libroteca

2012-01-24T04:09:00.000-08:00

Joann Sfar es un viejo conocido del público español aficionado a los cómics gracias a personajes como Sócrates el semi-perro o el profesor Bell. En esta ocasión emplea su reconocible trazo para narrar una historia protagonizada por Marc Chagall, a través del cual va desgranando anécdotas de su vida y explorando algunos de los temas que le preocuparon a lo largo de ella.

La guerra, el amor, la muerte, la religión, la política, los progromos y, por supuesto, el arte y la pintura, son objeto de reflexión por parte de un joven Chagal que, al menos en la obra de Sfar, se revela como una persona curiosa y divertida.

Es de destacar el talento de Sfar para mezcla en la narración la realidad con la ficción y cómo en esta los personajes transitan con soltura entre su vida cotidiana y su vida onírica, exponiendo al lector sus miedos, sus anhelos o sencillamente sus fantasías. Para ello el autor despliega un código de colores que diferencian los distintos momentos, escenarios o avatares por los que atraviesan sus personajes.

“Chagall en Rusia” es una interesante novela gráfica plagada de peculiares personajes en la que confluyen momentos muy divertidos –especialmente los relacionados con los amoríos del pintor–, y momentos realmente dramáticos, relacionados con la realidad histórica que le tocó vivir. Un título que demuestra una vez más la buena labor editorial que viene realizando 451 desde su aparición y que deja claro, para todos aquellos que pudieran dudarlo, que su apuesta por la novela gráfica o los libros relacionados con las artes plástica y el diseño no es un capricho pasajero.

Chagal en Rusia. Joann Sfar. 128 páginas
451 editores. Castellano

2012-01-20T02:52:00.000-08:00

Concebido originariamente como tesis doctoral, Victor I. Stoichita –conocido de los lectores españoles gracias a títulos como “Cómo saborear un cuadro”, también editado por Cátedra en su Colección Ensayos de Arte Cátedra–, aborda el tema de cómo surgen los cuadros en la cultura occidental a la luz de una nueva situación histórica, concretamente, la desaparición del cuadro como soporte clásico de la obra de arte.

Acompañado de un gran número de imágenes a color y blanco y negro que ilustran lo que se va narrando en el texto, Stoichita estudia el cuadro como objeto cultural, dejando a un lado su carácter religioso o de colección. Para ello divide su ensayo en tres grandes capítulos –“El ojo soprendido”, “El ojo curioso” y “El ojo metódico”– a través de los cuales va desgranando temas como los límites del cuadro, el marco dentro del lienzo, los cuadros dentro de los cuadros, las representaciones de los estudios de los pintores, la reproducción de los mapas y los espejos en las obras de arte, la aparición el autorretrato como género pictórico, su evolución a lo largo de la historia e incluso la reproducción de un cuadro visto por detrás, un atrevimiento conceptual que parece propio de movimientos artísticos de nuestra época y que en realidad se remonta al siglo XVII.

El volumen se completa con un índice onomástico, otro de ilustraciones y con una vasta bibliografía para aquellos a los que este titánico ensayo les sepa a poco y necesiten de más información sobre una realidad que, por resultarnos aún tan cercana y cotidiana, nos parece menos compleja y rica de lo que realmente es.

La invención del cuadro. Victor I. Stoichita
Editorial Cátedra. 514 páginas. Castellano

2012-01-16T03:04:00.000-08:00

Un nuevo volumen de lospremios Laus, concretamente el correspondiente a la edición del 2011. En estaocasión, en lugar de limitarse a ser una mera recopilación de los trabajospremiados y seleccionados, el libro se presenta con un hilo conductor, unainnovación acertada de no ser porque el tema elegido es la envidia, un chistede cuadrilla solo comprensible por las personas relacionadas con el diseño y lapublicidad –y no todos–, pues pocos profesionales de otras disciplinasentenderán que la envidia tenga cabida aquí.

Ese concepto estáexplícito en un breve texto, unas gráficas en las primeras páginas y en lasfotografías de los diferentes jurados, obligados a posar en actitudessoberbias, para cumplir con el expediente aun a riesgo de resultarestrafalarios para el lector y hasta para algunos de ellos, que no parecen muycómodos en dicha tesitura.

Desde el punto de vistadel contenido, este “The book of envy” recopila las piezas que, a juicio de losdiferentes jurados, han sido las mejores entre todas las presentadas este añoen categorías como audiovisuales, publicidad, diseño gráfico o web y soportesdigitales, o lo que es lo mismo, cientos de páginas de interesantes trabajospara revisar e inspirarse hasta la edición del año que viene.

The book of Envy. Laus 2011. Varios Autores

Adg-Fad. Castellano. 328páginas

2012-01-10T03:49:00.000-08:00

Reconocida con un Fauve de oro a la mejor obra en el Salón del Cómic de Angoulême 2011, “Cinco mil kilómetros por segundo” es una tortuosa historia de amor truncada por la incomunicación y las indecisiones, que se prolonga a lo largo de varias décadas, desde la adolescencia de sus protagonistas hasta su madurez.

Su autora, Manuele Fior, va tejiendo la narración con esa misma sencillez que caracteriza su trazo, aunque es en el aspecto cromático en el que verdaderamente destaca su trabajo. Los tonos amarillos, ocres, azules, rojos y violetas son los que determinan el momento vista y el lugar geográfico en el que se encuentran los protagonistas, como en la soleada Italia durante su adolescencia, la gélida Noruega en su juventud, el tórrido Egipto en su treintena o el violáceo futuro en su madurez.

El conjunto de la obra destaca por su aspecto orgánico, algo que la editorial Sins Entido ha sabido respetar al elegir papeles y acabados que potencian ese carácter y que habrían quedado totalmente eclipsados, si a la hora de imprimir se hubiera optado por papeles estucados, barnices o tapas duras, tan comunes en los últimos tiempos y que, en muchos casos, tan solo sirven para dotar al tebeo de unos acabados que no siempre precisa y aumentar su precio final.

De las últimas adquisiciones realizadas por la editorial madrileña en el salón francés, “Cinco mil kilómetros por segundo” y “Un lugar equivocado” son, sin duda, dos grandes aciertos. Esperemos que el público así lo entienda y se refleje en las ventas, siempre necesarias a la hora de mantener a flote un proyecto empresarial como este.

Cinco mil kilómetros por segundo. Manuele Fior

Sins Entido. 144 páginas. Castellano

2012-01-04T04:04:00.000-08:00

El guionista y escritor Peer Meter lleva décadas investigando acerca del caso de Gesche Gottfried, famosa envenenadora que en el siglo XIX horrorizó la ciudad de Bremen por asesinar a quince personas de su entorno. Ahora, más de treinta años después de comenzar a interesarse por este caso, Meter ha publicado junto a la ilustradora Barbara Yelin “Veneno”, novela gráfica que cuenta la historia de Gottfried a través de los recuerdos de una anciana que por azar llega a Bremen horas antes de la ejecución.

A pesar de este aspecto eminentemente narrativo, que lo aleja del ensayo, “Veneno” no deja de ser una crítica de sus autores hacia la sociedad decimonónica, las instituciones judiciales, los cuerpos policiales de la época, los procesos inquisitoriales y la pena de muerte. Una crítica en la que tiene mucho que ver la técnica elegida para realizarlo, concretamente el lápiz de grafito gris y un abundante uso de los claroscuros y las sombras, lo que provoca que el lector quede atrapado en un ambiente opresivo. Algo que, pesar de todo, no impide que la lectura se haga amena y que las aventuras de la protagonista y las desventuras de la condenada enganchen desde las primeras páginas.

Colabora en la buena y fluida lectura la magnífica rotulación, escrita completamente a mano, algo que resultaba imprescindible para evitar que las artificiales tipografías mecánicas chocasen con lo artesanal del resto del trabajo.

Veneno. Peer Meter. Barbara Yelin

Sins Entido. 200 páginas. Castellano

2011-12-28T04:07:00.000-08:00

Jorge González regresa auno de los temas recurrentes de su obra: cómo el eco de la Argentina del pasadose escucha en el presente del país y las implicaciones que eso tiene para surealidad social.

En este caso, y a pesar deciertos pasajes desarrollados en Buenos Aires, el escenario es la Patagonia,territorio de diferentes tribus indias que acabaron extinguiéndose, fueronextinguidas o fueron confinadas en reservas a consecuencia de campañas, como ladel desierto, destinadas a colonizar la zona. Frente a estas políticas deexterminio, en el libro se suceden personajes que, interesados en la cultura yforma de vida de los indios, intentan saber más de ellos inmortalizándolos encine, adquiriendo su forma de vida, reconstruyendo árboles genealógicos yescribiendo ensayos sobre el tema.

Gráficamente, el librosigue la estética empleada por González en obras como “Fueye” aunque hay quedestacar la preocupación en esta ocasión por recrear en dibujos el paisajepatagónico, un recurso que remite por igual a lo cinematográfico que al MartínFierro, obra sobre la que Borges diría que tiene algunas de las mejoresdescripciones del paisaje de la literatura castellana.

Otro de los alicientes dellibro es la parte escrita por Horacio Altuna, un breve capítulo en el que seabordan otros temas de la historia argentina, en esta ocasión, la masacre deTrelew por la cual casi una veintena de guerrilleros de ERP, FAR y Montonerosencarcelados en la Base de Almirante Zar fueron asesinados a sangre fría y latelenovela “Rolando Rivas, Taxista”, un hito de la televisión, la culturapopular y la memoria colectiva del país.

