Papúa Nueva Guinea. En ella un pescador emprende un largo viaje para averiguar si el sol y la luna son dos seres diferentes o solo uno.

La aportación de Hormiga a esta leyenda son ilustraciones de gran formato, realizadas con una paleta de color limitada pero muy bien aprovechada que mezcla los negros y grises con toques de azul y unos personajes de gran expresividad.

El trabajo que aunque orientado al público infantil puede resultar incluso más atractivo para el público adulto, fue reconocido con el Premio Internacional Álbum Ilustrado Edelvives 2012 por un jurado en el que, entre otros, se encontraban las ilustradoras Rébecca Dautremer y Ana Juan.

Ahora solo queda esperar los próximos trabajos de esta Ingeniera Superior Informática que tras desempeñar diferentes ocupaciones decidió dedicarse al mundo editorial con muy buen criterio, todo sea dicho.

El hombre que quiso conocer a la luna. Elena Hormiga

Edelvives. 36 páginas. Castellano

La obra del Marqués de Sade siempre está de actualidad. Sin embargo, las ilustraciones que para esta edición ha realizado Miguel Ángel Martín la hacen aún más moderna e inquietante. Además de porque es complicado imaginar un ilustrador que pueda recrear mejor las acciones descritas por el Marqués, porque su visión del clásico hace que imposible discernir si la obra se desarrolla en el siglo XVIII, en el XXI o en un futuro cercano.

Impreso en negro y rosa, el libro se aleja del clásico volumen ilustrado en el que los dibujos aparecen transcurridas un determinado número de páginas, haciendo que los dibujos se integren en la narración y la maqueta, formando un todo homogéneo.

Martín, responsable también de la adaptación y la edición del texto, consigue hacer que este clásico, lejos de ser una edición más de “Los 120 días de Sodoma”, resulte lo suficientemente nuevo y atractivo como para que merezca la pena tenerlo junto a otra edición del mismo título.

Los 120 días de Sodoma. Marqués de Sade

Reino de Cordelia. 394 páginas. Castellano

Kalandraka presenta esta versión infantil de la famosa obra de Vivaldi, que cuenta con los textos de José Antonio Abad Varela y las ilustraciones de Emilio Urberuaga.

El libro narra la historia de una ardilla que va recorriendo diferentes lugares y viviendo múltiples aventuras, mientras el paso del tiempo va dando lugar a la primavera, el verano, el otoño y el invierno.

El libro se completa con un CD en el que la violinista Sarah Chang interpreta la obra, y al que se hace constante referencia en el texto incluyendo el número de pista y el minutaje del tema que se está interpretando en cada momento, para que el niño vaya siguiendo la música y asociándola a las diferentes situaciones que se narran, como la caza del zorro, la siega, la lluvia de invierno o las tormentas de verano.

Un libro perfecto para que los más pequeños comiencen a familiarizarse con la música clásica y mucho mejor ilustrado que los productos que con este fin han surgido, por ejemplo, de entes como RTVE y su colección de Clásicos Populares para niños.

Las cuatro estaciones. Vivaldi, Emilio Urberuaga y José Antonio Abad Varela

Kalandraka. 48 páginas. Castellano

Antes de dedicarse por completo a la literatura, Georges Perec era archivero. Tal vez esa obligación por siglar, clasificar y guardar cosas hizo que, en  octubre de 1974, Perec decidiera verter en un libro todo lo que acontecía en la plaza Saint-Sulpice de París.

Durante tres días, el escritor anotó los más mínimos detalles sobre la gente que pasaba, los vehículos que circulaban, el cambiar de las nubes, los movimientos del sol, los fenómenos atmosféricos, el volar de los pájaros... Detalles cotidianos que, si los analizamos en conjunto, tienen la apariencia de la más absoluta nada pero que son los que conforman nuestra vida cada día.

Esas observaciones dieron lugar a “Tentativa de agotamiento de un lugar parisino”, libro publicado ahora por Gustavo Gili, que sigue el camino emprendido por otros artistas en su afán por describir el paso del tiempo y los cambios experimentados por aquellas cosas que parecen inmutables como Andy Warhol y su cinta “Empire” o los cuadros de Monet sobre la catedral de Ruán.

Un libro que debe ser leído atendiendo al momento histórico en el que surge y en el que la arquitectura y el urbanismo eran objeto de diferentes debates, como los emprendidos por los internacional situacionistas para mejorar la calidad de vida de las ciudades, a través de métodos de análisis y obtención de datos como las “derivas”.

Tentativa de agotamiento de un lugar parisino. Georges Perec

Gustavo Gili. 64 páginas. Castellano

Libro sencillo en apariencia pero complejo en su contenido que gira en torno a la muerte y el dolor provocado por la pérdida de un ser querido.

Cuando el padre de Harvey, el niño protagonista, fallece de un repentino ataque al corazón, la familia se sume en una situación complicada de asimilar por parte de Harvey y su hermano. Para superarla, el primero comenzará a relacionarse con Scott Carré, personaje principal de la película “El increíble hombre menguante”.

Aunque en un primer momento la historia de Harvey resulte ser el mayor aliciente de este libro, en realidad es el modo de contarlo y especialmente los dibujos que la acompañan lo que realmente hace de este libro un trabajo especial. Ilustraciones repletas de texturas, muy expresivas y con una paleta de colores muy limitada en la que abundan los colores ocres muy poco saturados, hacen de Harvey un libro diferente en cuyas imágenes hay mucho de lenguaje cinematográfico y no solo por sus logradas e ingeniosas recreaciones de la famosa película de la Universal antes mencionada.

Harvey. Hervé Bouchard y Janice Nadeau

Sins Entido. 168 páginas. Castellano

Catálogo que recoge los trabajos expuestos en la muestra “Maestros de la cerámica y sus escuelas” realizada en Zaragoza y en la que diez artistas presentaban obras inspiradas en la obra de Ángel Garraza.

Esta propuesta, realizada en años anteriores con otros autores como Arcadio Blasco y Enric Mestre, es una magnífica oportunidad para conocer cuáles son las tendencias estéticas y artísticas que se están desarrollando en la cerámica actual y que nada tienen que ver con los acabados, temáticas o formas a las que estamos acostumbrados.

De hecho, los trabajos que se recogen aquí demuestran que la cerámica ha dejado de estar vinculada a la artesanía para dar el salto al mundo del arte, tanto en lo estético como en lo conceptual, como demuestran las propuestas de, por ejemplo, Bianca Trifán, Miren Mendizábal, Maite Leyún.

El libro se completa con obras del propio Garraza en las cuales se han inspirado el resto de artistas, una entrevista con él y textos sobre cada uno de los autores.

Maestros de la cerámica y sus escuelas. Ángel Garranza

Taller-Escuela Cerámica de Muel. Varios autores
Castellano. 120 páginas

El presente título incluye los trabajos de fin de carrera de los alumnos de la licenciatura de arquitectura de la universidad madrileña de la promoción 2011-2012.

Propuestas para mejorar nuestra vida y nuestro entorno surgidas de una nueva generación de profesionales que, aunque son conscientes del mal momento que vive nuestro país y otros países de nuestro entorno, encaran su tarea con ilusión y una visión renovada de la arquitectura que incluye conceptos antes ignorados o no lo suficientemente atendidos como la ecología, el desarrollo sostenible y responsabilidad para con la sociedad de la que forman parte.

Llama también la atención, especialmente para los profanos de la arquitectura, incapaces de interpretar planos, la manera en que los alumnos presentan sus trabajos. En ese sentido, el libro es un interesante ejercicio en el que es posible ver cómo diferentes proyectos tienen diferentes estéticas según el sector al que vayan dirigidos, por ejemplo, un teatro, un taller de reparaciones o un centro de talasoterapia.

Como todo ejercicio académico, muy posiblemente ninguno de estas propuestas lleguen a materializarse; pero no se puede descartar que alguno de los alumnos participantes acabe siendo un arquitecto de renombre en el futuro. Estaremos atentos.