Dear Patagonia. Jorge González

Sins Entido. 288 páginas. Castellano

2011-12-22T03:57:00.000-08:00

Alberto Cairo, profesional con una amplia trayectoria en el mundo de la infografía y la docencia, presenta este nuevo título que viene a completar a su anterior trabajo sobre el tema: “Infografía 2.0: visualización interactiva de información en prensa”.

En este caso su campo de estudio es más amplio pues, en lugar de circunscribirse a cómo se trata la información en prensa, ha preferido analizar cómo es la asimilación de aquella por parte del espectador. De esta forma, Cairo analiza desde cuestiones del campo de la psicología relativas a la percepción hasta otras relacionadas estrictamente con el diseño o la presentación de contenidos.

También hay un hueco para explicar los trucos de los infógrafos (y en consecuencia de los propietarios de medios de comunicación) para que, sin alterar la veracidad de las informaciones, el lector saque de un rápido vistazo conclusiones diferentes a lo que realmente dicen los datos. Un hecho que es fácil de lograr con tan solo variar el tipo de gráfico –por ejemplo, uno de barras u otro de círculos– que se elija a la hora de plasmar la información.

Es de destacar la vocación interactiva de este trabajo que, aunque está ilustrado con numerosos gráficos y ejemplos, remite constantemente a www.elartefuncional.com, web en la que pueden verse esos mismos ejemplos en color, con mayor calidad y acceder a actualizaciones o novedades sobre este trabajo como, por ejemplo, una sección de fe de erratas en la que se corrigen aquellos errores que contiene todo libro pero que hasta ahora, eran imposibles de enmendar una vez impreso.

El arte funcional. Infografía y visualización de la información

Alberto Cairo. Alamut. 256 páginas. Castellano

2011-12-20T03:55:00.000-08:00

La revolución digital en la que estamos inmersos está dando lugar a diferentes libros y ensayos que analizan el pasado, el presente y, muy especialmente, el futuro del libro.

“El paradigma digital”, escrito por Manuel Gil y Joaquín Rodriguez, es uno de los análisis más completos y actualizados sobre esa realidad. Incluye entre sus contenidos modelos de edición de última generación como los Open Publishing Labs o Google Ebookstore; augura el futuro de la distribución y la evolución (o desaparición) de las librerías como lugares de venta; y desarrolla teorías sobre los libros y la hermenéutica, como las que se refieren a la edición extendida –aquellas que abogan por cambiar el concepto de libro y de edición que hemos tenido hasta el momento, incorporando otros contenidos diferentes al texto– y los libros que no acaban –aquellos que siguen su vida en páginas webs y blogs donde lectores y autor enriquecen el contenido primigenio con nuevas aportaciones–.

“El paradigma digital” también poner el foco en cuestiones que, ante la avalancha generada por la digitalización, han pasado a un segundo plano, como es el hecho de la apuesta por teorías ecológicas por parte de la industria editorial, que ha comenzado a apostar por papeles y tintas menos agresivas con el medio ambiente.

Conscientes del carácter mudable del tema que abordan, los autores de este texto adjuntan al final del mismo una interesante bibliografía y un listado de blogs en los que se aborda el presente de la edición con una inmediatez muy superior a la de cualquier libro impreso.

El paradigma digital y sostenible del libro

Manuel Gil & Joaquín Rodríguez. Trama editorial

232 páginas. Castellano

2011-12-12T03:48:00.000-08:00

¿Qué razones hay para leer? Aquellos que aún alberguen alguna duda sobre las virtudes de esa actividad, tienen en este libro varias decenas de razones, como pueden ser leer por odio, por autoestimulación, para contradecirse, para reafirmarse, para consolarse, para hacer amigos o sencillamente por vicio.

Una vez dicho esto, la pregunta que surge es ¿entonces qué razones hay para leer este ensayo del escritor francés Charles Dantzig?

Las respuestas son variadas y abarcan desde la inteligencia de su autor a la hora de analizar algunas de las obras más destacadas de la literatura universal, a su sentido del humor y su mordacidad para lacerar a otras muchas obras destacadas de la literatura universal y a sus autores, sin olvidar la satisfacción que se obtiene de ver que hay otras personas que piensan lo mismo que nosotros sobre un determinado libro, o experimentar la contrariedad que supone comprobar que hay gente a la que le gusta un libro que a nosotros nos espanta.

A diferencia de otros ensayos sobre la lectura, “¿Por qué leer?” es un divertimento, un juego repleto de guiños para el lector conocedor, que también puede ser disfrutado por aquellos menos avezados que deseen ampliar sus fronteras en lo que a lecturas se refiere sin complejos, pues el propio Dantzig transita sin prejuicios desde la literatura erudita a la literatura de aeropuerto.

¿Por qué leer?. Charles Dantzig

451 Editores. 264 páginas. Castellano

2011-12-08T03:39:00.000-08:00

Aunque su aspecto exterior, su acabado en tapa dura y su subtítulo invitan a pensar que estamos ante un texto universitario, una tesis doctoral o un farragoso ensayo teórico sobre el mundo de la edición actual, el presente título es en realidad un exhaustivo manual práctico en el que se detallan todos los pasos a dar por aquellos que deseen publicar un libro o lanzarse al mundo empresarial de la edición.

En apenas doscientas páginas Magda Polo Pujadas aporta las claves para saber qué tipo de proyecto se desea poner en marcha, cómo analizar el mercado y localizar el nicho en el que operar, cómo confeccionar un catálogo riguroso y con criterio, cómo hacer un informe de lectura, cómo diseñar un libro, cómo decidir cuántos ejemplares imprimir, cómo calcular los costes, cómo distribuirlos y cómo dar el salto al mundo de la edición digital. Para ello, además de contar con sencillas explicaciones, el libro posee infinidad de ejemplos prácticos y gráficos que facilitan enormemente la comprensión de lo expuesto.

Tal es la calidad y amplitud de los temas abordados por este libro que, en nuestra opinión, no tiene nada que envidiar a los másters de edición que ofertan cada año universidades y empresas del sector. Si bien es cierto que carece de la parte práctica de la que alardean esos costosísimos cursos, también lo es que en la era de internet, es relativamente sencillo conseguir entrar en contacto con autores consagrados o incluso apalabrar una visita a una imprenta o un estudio de diseño para resolver dudas o conocer de primera mano las necesidades técnicas que requiere un libro, como pueden ser métodos de impresión, características de los artes finales, métodos de encuadernación o tipos de papel.

Si bien es cierto que este manual no es garantía para que sus lectores se conviertan en un nuevo Mario Muchnik, un Carlos Barral, un José María Lara o un Jacobo Siruela, no hay nada que impida que pueda hacerse un hueco entre tantos y tan interesantes sellos editoriales surgidos en los últimos años como Periférica, Libros del asteroide o Cabaret Voltaire, que han hecho de la calidad, la buena selección editorial y la prudencia económica su fórmula del éxito.

Creación y gestión de proyectos editoriales en el siglo XXI
Del papel a la era digital. Magda Polo Pujadas
Ediciones de la Universidad de Castilla-La Mancha
206 páginas. Castellano

2011-12-05T03:43:00.000-08:00

Calamar ediciones se ha erigido en la editorial de referencia en lo que a libros de cine se refiere gracias a, entre otras cosas, un cuidado diseño, obra de Miguel San José Romano, una buena selección de las fotografías (y un mejor empleo de las mismas que las dota de un enorme protagonismo) y una magnífica impresión que, en este caso que nos ocupa, corre a cargo de Brizzolis arte en gráficas.

Tras sus monografías sobre Ray Harryhausen o James Whale, ahora le ha tocado el turno a un interesante libro sobre los dioses de la nueva mitología, los superhéroes, que recorre desde los personajes clásicos como Flash Gordon, Capitán Marvel, Superman o Batman hasta creaciones recientes como Watchmen, Los Increíbles y otras, más al márgen del ideal de superhéroe al que estamos acostumbrados, como Kik-Ass o Dr. Horrible.

“Superhéroes” es un libro muy ameno que no precisa de ser leído de una sentada y al cual se puede volver repetidas veces para disfrutar de alguna anécdota, contemplar sus fotografías o sencillamente para consultar algún dato pues, uno de los aciertos de este volumen es incluir una ficha técnica de todas las cintas mencionadas y una bibliografía.

Superhéroes.. Del cómic al cine. Tonio L. Alarcón
Calamar ediciones. 280 páginas. Castellano

2011-12-01T03:35:00.000-08:00

El símbolo es uno de los elementos esenciales de una marca. Además de transmitir información concisa sobre la compañía o su sector empresarial, permiten que sea reconocida de un simple golpe de vista. Por ello, crear buenos símbolos es no solo una necesidad sino todo un reto para cualquier diseñador. Por ello, no es mala idea tener a mano un volumen como el editado por Gustavo Gili en el que sus autores han recopilado más de mil ejemplos procedentes de todo el mundo y pertenecientes a empresas con perfiles muy diferentes.

El criterio de organización, basado en la división en dos epígrafes principales –“Figurativos” y “Abstractos”–, se divide posteriormente en otros muchos temas –“Figuras humanas”, “Objetos de uso cotidiano”, “Aves”, “Plantas y hojas”, etc.–, lo que permite ver en una misma página símbolos de aspecto semejante y estudiar las soluciones que los diferentes autores han dado a un problema parecido.

Todos los ejemplos cuentan con una ficha en la que se detallan los particulares de cada proyecto, como el nombre de la compañía que lo encargó, el nombre del estudio o diseñador que lo creó y una breve descripción del mismo. Además, aquellos trabajos que por relevancia lo merecen, cuentan con un estudio algo más detallado en un par de páginas e ilustrado con fotografías que muestran cómo se ha aplicado el símbolo en la realidad.

Símbolos. Angus Hyland, Steven Bateman

Gustavo Gili. 336 páginas. Castellano

2011-11-28T03:31:00.000-08:00

Hervé Tullet, artista y creativo publicitario conocido en Francia como “el príncipe de los libros de preescolar”, presenta su nuevo título de la mano de la editorial Phaidon.

En esta ocasión aborda el tema de la cocina, invitando a los más pequeños a crear imaginativos platos siguiendo las divertidas y locas recetas que se incluyen y que han sido bautizadas con nombre como la “mermelada mágica” o los “pastelitos a la cera”.

Un libro concebido para ser pintado e intervenido por sus lectores y que demuestra la creciente demanda existente de este tipo de material por parte del público que, en los últimos tiempos, ha visto cómo los clásicos libros para colorear que acostumbraban a ser productos de autores anónimos, de baja calidad y destinados a ser usados y tirados, han sido sustituidos por ediciones de muy alta calidad, firmados por autores de renombre como el propio Tullet o Taro Gomi y editados por compañías de referencia como Phaidon o Cocobooks.

La cocina de dibujos. Hervé Tullet
Pahidon. 48 páginas. Castellano

2011-11-24T03:29:00.000-08:00

Surgido como tesis doctoral, “La evolución de los caracteres de palo seco” es, en su versión publicada por la editorial valenciana Campgràfic, un ensayo que analiza esta familia de letras desde diferentes puntos de vista más allá del diseño, como su origen, su contexto histórico, su evolución a lo largo de los años y su recuperación por parte de los nuevos diseñadores, que han sabido incorporarla a proyectos para los que no estaba pensada en un primer momento.

El volumen se ilustra con numerosos ejemplos y contiene notas al pie que, a diferencia de lo que sucede con las tesis doctorales, en las cuales resultan redundantes, en este caso no solo no interrumpen la lectura sino que sirven de útil aclaración o de curiosa anécdota a lo narrado en el texto principal.

Con este trabajo, Marcos Dopico Castro ha logrado crear un libro de referencia que prácticamente agota el tema de las tipografías de palo seco, haciendo muy complicado que en un futuro próximo alguien se atreva adentrarse en el aparentemente sencillo universo de la tipografía grotesca.

La evolución de los caracteres de palo seco
Marcos Dopico Castro. Campgràfic. 256 páginas. Castellano

2011-11-18T02:46:00.000-08:00

La comunicación actual espredominantemente visual. La necesidad de presentar los datos de formacorrecta, clara y fácilmente comprensible de un vistazo es un imperativo de lostiempos en que corremos. Sin embargo, también es una obligación que a la horade presentar esa información se haga de forma novedosa y creativa.

Para solventar esteproblema, “Diagramas” ofrece una amplia variedad de ejemplos de cómo estudiosde diseño de diferentes partes del mundo –ninguno de ellos español– hanresuelto proyectos de esas características para empresas de todo tipo y sectorcomercial.

Soluciones ordenadas encapítulos como “Branding y elementos promocionales”, “Estadísticas”, “Informese instrucción” y “Diseño ambiental”, que abarcan ámbitos como la tipografía, lailustración, piezas de diseño industrial, diseño expositivo e interior y, porsupuesto, los diagramas de barras y circulares.

Los ejemplos, cercanos alcentenar, se completan con explicaciones sobre el proyecto en cuestión, unaamplia variedad de imágenes y el nombre de los responsables, cuyos datos seadjuntan al final del libro por si alguien tuviera la necesidad decontactarlos.

Añadido a todos estosatractivos, “Diagramas” cuenta con el un CD en el que se recopila una ampliavariedad de iconos y símbolos libres de derechos para utilizar en futurostrabajos.

Diagramas. Grandes ejemplos deinfografía contemporánea.
Carolyn Knight y JessicaGlaser. Gustavo Gili. 226 páginas. Castellano

2011-11-17T03:46:00.001-08:00

Los bares son lugarespropicios para aquellos que están ávidos de aventuras, que necesitan conocergente nueva, o sencillamente charlar y pasar el rato. La riqueza y variedad depersonajes y anécdotas hace que del estudio atento de lo que sucede entre susparedes pueden surgir infinidad de novelas y películas.

Ese es justamente el casode “Xecs!” un grueso libro que desgrana los recuerdos de aquellos que, de una uotra manera, estuvieron relacionados con el bar Dadà de Reus, local que abriósus puertas en 1980 y que sobreviviría casi dos décadas, hasta su cierredefinitivo en 1998.

Además de su contenidoautobiográfico –ilustrado con infinidad de fotografías, carteles y dibujos quepermiten ver la evolución gráfica y estética del local y de la sociedad de laépoca–, el libro repasa a modo de introducción cómo fue la escena de bares ylocales con música en directo en las ciudades de Reus y Salou durante lasdécadas de los 60 y 70.

Como afirman suscoordinadores, los hermanos Albert y Jordi Romero, “Xecs!” es un libro defamilia que tal vez diga poco a aquellos que no frecuentaron nunca Dadà niconocieron a sus clientes habituales. Sin embargo, las historias que en él secontienen resultan lo suficientemente divertidas y amenas como para pasar unbuen rato recordando cómo éramos todos allá por las décadas de los ochenta ynoventa.

Cabe destacar el hecho deque el libro no está sujeto a ninguna restricción de copyright, permitiéndose alos lectores reproducir tanto textos como imágenes sin ninguna restricción. Alfin y al cabo, los recuerdos y las vivencias surgidas en los bares son un pocode todos.

Xecs!. Els dadàs de Reus. Coord. Albert y Jordi Romero
Pragma edicions. 235 páginas. Catalán / Castellano

2011-11-17T02:45:00.000-08:00

La editorial Cátedra reedita en su colección Cuadernos Arte Cátedra la obra más conocida de Marie-Loup Sougez, historiadora de la fotografía y pionera de esta disciplina en nuestro país. Una duodécima edición que, si bien respeta la portada original realizada por Diego Lara y su aspecto gráfico, se presenta revisada y ampliada.

El libro es una verdadera enciclopedia de la fotografía de tamaño bolsillo que repasa la evolución de este lenguaje artístico desde sus primeras manifestaciones y experimentos hasta la actualidad, prestando especial atención, no solo a sus manifestaciones, su influencia en los movimientos artísticos, sus publicaciones y exposiciones clásicas o sus figuras más representativas, sino también su aspecto técnico, sus mejoras hasta estandarizarse, la aparición del color y su enorme trascendencia en el campo de la imprenta al ser aplicada como método de reproducción de imágenes en serie.

Entre sus virtudes también se cuentan el hecho de prestar atención a la fotografía realizada en nuestro país –desde antes de la II República y tras la Guerra Civil hasta la actualidad– y a la fotografía de culturas afines como la latinoamericana, cercanas como la africana y lejanas como la oriental. Entre sus defectos, se puede mencionar su excesivo enciclopedismo y cierto tono conservador, lo que hace que, a pesar de sus actualizaciones, mucha de la fotografía más innovadora y actual quede fuera de sus páginas hasta que el tiempo y la experiencia avalen su inclusión en una futura edición.

Sea como sea, a día de hoy, “Historia de la fotografía” es un clásico del género, que debería estar (si no lo está ya desde hace años) en la biblioteca de cualquier aficionado o
institución relacionados con la fotografía. Su relación calidad-precio es difícilmente igualable por otros títulos disponibles sobre el mismo tema y la accesibilidad de su contenido puede servir para adquirir una visión general de la disciplina que asiente las bases que permitan afrontar textos más complejos o especializados.

Historia de la fotografía. Marie-Loup Sougez. Cátedra
576 páginas. Castellano

2011-10-03T03:02:00.000-07:00

El trazo crudo y sin adornos de Igort parece hecho a medida para este libro, que retrata las vidas de distintas personas marcadas por los excesos del Stalinismo en la antigua URSS.
Fruto de los viajes que el autor realizó por Rusia y Ucrania durante dos años, este trabajo es un reportaje desgarrado y sin contemplaciones de una realidad intuida a grandes rasgos, pero desconocida en sus detalles. Con el material obtenido en sus viajes, Igort desarrolla una historia que atrapa al lector y que, tras la lectura de los testimonios de esas personas cuyas vidas fueron destrozadas por decisiones totalmente arbitrarias, lo devuelve completamente cambiado y exhausto.
Un libro que descubre algo más de lo sucedido en la URSS durante las décadas de los años 30, 40 y 50 del siglo XX y que demuestra que, lejos de ser coherentes con una doctrina política, ese tipo de acciones eran más propias de desequilibrados que de hombres de estado en su sano juicio.

Cuadernos ucranianos. Memorias de los tiempos de la URSS
Igort. Sins entido. 176 páginas

2011-10-02T02:59:00.000-07:00

Anaya multimedia presenta una nueva edición de este título de Robin Landa, que ya se ha convertido en un clásico entre docentes y estudiantes de publicidad, comunicación y diseño gráfico.
Concebido como un manual, más que como un tratado o un ensayo, el libro repasa, tras dar una noción de lo que es la publicidad, la práctica totalidad de los pasos del proceso creativo, como la búsqueda de la idea, la redacción de textos, la creación de la marca, el diseño de los originales, la elección de las tipografías, la composición, la creación de campañas y la creación para medios online.
Su mayor atractivo radica en que sus textos son muy accesibles, sus páginas están repletas de ejemplos gráficos procedentes de todo el mundo (aunque predominan los de países anglosajones) y que incluye entrevistas con destacados publicitarios.
Un libro útil, aparentemente básico en sus contenidos, pero al que la enorme abundancia de éstos permite que se pueda volver a él periódicamente.