En tránsito IV. 2011-2012. Varios autores

Universidad Europea de Madrid. 232 páginas. Castellano e inglés

“Un diccionario de símbolos es una empresa demente propia de un personaje de Borges”. Esta frase de Juan-Paul Clébert abre esta obra imposible, este mar sin orillas, emprendida por Federico Revilla publicada hace más de veinte años y que ahora estrena su octava edición.

Con casi trescientas voces nuevas, lo que hace un total de 3.305, este diccionario es un útil e interesante libro para investigadores o lectores en general que quieran conocer qué significados se ocultan en edificios, esculturas, pinturas, creaciones literarias y otras obras de arte.

Su lenguaje sencillo y su amplitud de miras a la hora de incorporar términos o referencias recientes –como Sara Bernhardt, Silicon Valley, Pelé, El Principito de Saint Exupery, El extranjero de Camus, El Valle de los Caídos, los juegos de rol...– lo hacen cercano, accesible y alejado del artificio academicista o de una erudición innecesaria.

Como todo buen diccionario de símbolos que se precie, el de Federico Revilla no se circunscribe a aquellas culturas más cercanas a la nuestra, como podrían ser la judía, la musulmana o la cristiana, sino que amplía su análisis a las religiones de los pueblos indígenas de América y Polinesia. Asimismo, se incluyen abundantes reproducciones en blanco y negro de algunas de los términos recogidos y una breve bibliografía, un hecho comprensible pues, dada la complejidad de la obra, resultaría imposible, incluir todas las referencias que, en el caso de Revilla, abarcan desde libros hasta artículos periodísticos o películas cinematográficas.

Diccionario de iconografía y simbología. Federico Revilla

Cátedra. 818 páginas. Castellano

Jean-Paul Jouary, profesor de filosofía y amante de la gastronomía, ha sido un frecuente comensal de El Bulli hasta que el restaurante cerró sus puertas recientemente.

En este libro, analiza la labor de Ferran Adrià desde la reflexión filosófica, llegando a comparar al cocinero con un creador a la altura de artistas plásticos y músicos.

Para Jouary, la vivencia del que acude a comer a El Bulli no se diferencia excesivamente de la de una persona que busca una experiencia cultural. Para argumentar este planteamiento, el autor francés describe en las páginas del libro algunos de los platos creados por Adrià y su equipo y otros elementos reseñables, como la colocación de esos platos en el orden de la carta o la confección de esta y su manera de alternar sabores y texturas.

Además de por su planteamiento teórico, el libro destaca por su especto gráfico, especialmente por las fotografías de Francesc Guillamet que capturan los platos que se mencionan en el texto con una gran calidad de detalles, que permiten imaginar algunas de las características de los mismos y las sensaciones que pretenden transmitir.

Ferran Adrià, ¿cocinero o artista?. Un filósofo en el Bulli

Jean-Paul Jouary. Alianza Editorial. 160 páginas. Castellano

El arte latinoamericano es uno de los grandes desconocidos fuera de sus fronteras. Sin embargo, su frescura, su juventud, su irreverencia, su carácter crítico, su reivindicación y su iconoclasia lo convierten en uno de los más interesantes del mundo, al menos, cuando lo comparamos con el aburguesado y complaciente arte europeo y estadounidente, mecas –hasta la aparición de China–, del arte contemporáneo actual, al menos desde el punto de vista del mercado.

En este título, Iri Candela repasa las últimas dos décadas de esa efervescente escena artística a través de la obra de autores cuyas edades se encuentran entre los 35 y 55 años. A pesar de su juventud, esta generación de artista ha sabido desarrollar un estilo propio en el que se mezclan elementos de culturas como la anglosajona con las tradiciones autóctonas de los diferentes países.

Lenguajes como el videoarte, las instalaciones o las acciones artísticas en lugares públicos articulan este trabajo que, de forma colateral, aborda temas de gran calado en esas sociedades como la justicia, la injusticia, las dictaduras o la figura de los desaparecidos, pues aunque muchos artistas parecen haberlo olvidado, una de las funciones del arte es el de servir de revulsivo y poner de manifiesto las paradojas o situaciones conflictivas que afectan a la sociedad en la que surge.