Publicidad y diseño. Las claves del éxito. Robin Landa
Anaya multimedia. Wiley. 288 páginas. Castellano

2011-09-30T02:56:00.000-07:00

No es habitual encontrar en el cómic español trabajos que apuesten por la tradición del tebeo de aventuras. Historias que se presentan en tomos auto-conclusivos, pero que plantean una narración que se alarga en uno o dos títulos. Una fórmula explorada por clásicos del género como El teniente Blueberry de Giraud y Charlier, Adèle Blanc de Tardi o Blake y Mortimer de Jacobs, pero que en España no han tenido demasiados imitadores.
“Curiosity shop” rompe la tendencia de novela gráfica y cómic de temática introspectiva a la que estamos acostumbrados actualmente y nos plantea una historia de intriga ambientada en el Madrid de principios del siglo XX y protagonizada por una heroína con personalidad suficiente como para repetir en futuras aventuras.
Este trabajo, realizado por Teresa Valero y Montse Martín –otra rareza en el cómic español, en el que no suelen prodigarse las mujeres–, es un libro ameno, con buen guión, bien dibujado y con una asombrosa labor de documentación, al que nada le impediría ser exportado a otros países. De hecho, si la segunda parte es tan interesante como esta, lo de su proyección internacional es algo sobre lo que no cabe ninguna duda.

Curiosity shop. 1914: El despertar
Teresa Valero y Montse Martín
Glénat. 56 páginas. Castellano

2011-09-27T02:49:00.000-07:00

El arte primitivo es difícil de ubicar en el marco del arte occidental. Aunque es innegable su pertenencia al mundo de lo estético, su estudio ha sido tradicionalmente labor de la Antropología –en lugar de por las Bellas Artes–, y tanto los marchantes como el mercado, le han prestado muy poca atención.
Estrechamente vinculado al colonialismo, no será hasta principios del siglo XX cuando el arte primitivo comienza a ser valorado por los artistas de vanguardia. Sin embargo y aunque estos artistas incorporaron a sus obras influencias primitivistas, este tipo de arte continuó estando poco valorado.
Estela Ocampo, profesora de Teoría e Historia del Arte en la Universidad Pompeu Fabra, aborda en este volumen el tema del arte primitivo, su estrecha vinculación con el mito y las sociedades en las que surge, su aceptación por la sociedad occidental –primero como atracción en los gabinetes de curiosidades y posteriormente en los museos– y, finalmente, la situación actual del arte primitivo contemporáneo.
De lectura amena, sencilla comprensión y un gran número de ilustraciones, “El fetiche en el museo” es una magnífica oportunidad para acercarse a esta realidad tan desconocida como atractiva y exótica.

El fetiche en el museo. Aproximación al arte primitivo.
Estela Ocampo. Alianza Editorial. 280 páginas. Castellano

2011-09-26T02:44:00.000-07:00

Pau Virgili y Julio Wallowits, socios de la agencia de publicidad La Doma, plasman en este libro sus planteamientos y opiniones sobre la relación que se ha establecido entre empresas y consumidores a raíz de la aparición de las redes sociales y otras herramientas de comunicación que permiten un contacto fluido entre ambos.
Pensado para su explotación más allá del punto de venta, los contenidos de este libro se ofertan en forma de conferencias a universidades y empresas. Encuentros en los que se podrán escuchar reflexiones como la que afirma que “un taxista tiene tanto poder como la Coca-Cola”.
Un libro coyuntural que en ocasiones recuerda a las producciones que las cadenas de televisión hacen de eventos como la boda del príncipe heredero, una catástrofe aérea o el secuestro de un pesquero y cuya vigencia depende, más que de lo acertado o no de sus predicciones, de la aparición de un nuevo fenómeno que lo eclipse.

La reconciliación con el consumidor. Pau Virgili, Julio Wallovits
Empresa activa. 128 páginas. Castellano

2011-09-24T02:33:00.000-07:00

Es difícil describir en unas pocas palabras lo que incluye “Fuente de letras”, pero podríamos decir que es todo lo que un diseñador precisa saber sobre tipografía en un solo volumen. Desde la invención de la escritura, la aparición de los primeros alfabetos o la invención de la imprenta, hasta la llegada de las tipografías digitales. Todo ello en más de seiscientas páginas divididas en tres secciones principales: historia y conceptos; un catálogo con cientos de ejemplos de tipografías; índice onomástico y diccionario de términos.
Editado por Taschen, este libro mantiene las características de calidad y buen precio de la compañía, pero se aleja de la línea estética y de contenido a la que nos tiene acostumbrados. En lugar de ser un libro predominantemente visual y relacionado con la cultura popular, es todo un tratado de tipografía en el que las ilustraciones se limitan a las muestras de caracteres o ejemplos que explican los apartados relativos a la evolución de esta disciplina.
El volumen se acompaña de un tipómetro de cartón en el que constan también ciertas ayudas para el diseñador, como las conversiones y equivalencias entre el sistema métrico decimal y las pulgadas o los atajos de teclado del Mac.

Fuente de letras. Anatomía de los tipos
Joep Pohlen. Taschen. 640 páginas. Castellano

2011-09-21T02:00:00.000-07:00

Tradicionalmente, las monografías sobre el mundo del cine solían ser títulos procedentes del extranjero traducidos al castellano, porque eran pocos los expertos españoles capaces de elaborar semejantes trabajos, tanto en lo que respecta a los contenidos como al modo de ilustrarlos.
De un tiempo a esta parte, sin embargo, Calamar Ediciones viene publicando trabajos originales de autores españoles que abordan de forma detallada películas como “El manuscrito encontrado en Zaragoza”, las películas de aventuras, la factoría Hammer, la vida y la obra de Ray Harryhausen o, como en el caso que ahora nos ocupa, las de James Whale, autor de filmes como “Frankestein”, “La novia de Frankestein” y “El hombre invisible”.
Firmado por Juan A. Pedrero Santos y prologado por Guillermo del Toro, este título repasa toda la filmografía de Whale, la pone en relación con sus experiencias vitales y la ilustra con cientos de fotografías, carteles, fotocromos y otros materiales que harán las delicias de los aficionados.
El libro destaca, además, por su buena presentación y correcto diseño, responsabilidad de Miguel San José Romano quien está logrando que la calidad de las ediciones de Calamar alcancen, además del fondo, a su forma.

James Whale. El padre de Frankestein
Juan A. Pedro Santos. Calamar Ediciones
288 páginas. Castellano

2011-09-19T02:21:00.000-07:00

Fórcola es una editorial independiente especializada en la publicación de ensayos relacionados con la cultura y la sociedad. En su catálogo se pueden encontrar desde libros de filosofía y literatura firmados por Arthur Rimbaud o Voltaire, hasta textos como este “Tintín-Hergé”, en el que Fernando Castillo desmenuza todos los álbumes de este intrépido reportero, a la vez que va trazando la biografía de su creador, el belga Geroge Remí, más conocido como Hergé y repasa los hechos más trascendentes del siglo XX, desde la revolución soviética, la ascensión del nacionalismo belga de corte fascista liderado por Léon Degrelle, la Segunda Guerra Mundial y la posguerra europea.
El libro, que aparece en un inmejorable momento, habida cuenta del próximo estreno de la versión cinematográfica que de las aventuras de Tintín ha realizado Steven Spielberg, cuenta también con el aliciente de las imágenes de Bernard Plossu, fotógrafo francés y “tintinófilo” confeso, que ha desarrollado una línea de trabajo que sigue el rastro de Tintín por las calles de todo el mundo.
Como broche final, el libro incluye una completa bibliografía y un índice de todos los personajes aparecidos en los álbumes de Tintín.

Tintín-Hergé. Una vida del siglo XX. Fernando Castillo
Fórcola. 384 páginas. Castellano

2011-09-17T02:54:00.000-07:00

A pesar de estar escrito en la segunda mitad del siglo XX, no ha sido hasta ahora cuando “Al infierno con la cultura” ha sido editado en nuestro país. En él, el crítico de arte Herbert Read plantea su provocadora y controvertida visión del mundo del arte y la cultura institucionalizada.
Para Read –que desde los años 30 había dado la alerta ante el uso que de la cultura estaban haciendo los gobiernos totalitarios de países como la URSS–, el arte es una manifestación no política del espíritu humano y, por tanto, totalmente independiente de la moral y de cualquier otro valor temporal. “Aunque los políticos puedan utilizar la cultura o abusar de ella, no pueden ni crearla, ni controlarla, ni destruirla”, afirma en este ensayo, en el que también sostiene que cualquier tipo de actividad creativa patrocinada o auspiciada por el Estado o el poder es una forma de “dependencia servil”.
“Al infierno con la cultura” es un incendiario texto que, a pesar del tiempo transcurrido, aún mantiene su validez, especialmente en lo que se refiere a la dependencia que los artistas actuales tienen de las instituciones publicas y del uso que éstas hacen de aquellos para, bajo la apariencia de preocuparse por las expresiones artísticas, imponer su concepto de cultura a toda la sociedad.

Al infierno con la cultura. Herbert Read
Cátedra. 314 páginas. Castellano

2011-09-17T00:51:00.000-07:00

Suele afirmarse que los catálogos de las pequeñas editoriales acostumbran a ser más selectos que las de sus competidoras, pues su preocupación es la de localizar aquellas obras literarias desconocidas, minoritarias o menos comerciales, al menos para los balances de resultados de las grades compañías. Una actitud que no siempre es cierta, como demuestra la línea de publicaciones emprendida hace ya unos años por 451 editores, sello perteneciente a Edelvives, cuyos criterios de edición responden a la búsqueda de productos de calidad independientemente de su repercusión mediática y que, de no ser por ellos, no serían publicados en nuestro país.
Este es el caso de Tom Drury, elegido uno de los mejores escritores jóvenes por la revista Granta en 1996 pero prácticamente desconocido para el público español si no fuera porque 451 publicó “La región inmóvil”, novela a la que se suma ahora “The end of vandalism”, traducida al castellano como “En el condado de Grouse”.
Comparado por algunos críticos con los hermanos Coen, Drury retrata en esta novela la vida en Grouse, un condado imaginario situado en el Medio Oeste norteamericano del que incluso incluye un mapa para que el lector se ubique, en el que habitan los más variopintos personajes con unas vidas igual de peculiares.

En el condado de Grouse. Tom Drury
451 editores. 392 páginas. Castellano

2011-09-15T02:52:00.000-07:00

Para celebrar sus diez meses de existencia, Zapping Village ha editado “1,2,3”, un libro en el que repasan tres de sus más celebrados trabajos durante ese tiempo y que, en su opinión, ponen de manifiesto que su propuesta de negocio es la más acertada para los tiempos que corren.
Tras una breve presentación de la compañía y sus diferentes divisiones –como Notoriety, Bob, Eventos o Media by design–, el libro aborda las campañas de Adif, Banca Cívica y El Corte Inglés, planteando los retos de las mismas, las soluciones planteadas, las piezas creativas que las conforman y una conclusión sobre el resultado final y su efectividad entre el público. Todo esto se completa con una amplia documentación gráfica sobre los trabajos, que incluyen fotogramas de televisión, gráficas, pantallazos de las webs, materiales impresos, banderolas etc.
Un interesante material muy bien presentado, al que solo afea el lema que aparece en miniatura en la sobrecubierta y en un póster cuando ésta se despliega. “La mediocridad empresarial deberá ser transformada en excelencia, o morirá de forma agónica”, dice la frase, que no sabemos si se refiere a otros clientes u otras agencias pero que, en todo caso, queda un poco fuera de lugar en una celebración como esta, que no precisa de ajustes de cuentas ni de avisos a navegantes.

1,2,3. Varios autores
Zapping village. 132 páginas. Castellano, inglés

2011-09-12T01:28:00.000-07:00

Más allá de su valor artístico, el dibujo es un elemento clave en el proceso de creación de diferentes disciplinas, especialmente aquellas que construyen la realidad como la arquitectura, el diseño o la ingeniería.
Partiendo de esta premisa y coordinados por Lino Cabezas, Miguel Copón, J. M. Fuentes, Inmaculada López, Juan Carlos Oliver y Carlos Ureña han elaborado diferentes textos que a través de diez capítulos ilustrados con abundante material gráfico, abordan temas como “Imaginar el jardín”, “Tradiciones figurativas de la arquitectura”, “Dibujo y técnica: el dibujo útil” o “Fotografía y proyecto”.
“Dibujo y construcción de la realidad” viene a completar la serie “Dibujo” editada también por Cátedra y, especialmente, el volumen “Dibujo y profesión”, el cual había abordado el papel de esa disciplina en el campo del cine, la música, el teatro y la danza.

Dibujo y construcción de la realidad
Lino Cabezas (coord.) y otros autores.
Cátedra. 372 páginas

2011-09-08T01:23:00.000-07:00

A pesar de su importancia como periodista –hasta el punto de adelantarse a Truman Capote en la creación del Nuevo Periodismo–, la figura de Rodolfo Walsh no ha sido suficientemente conocida y valorada en nuestro país.
Desde hace unos años, 451 Editores ha decidido subsanar este problema poniendo a disposición del lector títulos como “Operación masacre” y “¿Quién mató a Rosendo?”, a los que acaba de sumarse recientemente “El violento oficio de escribir”. A lo largo de sus más de quinientas páginas, se suceden algunos de los más importantes escritos periodísticos de Walsh como “La Argentina ya no toma mate”, “Vuelve la secta del gatillo y la picana”, “Claroscuro del delta”, hasta concluir con algunos de los comunicados de la agencia clandestina de noticias ANCLA y su “Carta abierta a la Junta Militar”, texto que estaba enviando por correo a diferentes personalidades y redacciones en el momento en que fue sorprendido por un comando del ejército y ametrallado.
“El violento oficio de escribir” muestra toda la magnitud de la figura de Walsh, una persona que no solo destacó como periodista sino como individuo comprometido con la realidad social que le tocó vivir. Un hecho que convierte a estos textos en algo más que un referente en el campo de la escritura y los hace una guía a la hora de enfrentarse a las injusticias y los abusos del poder.
Lo único que resta ahora es que 451 Editores complete la obra de Walsh con la publicación de otra de sus investigaciones: “El caso Satanowsky”.

El violento oficio de escribir. Rodolfo Walsh
451 Editores. 560 páginas. Castellano

2011-09-04T01:22:00.000-07:00

Élodie Durand vuelve a demostrar que el cómic es un medio artístico tan bueno como otro cualquiera para abordar temas complejos como la muerte, la enfermedad, los conflictos bélicos o el Holocausto.
En “El parénesis”, esta ilustradora francesa cuenta su experiencia como enferma de epilepsia, dolencia que marcó varios años de su vida y la obligó a someterse a una operación neurológica con graves secuelas, antes de conseguir superarla por completo y mantener una vida normal, hasta el punto de poder retomar sus estudios y carrera artística.
Narrado con la misma sencillez con la que se escribe un diario, el libro desgrana todo el proceso de la dolencia a través de los recuerdos de su autora y de los datos que ha podido recopilar tras hablar con padres y familiares pues, uno de los síntomas de la epilepsia es la pérdida de la consciencia y lagunas severas de memoria.
“El paréntesis”, como sucedía con “La ascensión del gran mal”, no es un libro fácil, pues muestra la debilidad del ser humano ante situaciones complejas, pero su lectura resulta agradable gracias a que rebosa optimismo y unas tremendas ganas de luchar para superar un trance, cuya gravedad provoca incluso la pérdida de la práctica totalidad de los conocimientos adquiridos por su protagonista a lo largo de su vida.

El paréntesis. Élodie Durand
Sins entido. 224 páginas. Castellano

2011-09-02T01:18:00.000-07:00

De todas las editoriales especializadas en cómic de nuestro país, Sins entido es la que tal vez más atención esté prestando a los nuevos caminos por los que está discurriendo esta disciplina.
Si hace unos meses nos sorprendía con la publicación de “Body world”, el experimento de cómic web de Dash Saw, ahora hace lo propio con “Un lugar equivocado” de Bretch Evens.
La historia, que gira en torno a una reunión de amigos sobre la que planea la ausencia de Robbie, el líder y triunfador del grupo, resulta aparentemente banal en comparación con la forma elegida por Evens para narrarla. En este aspecto, el autor opta por ingeniosas soluciones visuales en las que se superponen acciones, planos, juega con las perspectivas, y recurre o prescinde de la estructura en viñetas según precise de ello. También cabe destacar el hecho de que la rotulación de la edición española haya sido realizada por el propio Brech Evens, una solución lógica en el caso de un trabajo como este en el que los textos son un elemento más de las imágenes y es imposible entenderlos como algo separado de ellas.
No es extraño, por tanto que todas estas innovaciones y experimentos hayan hecho que “Un lugar equivocado” sea galardonado con el Premio de la audacia 2011 del prestigioso festival de Angoulême.

Un lugar equivocado. Brecht Evens

Sins entido. 180 páginas. Castellano

2011-08-28T01:15:00.000-07:00

La influencia de la presencia norteamericana en Francia tras la Segunda Guerra Mundial es la base argumental de la última obra de Gabrielle Piquet. Una novela gráfica que explora los comportamientos y relaciones de diferentes personajes, todos ellos marcados por la experiencia común de haber convivido en el pasado con los soldados americanos de la base de Laon.
Todas esas esperanzas, ilusiones y vidas truncadas se verán de nuevo reactivadas cuando, con motivo del día de Acción de Gracias, las autoridades del pueblo inviten a los veteranos a regresar a la localidad francesa.
Con un trazo ágil, ilustraciones en blanco y negro y una narración fluida que prescinde de las viñetas y permite que las páginas se compongan como un todo, Piquet arma una historia que atrapa al lector desde el principio hasta su inesperado final.
Si bien es posible que le pueda perjudicar el hecho de que su lanzamiento haya coincidido con el de otros libros de Sins entido como “Los Garriris” o los Premios Revelación y Audacia de Angoulême 2011, “El paréntesis” y “Un lugar equivocado”, “Los hijos del deseo” es sin duda uno de los lanzamientos más interesantes de los realizados por la editorial madrileña en los últimos meses.