Contraposiciones. Arte contemporáneo en Latinoamérica 1990-2010

Iria Candela. Alianza forma. 200 páginas. Castellano

Tras la publicación de “La pata del escarabajo”, la editorial Meettok continúa con su labor de rescate de la obra del John Hawkes, escritor y profesor estadounidense cuya obra, o al menos parte de ella, estuvo publicada en grandes editoriales como Alfaguara y que, en la actualidad resulta difícil de encontrar.

En esta ocasión le ha tocado el turno a “Travesti”, novela en forma de monólogo publicada en 1976, que cierra lo que Hawkes llamó la “Trilogía del sexo”, y que está construida sobre tres personajes que conviven a la fuerza en un automóvil que rueda por las carreteras del sur de Francia.

A lo largo de sus páginas, Hawkes despliega su característico humor negro y, por boca de los protagonistas, va desgranando sus opiniones sobre la vida y la literatura, todo ello aderezado con buenas dosis de acción y violencia.

Travesti. John Hawkes

Meettok. 144 páginas. Castellano

La editorial Cátedra reedita el que tal vez sea el tratado sobre anatomía más curioso y sorprendente de su catálogo.

Concebido y escrito por el escultor Juan Bordes, el libro repasa la representación del cuerpo humano a lo largo del periodo comprendido entre el siglo XVI al XX.

Organizado en cuatro capítulos –El dibujo, La anatomía, La proporción y la Fisiognomía–, el volumen destaca por la profusión de imágenes procedentes de cientos de libros, cuadernos de apuntes, grabados y otros materiales impresos pertenecientes a la colección del propio Bordes y que, además de proponer un interesante repaso de cómo ha evolucionado la representación de la figura humana a través de las diferentes formas de impresión, permite analizar cómo esas técnicas, por ejemplo la aparición de la fotografía, han influenciado en la forma de entender y transmitir una disciplina como la anatomía.

“Historia de las teorías de la figura humana”, que por contenido y lo peculiar de sus ilustraciones bien podría haber formado parte del catálogo de editoriales como Taschen, es un trabajo que merece, no solo su reciente reedición, sino su traducción a otros idiomas, pues estamos convencidos de que el público de otros países quedará tan asombrado como el español ante este despliegue de conocimientos sobre la materia y esa colección de materiales que, sin lugar a dudas, puede constituir una de las más importantes del mundo en manos privadas.

Historia de las teorías de la figura humana

El dibujo, la anatomía, la proporción, la fisiognomía

Juan Bordes. Cátedra. 360 páginas. Castellano

Una de las características de Gustavo Gili como editorial es su capacidad para publicar en castellano títulos internacionales que resultan tremendamente útiles y didácticos para cualquier persona que desea desarrollar su carrera profesional en el campo del diseño o de la creatividad. Son muchos los libros de su catálogo que, a pesar del paso del tiempo, continúan estando vigentes y siendo útiles la las sucesivas generaciones de diseñadores, fotógrafos, arquitectos o diseñadores de moda que se incorporan a sus respectivos sectores. Este es el caso de el manual de tipografía de John Kane, del que ahora se acaba de presentar su segunda edición revisada y ampliada. Un completo tratado que, aunque es definido con cierta modestia como “una introducción” a la tipografía o un libro que expone “los principios básicos” de esa actividad, aporta suficientes conocimientos como para manejarse con bastante soltura por el mundo de las letras y de la composición de textos.

Con un diseño sobrio y muy correcto, el trabajo de Kane aborda la tipografía partiendo desde sus principios más básicos, como su terminología léxica, los diferentes tipos o la forma de medirlos, y continúa repasando la evolución de la tipografía a lo largo de la historia, los diferentes tipos de párrafo, las formas gráficas de enfatizar el significado, las proporciones, las necesidades tipográficas del texto corrido y del titular, las diferentes retículas...

Por último, cabe destacar otra de las muchas virtudes de “Manual de tipografía”, la de que es un libro que, tras su lectura, no deja de resultar útil, convirtiéndose en un magnífico aliado del diseñador a la hora de resolver aquellas dudas que surgen cuando se encara un nuevo proyecto.