Los hijos del deseo. Gabrielle Piquet
Sins Entido. 200 páginas. Castellano

2011-08-20T00:54:00.000-07:00

El maestro Enric Satué regresa a la actualidad editorial con la publicación de un nuevo libro para la colección Alianza Forma. Bajo el título de “El factor del diseño en la cultura de la imagen y en la imagen de la cultura”, el autor incluye pequeños ensayos en los que destaca la importancia del papel del diseño gráfico, tanto en obras de arte clásicas, como en elementos de la cotidianeidad y los pone en relación.
Tipografía, cartelismo, packaging, señalética son algunas de las disciplinas que Satué pone en concordancia con, por ejemplo, “Virgen con niño Jesús” de Narni, “La botella de anís” de Juan Gris, “El empresario Max Roesberg” de Oto Dix, “La habitación azul” de Picasso, para hacer entender al lector la trascendencia del diseño. Una actividad cuyos resultados están constantemente en nuestra vida, hasta el punto de hacérnosla más sencilla, pero que suelen pasar desapercibidos si no prestamos cierta atención.
Ameno y profusamente ilustrado con reproducciones en color de las obras mencionadas y muchas otras más, podemos afirmar que “El factor del diseño...” se convertirá en un clásico de la divulgación del diseño gráfico como ya lo son sus dos volúmenes sobre la historia de esta profesión también editados en esta colección de Alianza Editorial.

El factor diseño en la cultura de la imagen y en la imagen de la cultura
Enric Satué. Alianza Forma. 304 páginas. Castellano

2011-08-14T00:46:00.000-07:00

Pocos apostarían –nosotros los primeros–, que un libro sobre un dibujante ruin, vago, facundo y adicto a las películas pornográficas, resultara una narración ágil, divertida y que consiguiera atrapar al lector desde la primera a la última página. Sin embargo, y en contra de lo esperado, así es “Consumido”, obra del norteamericano Joe Matt que continúa su serie “Peepshow” y en la que también aparecen otras figuras claves del tebeo actual como Seth o Chester Brown.
A las virtudes propias de este título se suma, como es habitual en la editorial Fulgencio Pimentel, un cuidado acabado, magnífica rotulación y, sin desmerecer la labor de Matt, es de recibo reconocer que buena parte de responsabilidad a la hora de hacer este libro ameno y absorbente es de los traductores, que consiguen que las interminables intervenciones del protagonista tengan un lenguaje ágil y coloquial, sin traicionar el espíritu del original.
A pesar de sus grandes virtudes, “Consumido” tal vez no sea un libro para todos los públicos ni para un lector poco familiarizado con los cómics. Además de carecer de una acción trepidante, su temática puede alejar de sí a un sector, principalmente el femenino, que no encuentre interesante, por ejemplo, la afición del protagonista por construir una colección de películas porno a las que ha espulgado de aquellas escenas superfluas. De hecho, el propio Matt bromea con ese asunto en un divertido marca páginas incluido en la edición y en el que dos chicas dan su sincera opinión sobre “Consumido”. El público masculino, sin embargo, se sentirá realmente retratado en muchas de sus páginas.

Joe Matt. Fulgencio Pimentel
128 páginas. Castellano

2011-08-12T00:41:00.000-07:00

Como cada año, el FAD publica su memoria a actividades. En esta ocasión se trata de un grueso volumen diseñado por David Torrents y Silvia Mínguez en el que, además de repasar lo hecho por esta asociación a lo largo del 2010, se proponen ciertas cuestiones relacionadas con la profesión de diseñador como “¿Diseñar es la mejor manera de prever el futuro?”, “¿Podemos cambiar el presente?”, “¿Cuál es nuestro sitio?”, “¿Debemos diseñar para la gente? ¿O con la gente?”.
Aprovechando que estamos con preguntas, nosotros planteamos las siguientes: “¿Por qué este año el libro del FAD solo tiene un volumen”, “¿Por qué a la hora de elegir cuál de los dos se eliminaba, se ha decidido eliminar aquél que muestra los trabajos de los socios y mantener el que sirve de tarjeta de visita de la asociación ante las instituciones públicas y las empresas?”.
En ocasiones, las asociaciones se olvidan de que son sus socios los que las dotan de sentido y de fuerza. Las relaciones, acuerdos y prebendas procedentes de empresas, instituciones o gobiernos solo son posibles en la medida de que aquellos hacen que sean entes con representatividad y capacidad para negociar en nombre del colectivo.
Por ello, y aunque a la gente que subvenciona este tipo de organizaciones les encanta ver en qué se ha gastado su dinero, a los socios, que suelen disfrutar de una situación económica menos desahogada que la de esas empresas, tampoco les viene mal poder mostrar al mundo qué es lo que hacen.
Tal vez la solución sea que un año se publique el libro de socios y otro la memoria o incluso, que ésta última, dado que no es más que un trámite, se publique en pdf. Además de los socios, lo agradecerá el medio ambiente.

Les preguntes són més importants que les respostes?
Varios autores. FAD. 698 páginas
Catalán. Castellano. Inglés

2011-08-08T00:38:00.000-07:00

Gracias a la editorial Debolsillo, perteneciente a Random House Mondadori, los seguidores de Carlos Giménez van a poder disfrutar en breve de toda su obra. No es una exageración. Cuando decimos toda, es toda pues, gracias a la colección “Todo...” ya se ha editado “Todo Paracuellos”, “Todo 36-39: Malos tiempos”, “Todo los profesionales” y el próximo otoño está prevista la publicación de “Todo Barrio”, a la que seguro que seguirán las “Historias de sexo y chapuza”, “España una... grande... y libre” y los álbumes de historias independientes.
Tras abordar su infancia en los colegios de Auxilio Social y su adolescencia en la Barcelona de los años 50, Carlos Giménez recopiló en los diferentes tomos de “Los profesionales” sus recuerdos sobre sus primeros años como dibujante de tebeos profesional en la Agencia Selecciones Ilustradas de Josep Toutain.
Aunque la vida del dibujante de cómics español nunca ha sido un camino de rosas, de las aventuras narradas por Giménez en esta obra y del prólogo firmado por José Mª Beá se tiene la sensación de que no había nadie más afortunado en esa época y en este país que los dibujantes.
En ese aspecto, “Los Profesionales” tal vez sea la obra más optimista y divertida de Carlos Giménez. Un trabajo en el que las miserias de la España autárquica y la dictadura, las agotadoras jornadas de trabajo, los bajos sueldos o la tiranía de los jefes, quedan en un segundo plano, ocultas por las salvajes gamberradas que esta pandilla de ilustradores cometían constantemente.
Como regalo, la editorial ha incluido también en este volumen “Rambla arriba, Rambla abajo”, libro independiente pero más cercano a la temática de “Los profesionales” que a “Paracuellos”, “Barrio” u otras obras de su autor.

Todo Los profesionales. Carlos Giménez
Debolsillo. 664 páginas. Castellano

2011-08-05T00:34:00.000-07:00

Cuando un autor declara convencido que la trama, los personajes, el escenario y el tema son los mayores enemigos de la novela, es evidente que estamos ante un autor muy particular. Este es el caso de John Hawkes, escritor estadounidense nacido en 1925 y renovador de géneros clásicos como la novela negra, el relato de aventuras bélicas o el western.
“La pata del escarabajo” es un ejemplo de este último caso, una parodia de las aventuras de Oeste norteamericano tantas veces exploradas por el cine y las novelitas “pulp”. Todo lo que sucede en ella gira en torno a la construcción de una presa en una ciudad en medio del desierto, o mejor dicho, a la no construcción de la misma a consecuencia de un accidente, hecho que trunca las esperanzas de prosperidad de todo el pueblo. La única esperanza de los habitantes es aferrarse al mito de Mulge Lampson, el trabajador fallecido durante las obras, cuya muerte provocó la paralización del proyecto y cuya vida y acciones convierten en leyenda.
Una novela diferente, que ha llegado a manos del lector español gracias a la editorial Meettok y al esfuerzo de Jon Bilbao, traductor y autor de un entusiasta prólogo a través del cual transmite al lector su admiración por Hawkes.

La pata del escarabajo. John Hawkes
Meettok. 230 páginas. Castellano

2011-08-02T00:14:00.000-07:00

En una sociedad predominantemente visual como la que habitamos, pocos dudan de que la imagen se ha convertido en un lenguaje en sí mismo.

Si en el pasado la importancia de los hermeneutas se basaba en su talento y capacidad para desentrañar los significados de las Escrituras o cualquier otro texto, en la actualidad el verdadero poder recae en aquél que es capaz de interpretar los cientos de signos visuales a los que estamos expuestos cada día.

Sin embargo, y a pesar de su trascendencia, pocos han sido los que se han atrevido a abordar el tema en un tratado exhaustivo que plasme la complejidad del signo visual desde otras culturas que no sea únicamente la occidental.

El Groupe m asumió este reto de analizar el signo visual y lo hizo desde un punto de vista amplio que, no solo evitaba el etnocentrismo, sino que abarcaba diferentes disciplinas como la semiótica, la psicología, la retórica y la geometría. Sus conclusiones, redactadas en forma de tratado en 1993, vuelven a estar a disposición del público casi veinte años después de su primera aparición gracias a Cátedra y su colección Signo e imagen.

A pesar de lo atractivo e interesante del tema, “Tratado del signo visual” no es un texto amable y, si bien aporta respuestas a las cuestiones relativas a este tema, lo cierto es que el lector se las tendrá que ganar a pulso, poniendo de sí atención, esfuerzo y conocimientos aunque, por otra parte, nadie dijo que esto del saber era sencillo o se obtenía por gracia divina.