Manual de tipografía. John Kane

Gustavo Gili. 230 páginas. Castellano

El clásico de Enric Satué ha sido revisado, corregido y aumentado para adaptarlo a los nuevos tiempos y acercarlo a los lectores más jóvenes. Un libro que durante mucho tiempo ha sido imprescindible para tener una visión general –pero no por ello menos fiel a los hechos– sobre la disciplina del diseño gráfico a lo largo de la historia.

Aunque en un primer momento pueda parecer que estudios y manuales de este tipo resultan obsoletos al existir internet, el hecho de haber sido realizado por uno de los diseñadores claves de la historia del diseño en España y su sistematización, hacen de él un material al que siempre se puede recurrir con la confianza de saber que está bien documentado. En todo caso, el lector que desee profundizar en sus contenidos, encontrará en él numerosas referencias bibliográficas –no necesariamente relacionadas con el diseño, lo que lo hace aún más atractivo– e internet, como sucedía con el dinosaurio de Monterroso, seguirá ahí incluso para abundar en esas nuevas pistas bibliográficas.

Ahora solo falta desear que Satué se decida a actualizar su otro gran libro, aquel que repasa la historia del diseño gráfico español y que, a la vista de lo que se ha desarrollado el sector en los últimos tiempos y dada la aparición de muchos y muy buenos estudios y profesionales, promete ser bastante más voluminoso de lo que era en su primera edición.

El diseño gráfico. Desde los orígenes hasta nuestros días

Eric Satué. Alianza Forma. 696 páginas

En pocas palabras, este título organizado por Ellen Lupton –profesora, diseñadora gráfica y comisaria en el Cooper-Hewitt National Design Museum de Nueva York– es un ameno manual práctico perfecto para conocer y desarrollar las actividades necesarias para llevar a buen puerto un trabajo creativo.

Como si fuera un juego o un libro de actividades, “Intuición, acción, creación” va desgranando los pasos que debe dar un creativo para desarrollar su labor en textos breves, claros y apoyados por consejos destinados a evitar que la actividad se encalle o fracase.

El libro cuenta además con estudios de casos concretos –entre los que se cuenta la campaña Laus de Toormix–, en los que se analiza el problema a resolver y la idoneidad de las soluciones aportadas, todo ello con una clara intención de hacer que el producto resulte visualmente muy atractivo. Tanto es así, que este libro podría ser utilizado en otros ámbitos no necesariamente relacionados con el diseño y ni siquiera con los negocios, sino en un escenario educativo en el que se quiera promover el trabajo en equipo, la creatividad, el ingenio y la búsqueda de soluciones para situaciones de la vida cotidiana.

Intuición, acción, creación. Graphic design thinking

Ellen Lupton (Ed.). Gustavo Gili. 184 páginas. Castellano

Tipos Latinos es, según consta en el presente volumen, un “espacio natural de encuentro de la tipografía latinoamericana”, cuyo propósito es llevar a cabo la Bienal de Tipografía Latinoamericana, una cita con esta disciplina que se celebra de forma simultanea en los diferentes países que conforman y en la que se suceden exposiciones y debates sobre la tipografía.

Tipos Latinos también es una suerte de premios, pues todos los trabajos que aparecen en este libro lo hacen después de haber sufrido una exigente selección por parte de los responsables del jurado, entre los que se encuentran destacados profesionales de Argentina, Brasil, Chile, Colombia, México, Uruguay y Venezuela.

Organizado en seis categorías –Texto, Título, Experimental, Miscelánea, Familia y Diseño con fuentes latinoamericanas– el libro contiene propuestas tan interesantes como las tipografías “Alegreya Ht Pro” y “Acme” de Juan Pablo del Peral, la “Telesforo black” de Carlos Fabián Camargo, los ornamentos “Sopi” de Pablo Ugerman, la “Almendra” de Ana Sanfelippo y la “Mazúrquica” de Javier Quintana Godoy.

El libro se completa con una introducción de José María Ribagorda así como con textos en los que los miembros del jurado comentan cada uno de los trabajos seleccionados y explican el porqué de su decisión.