Tratado del signo visual. Groupe m

Cátedra. 448 páginas. Castellano

2011-07-30T00:02:00.000-07:00

Alan Moore, prestigioso guionista de cómics y autor de clásicos recientes del género como “V de Vendetta”, “La liga de los hombres extraordinarios” y “Watchmen”, firma “La historia del año” y “El retorno”, los dos volúmenes de “Supreme”, un superhéroe creado por Rob Liefeld inspirándose en Supermán pero con una personalidad más oscura que la del héroe de Kripton.
A mediados de la década de los noventa, Moore se encontraba trabajando en proyectos tan complejos como “From Hell” y “Lost Girls”, por lo que la propuesta de Liefeld de encargarse de los guiones de Supreme supuso para él una vía de escape que le permitía relajarse y volver a abordar el género de superhéroes. Sin embargo, lo que en manos de cualquier otro guionista se hubiera convertido en algo ligero e intrascendente, en manos de Moore fue un cómic que rendía homenaje a la edad dorada del tebeo norteamericano de aventuras y superhéroes en el que las tramas y los personajes se sucedían de forma sorprendente.
Más de una década después de su aparición, DeBolsillo rescata esta obra que hará las delicias de los aficionados a Moore y que permitirá familiarizarse de forma sencilla y amable con la obra del autor inglés a aquellos que nunca hayan tenido la suerte de disfrutar sus creaciones.

Supreme 1 y 2. Alan Moore
DeBolsillo. Mondadori. 256 páginas. Castellano

2011-07-29T23:57:00.000-07:00

Gracias a la editorial Glénat y a su colección Integral, los aficionados al tebeo han podido conseguir en un solo volumen clásicos del género que en origen aparecieron por entregas en las revistas de cómic o que estaban desperdigados en diferentes libros, muchos de ellos imposibles de encontrar actualmente.

Así ha sucedido con “Taxista” de Martí, “Makoki” de Gallardo, Mediavilla y Borrayo y, más recientemente, con “El bueno de Cuttlas” de Calpurnio, personaje del que se acaba de editar el segundo volumen de sus obras completas.

A pesar de haber tenido una vida un tanto errática, que hizo que durante algunos años Cuttlas desapareciera de la escena del tebeo, lo cierto es que en todas las ocasiones en que Calpurnio ha retomado el personaje, su producción ha sido asombrosamente grande.

Tanto es así, que las historias incluidas en este volumen solo abarcan los tres álbumes que editó Glénat recopilando las páginas que se habían publicado en El País de las Tentaciones, faltando todavía todas aquellas que, desde hace casi una década, se vienen publicando en el periódico gratuito 20 minutos.

Un hecho que augura que habrá un tercer e incluso un cuarto volumen integral de Cuttlas. Una magnífica noticia para todos los aficionados a las divertidas e inteligentes aventuras de este personaje cuya sencillez y esquematismo se limita únicamente a su apariencia exterior.

El bueno de Cuttlas. Integral 2. Calpurnio

Glènat .166 páginas. Castellano

2011-07-27T23:52:00.000-07:00

La historia de la literatura está llena de manuscritos rechazados, de escritores malnutridos incapaces de alimentarse de su arte y de editores ciegos al éxito editorial aunque lo tengan delante de sus narices. Proust, García Márquez, Navokov, Joyce, Lowry son algunos de los nombres incluidos en la larga lista de autores que, en un momento u otro de sus carreras, fueron rechazados por una editorial.

Esta realidad, tan habitual como sorprendente, ha dado pie a Íñigo García Ureta para escribir este ensayo sobre el fracaso que, lejos de caer en el derrotismo, lleva un optimista título: “Éxito”.

Con una larga experiencia profesional como editor y gracias a la desinteresada colaboración de algunos de sus colegas cuya opinión no ha dudado en consultar a través de encuestas, García Ureta explica cuál es el proceso que sigue un libro después de su escritura y hasta conseguir la luz verde para su publicación. Un periplo narrado con decenas de ejemplos y mucho sentido del humor, que convierten a “Éxito” en un libro asequible para todo aquél interesado en el mundo de la literatura, independientemente de que esté vinculado al sector editorial o tenga intención de ver su obra impresa en las mesas de novedades de las librerías.

Éxito. Un libro sobre el rechazo editorial

Íñigo García Ureta. Trama editorial

152 páginas. Castellano

2011-07-25T23:50:00.000-07:00

Hace tiempo que el cómic demostró ser un lenguaje capaz de abordar con éxito todo tipo de temas por complejos que estos sean. Para aquellos que aún lo consideren un género menor, les recomendamos hacerse con un ejemplar de “Logicomix” y sumergirse en sus páginas, a través de las cuales descubrirán de manera amena y sencilla –pero no por ello menos rigurosa–, la historia de la lógica narrada por el que fuera uno de sus renovadores: el filósofo inglés Berdtrand Russel.

Con prólogo de Fernando Savater y un guión realizado bajo asesoría de expertos en la materia, “Logicomix” es un buen trabajo de divulgación que puede prender en los lectores la llama de la curiosidad por la filosofía, la lógica y los estudios del lenguaje desarrollados por autores de la talla de Ludwig Wittgestein, quien también forma parte del reparto de este tebeo.

De hecho, es su aspecto narrativo el punto fuerte de esta obra, que en lo estético adolece de cierta simplicidad derivada de haber sido creado y trabajado por ordenador, tanto en lo que se refiere al dibujo, como al entintado y la rotulación.

El libro se completa con un apéndice en el que se incluyen unos breves perfiles biográficos de los protagonistas y personajes básicos de la filosofía clásica, así como definiciones de términos imprescindibles para entender el tema y unos apuntes bibliográficos para aquellos que quieran profundizar más en el tema. Puestos a imaginar, no estaría nada mal que los filósofos del futuro reconocieran que se interesaron por la disciplina después de leer “Logicomix”; también Schliemann descubrió Troya tras leer apasionadamente “La Iliada”.

Logicomix. A. Doxiadis, C. H. Papadimitriou, A. Papadatos, A. di Donna.

Sins entido. 352 páginas. Castellano

2011-07-23T23:45:00.000-07:00

El Art directors club de Europa ha decidido que en el futuro no editará más anuarios. Desde el año que viene, la filosofía de estos galardones se basará en pagar por inscribir trabajos que, en caso de ser premiados, ni tendrán repercusión ni se preservaran para futuras generaciones en un libro. De esta forma, el mayor aliciente que tienen los participantes de este certamen de creatividad desaparece con este “In gold we trust”.
Como viene siendo habitual, el contenido de este nuevo anuario está compuesto por los trabajos que, tras haber sido premiados en sus países de origen, han sido elegidos por el jurado que en esta edición estuvo presidido por Lluis Bassat.
Anuncios de cine y TV, gráficas, páginas webs, anuncios interactivos... llenan las páginas de este volumen muy bien diseñado y articulado a través de una serie de cuadernillos que preceden a cada una de las categorías y narran la historia de una especie de Goldfinger obsesionado por el oro. Una historia que en ciertas ocasiones resulta graciosa y, en otras, sonrojante y de bastante mal gusto, lo que nos lleva a pensar que, en ciertas ocasiones, los creativos se olvidan de que los chistes y los chascarrillos del colectivo solo funcionan dentro de él y que, fuera de ese contexto, resultan pueriles, inapropiados y de un gusto discutible cuando proceden de personas a las que se supone adultas.

In gold we trust
Best of european design & advertising 2010
Varios autores. Art directors club of Europe
564 páginas. Inglés

2011-07-21T23:38:00.000-07:00

La llegada de las nuevas herramientas de creación y tratamiento de imagen hace ya más de dos décadas hizo que tuviéramos que acostumbrarnos a una nueva estética en el mundo del cómic, un hecho que ha vuelto a repetirse recientemente con la aparición de internet. Ahora, al exceso de líneas rectas en los trazos o a los colores degradados se suma, por ejemplo, el formato vertical pensado para la pantalla del ordenador y el “scroll”.

Dash Shaw ha sido uno de los pioneros en crear cómics para la web con “Body World”, un trabajo nominado a los Premios Eisner 2009 y magníficamente editado por Sins entido que, si bien puede tener interés para los historiadores del género, tal vez no lo tenga tanto para los aficionados a consecuencia de su insulso guión, pobres dibujos y un incómodo formato, apto para la computadora pero no para la lectura tradicional.

David Mazzucchelli, autor del aclamado “Asterios Polyp”, ha afirmado: “he visto el futuro de los cómics y su nombre es Dash Shaw”. Por lo que a nosotros respecta, si el futuro del cómic pasa por esto, nos quedamos con Yellow Kid, Little Nemo y hasta las pinturas de Altamira.

Body world. Dash Shaw
Sins entido. 400 páginas. Castellano

2011-07-20T23:27:00.000-07:00

Migel Ángel Furones, una de las mentes más lúcidas de la publicidad a nivel mundial, recopila en este volumen los artículos que, sobre el mundo de internet, viene publicando en la revista Anuncios desde hace los últimos dos años.

A lo largo de más de cincuenta textos, Furones explica cómo es internet hoy e imagina cómo será en el futuro, para lo cual echa mano de referencias históricas y culturales que abarcan desde la música clásica a la literatura, pasando por las leyendas, la mitología, la ciencia, la lingüística y la etimología. De esta forma, y a diferencia de otros escritores que han abordado la que tal vez sea la revolución cultural más importante desde la aparición de la imprenta, Furones no considera la invención de internet como un hecho aislado surgido en el siglo XX, sino como fruto de una tradición de conocimiento común que se remonta cientos de años atrás.