Tipos Latinos 2012. V Bienal de Tipografía Latinoamericana

Varios autores. Instituto Cervantes / Tipos Latinos

142 páginas. Castellano, francés e inglés

Mientras que Tom Wolfe personificó el nuevo periodismo de salón y exquisito, Hunter S. Thomson llevó ese nuevo género a cotas de gamberrismo y locura hasta antes inimaginables. Sus trabajos sobre el Derby de Kentucky, sobre Las vegas o su temporada pasada junto a los Ángeles del Infierno, marcaron un hito en la historia del reportaje a la vez que sirvieron para afianzar proyectos editoriales independientes como Rolling Stone.

Con una vida tan tumultuosa e interesante como los temas que elegía para sus artículos, Hunter S. Thompson ya había sido objeto de trabajos de tipo biográfico en el campo del cine, la literatura e incluso el teatro. Sin embargo, esta es la primera vez que una novela gráfica aborda su vida.

Partiendo de algunos de sus textos, que se reproducen tal cual en algunas de las viñetas, Bingley y Hope-Smith han creado este cómic construido con frases breves, imágenes de inspiración cinematográfica y un trepidante ritmo en la narración.

Editado por 451 Editores, que día tras día afianza su apuesta por el cómic y la novela gráfica con un criterio muy coherente tanto en estética como contenido,“Gonzo” hará buena compañía a otros títulos de esa compañía, como “Passolini” o “The beats”.

Gonzo. La historia gráfica de Hunter S. Thompson

Will Bingley y Anthony Hope-Smith

451 Editores. 182 páginas. Castellano

Luis Gasca y Román Gubern continúan con sus curiosos e interesantes diccionarios relacionados con el mundo del cómic. Tras analizar las onomatopeyas y el discurso de esta forma de comunicación, ahora le ha llegado el turno al erotismo en los tebeos.

Si bien este tipo de productos siempre estuvo sometido a una férrea censura, por considerarse que estaban destinados al público infantil, el cómic ha demostrado una enorme capacidad a la hora de reflejar con dibujos todo tipo de variaciones sexuales desde lo más inocente a lo más perverso.

Como afirman los autores de este volumen, a partir de que se produjera la explosión del cómic underground norteamericano y se liberalizase el concepto de la sexualidad, los autores de tebeos pudieron reflejar con mucha más facilidad este tipo de contenidos que los fotógrafos o directores de cine, aunque solo sea por el bajo coste a la hora de representarlos.

Organizado alfabéticamente, como todo buen diccionario que se precie, el libro repasa un amplio abanico de variaciones sexuales –algunas de las cuales serán desconocidas para un lector no iniciado, como felpursufilia, esteatopigia, emetofilia, dipoldismo o dacrifilia– todo ello ilustrado con imágenes procedentes de cómics de la colección de Luis Gasca.

A la luz de la vasta documentación y conocimientos de ambos autores, que permite que en ninguno de los tres volúmenes se repita el mismo material, no sería extraño que en breve, nos sorprendieran con un nuevo tomo sobre otro tema. Esperemos que así sea.

Enciclopedia erótica del cómic. Luis Gasca y Román Gubern

Cátedra. 456 páginas. Castellano

Tras el éxito de su primera novela gráfica, “Fun home”, la ilustradora norteamericana Alison Bechdel vuelve a inspirarse en su familia para crear “¿Eres mi madre?”.

En esta ocasión, Bechdel narra su relación con su madre y analiza cómo transformaron su vida determinados acontecimientos, como el nacimiento de la propia Alison, la infelicidad producida al conocer que su marido era homosexual, la noticia de la homosexualidad de su hija o la decisión de esta de hacer un cómic sobre su familia.

De hecho, buena parte de “¿Eres mi madre?” es todo el proceso de creación del libro, pudiendo ser testigo el lector de las investigaciones que van dando lugar a la trama, de las conversaciones entre madre e hija, de la forma en que la autora boceta las páginas, o de la recreación en dibujo de documentos y fotos de familia

Una novela gráfica presentada como un “drama cómico”, aunque tal vez tenga más de lo primero que de lo segundo, cuya lectura, a pesar de los hechos que se narran, resulta agradable y hasta cierto punto optimista gracias, en buena parte, a la naturalidad y sinceridad con la que la autora presenta los hechos.

¿Eres mi madre? Alison Bechdel

Mondadori. 304 páginas. Castellano

El auge que experimentan las series de ficción en la actualidad ha generado un importante cambio en el mundo de la televisión y sus espectadores, un hecho que ha repercutido muy positivamente en otros sectores. De repente, productos como camisetas, juegos, libros o muñecos han visto cómo se ampliaba el que era su público habitual –normalmente niños y adolescentes– para alcanzar a un sector de la población más adulto, en franjas de edad que superan los 30 y 40 años.

“Juego de Tronos” es sin duda uno de los éxitos de esta temporada, tanto en lo que se refiere al mundo editorial como al televisivo, lo que ha provocado que proliferen infinidad de productos relacionados con el universo creado por George R. R. Martin. Uno de ellos es este libro, prologado por el propio Martin, en el que se incluyen entrevistas con los directores, se repasan los diferentes personajes, a las diferentes sagas, se hace referencia a los capítulos y se narran anécdotas del rodaje, todo ello ilustrado con abundantes fotografías y maquetado con una estética que recrea las tipografías y la ornamentación de la serie.

Un interesante y completo libro para aficionados a “Juego de Tronos”, avalado por la HBO, cadena que financia y emite esta producción.

Juego de Tronos. El libro oficial

Bryan Cogman (et al.). Grijalbo

192 páginas. Castellano

“Goliat”, de Tom Gauld, es todo un ejercicio de buen cómic. Una obra que, bajo su aparente sencillez, esconde una amplia gama de matices tanto en lo narrativo como en lo estético.

Como primera sorpresa, destaca el hecho de que, como sucede con libros como “A sangre fría” o “Crónica de una muerte anunciada”, el lector sabe desde el primer momento el trágico desenlace de la historia, sin embargo, el talento de Gauld consigue que la narración resulte tan absorbente que parezca que se está leyendo por primera vez.

El asombro continúa cuando comprobamos que Gauld es capaz de construir una obra sólida y coherente con un hecho que para muchos otros autores no pasaría de la anécdota. Para ello, recurre a un muy buen tempo narrativo, una buena labor de creación de personajes, a unos escenarios reconocibles –que permiten contar de forma precisa en qué lugar se encuentran los personajes en cada momento y cómo transcurre el paso del tiempo en sus vidas– y, lo más importante, a un cambio radical en el planteamiento que, por primera vez, pone a Goliat como protagonista de la historia, con sus dudas y con sus preocupaciones, en lugar de centrar la atención en el siempre virtuoso David.

Por último, un dibujo sencillo, potenciado por un buen uso del bitono, hace que este Goliat resulte un libro delicioso y entrañable, que hace que la nueva temporada de lanzamientos editoriales en el mundo de cómic comience con muy buen pie.

Goliat. Tom Gauld

Sins Entido / Apa-apa. 96 páginas. Castellano

Tonohau es una pequeña localidad nipona a la que va a parar Daniel Wells, un joven estadounidense que llega a Japón para trabajar como profesor auxiliar de inglés.

A partir de ese hecho, Lars Martinson desarrolla una historia sobre las diferencias culturales, las relaciones humanas, el amor y la soledad en el que abundan los momentos cómicos y alguna que otra escena, si no dramática, si un tanto triste.

Si bien Martinson no es un virtuoso del dibujo, demostrando un mayor talento para los ambientes y escenarios que para el diseño de personajes, su forma de trabajar es eficaz y permite mantener el interés a pesar de las más de doscientas páginas de cuenta el libro.

Lo único que llama la atención es lo extraño que resulta que un dibujo con tanta textura y trazo manual esté acompañado de bocadillos rotulados con tipografía mecánica. Un detalle aparentemente mínimo, pero que en ocasiones contrasta en exceso con el conjunto de la página. En todo caso, dicha decisión corresponde al propio autor y, como tal, habrá que tenerla como buena, al menos en lo que respecta a cómo concibió estéticamente el acabado de la obra.

Tonoharu. Lars Martinson

Sins Entido. 268 páginas. Castellano