A pesar de todo ese acervo que contiene, este “Tres mil años de internet” resulta ser un texto ameno, fácil de entender por cualquier lector –incluidos aquellos que desconozcan todas esas referencias culturales que mencionábamos–, y que a diferencia de lo que sucede con otros análisis similares, su autor ha tenido la inteligencia de no convertirlo en un libro de anticipación o ciencia ficción. En él, todas las predicciones y futuribles sobre cómo evolucionará este invento no son más que ingeniosas especulaciones y divertimentos, no dogmas, lo que le augura una mayor longevidad que la que acostumbran a disfrutar los libros firmados por los gurús de las nuevas tecnologías, más preocupados por epatar que por hacer análisis solventes de este fenómeno.

Tres mil años de internet . Miguel Ángel Furones

Anuncios. Publicaciones Profesionales. 220 páginas .Castellano

2011-05-12T04:21:00.000-07:00

El futuro del libro tanto del tradicional como el electrónico es algo que a día de hoy no está nada claro. ¿Acabará desapareciendo el libro en papel? ¿Será el libro digital dentro de unos años como lo conocemos actualmente? ¿Cuáles son los retos a los que se enfrentará un diseñador de libros electrónicos en el futuro? Para resolver estas y otra muchas cuestiones, los responsables de las Xarxes d’Opinió del FAD invitaron a destacadas personalidades del mundo del diseño, los medios de comunicación y las nuevas tecnologías –entre los que se encontraban Chema Lapuente, Román Gubern, Enric Jardí y Rosa Llop– a que expresaran sus reflexiones al respecto en una serie de conferencias y encuentros. El resultado de esas charlas ha sido recopilado ahora en este volumen que destaca, no solo por su interesante contenido sino por su magnífica maquetación, responsabilidad de Ángel Sanz, y por unas ilustraciones realizadas con maquetas de papel, obra de Jeny Chih Chieh Teng que, lamentablemente, quedan un tanto deslucidas a consecuencia de la impresión en blanco y negro.

La lletra digital. Reptes i interrogants al voltant del llibre electrònic
Varios autores. FAD. 176 páginas. Catalán

2011-05-06T04:19:00.000-07:00

Una nueva entrega de las historietas de Liniers, heredero de autores como Gary Larson y renovador del género de las tiras diarias de periódico, gracias a su personal fórmula que aglutina un estilo reconocible en el trazo; inteligencia, humor, ternura y absurdo en la narración y un universo plagado de personajes fuera de lo habitual incluso para un tebeo.
Para aquellos que no lo conozcan, en este sexto volumen encontrarán retazos de vida, detalles de cotidianidad y reflexiones de personajes como el gato Fellini, el oso Madariaga, los pingüinos, los duendes, Picasso, Sartre o Johnson. Aquellos que ya estén familiarizados con la obra de Liniers, no precisan de más explicación.
Lo que sí que necesita alguna explicación es el hecho sorprendente de que los diarios españoles hayan decidido darle la espalda a la tira diaria como aliciente a la hora de captar nuevos lectores y mantener los existentes. Mientras Liniers triunfa a nivel mundial con las tiras que publica en el diario La Nación de Argentina, en España, ninguna cabecera salvo La Vanguardia publica tiras de forma habitual. Un hecho que ya asombra por incomprensible en el caso de la dirección y la empresa del diario Público que hace unas cuantas semanas se ha permitido el lujo de despedir a Mauro Entrialgo y prescindir de su inteligente “Plétora de Piñatas”.

Macanudo. Liniers. Mondadori. Reservoir Books
96 páginas. Castellano

2011-05-03T04:16:00.000-07:00

Los informes corporativos pueden ser uno de los trabajos más áridos a los que se enfrenta un diseñador en su carrera.
La necesidad de incluir todo tipo de datos relativos a una empresa los convierte en proyectos prácticamente vedados a la originalidad y creatividad, hasta el punto de que, en ocasiones, recurrir a elementos que se salgan de lo que se considera correcto y ortodoxo en el sector empresarial es tenido por una frivolidad. En general, los informes y memorias de grandes empresas acostumbran a ser anodinos, aburridos y muy poco atractivos desde el punto de vista visual. Por eso, resulta agradable encontrar libros como este “Corporate brochure designs” en el que se pueden encontrar trabajos de estas características, que destacan del resto por su brillante ejecución, dentro de lo que cabe.
Decenas de ejemplos de informes cuyo acierto está en cosas tan sencillas como optar por un ilustrador en lugar de recurrir a las típicas fotografías de banco de imagen, apostar por la tipografía a la hora de articular y dar coherencia al conjunto, o decidirse por una gama cromática determinada e incluso el blanco y negro o un bitono.
Si bien no estamos ante un libro cuya lectura pueda servir de deleite y diversión, el diseñador que se encuentre en la tesitura de realizar un trabajo de este tipo hallará en él múltiples ejemplos con sus características bien detalladas y alguna que otra idea que le permitirán salir airoso del compromiso. Es cierto que no es mucho para un libro de este tipo, pero ustedes mejor que nadie saben lo complicado y poco agradecidos que son este tipo de trabajos.

Corporate brochure designs. Varios autores
PIE Books. 224 páginas. Castellano

2011-04-29T04:13:00.000-07:00

Bloc, publicación especializada en arte y literatura infantil, acaba de publicar su sexto número. Una buena noticia, de no ser porque coincide con la decisión de sus editores de tomarse un receso destinado a reenfocar el proyecto que, por tener un carácter más vocacional que empresarial, resulta difícil de compatibilizar con el resto de actividades de sus responsables.
En esta ocasión, el tema que articula los diferentes contenidos es el juego y los juguetes como materia prima de los álbumes ilustrados y, entre los artículos que tratan el asunto, se encuentran una conversación entre Pepe Carrió, Juan Vidaurre y Antonio Ventura; un reportaje sobre la labor como diseñador de juguetes desarrollada por el pintor uruguayo Joaquín Torres García y una entrevista con Juan Bordes, escultor y autor del libro “La infancia de las Vanguardias”.
El número se completa con reseñas de álbumes ilustrados como “Clown” de Quentin Blake, “Otto” de Tomi Ungerer y “Ser quinto” de Ernst Jandl y Norman Junge.
Esperamos que el proyecto Bloc pueda ser retomado en el futuro con la misma calidad y rigor que lo ha caracterizado desde su primer número. Nunca está de más una revista que aborde el tema de los libros infantiles desde un punto de vista crítico, maduro y consciente de la importancia que esos productos editoriales tienen en el desarrollo y socialización de los niños.

Bloc. Varios autores. 96 páginas

2011-04-27T04:10:00.000-07:00

Cualquier persona estaría de acuerdo en que resulta inconcebible una monografía sobre, por ejemplo, el diseño de comercios en Escandinavia. La especialización del tema es tal, que apenas daría para unas decenas de páginas. Sin embargo, nada más lejos de la realidad y, una vez más, la editorial japonesa PIE Books nos sorprende con un volumen de casi doscientas páginas a todo color con ejemplos de la mejor gráfica aplicada a los comercios de esa región de norte de Europa.

Los trabajos, que abarcan todo tipo de sectores comerciales, desde restaurantes a hoteles, pasando por cafés, tiendas de ropa y alimentación, poseen un alto grado de calidad y demuestran que el buen diseño escandinavo no es exclusivo de las grandes marcas de muebles desmontables.
Como siempre, un libro inspirador, cuya única pega es el hecho de que, desde que existe eso de la globalización, es complicado encontrar elementos diferenciadores entre los trabajos que se hacen en Escandinavia o en cualquier otra parte del mundo. Un hecho que, por otra parte, nos permite resaltar el aspecto inspirador de este título y la posibilidad de aplicar, con los pertinentes cambios para no ser detectado, muchas de las ideas aquí recopiladas a los clientes españoles.

Shop image graphics in Scandinavia. Varios autores
PIE Books. 196 páginas. Inglés. Japonés

2011-04-25T10:46:00.000-07:00

Hubo una época en la que la Estética era algo más que un vocablo para referirse a la apariencia física, la moda o lo espectacular. Por entonces, esta disciplina se codeaba con otras afines a ella como la filosofía, la poética, las bellas artes.
Actualmente, el concepto de Estética abarca innumerables matices que se extienden desde lo culturalmente más elevado a lo más banal. Por esa razón, Jacques Aumont, profesor universitario y antiguo redactor de Cahiers du Cinéma que ya abordó el tema de la estética a través de la historia del cine, ha decidido aclarar en “La estética hoy” qué es lo que se considera como tal en nuestros días.
Orientado al público especializado, bien por motivos académicos, bien por cuestiones profesionales, “La estética hoy” explica el fenómeno a la luz de las nuevas formas de arte, de las técnicas de creación y producción en serie, de los medios de comunicación de masa, de la psicología, la antropología, la sociología, a la vez que se desmarca de la concepción que de la estética ha imperado en la sociedad europea occidental hasta hace no mucho y que respondía a conceptos y realidades ancladas en el siglo XIX que a su vez bebían de fuentes que se remontaban a la Grecia y la Roma clásicas.

La estética hoy. Jacques Aumont
Cátedra. 336 páginas. Castellano

2011-04-20T03:54:00.000-07:00

Mucho antes de dar el salto al mundo de la edición convencional, Kioskerman (seudónimo del autor argentino Pablo Holmberg) era ya bien conocido en el mundo de internet, medio en el que comenzó a publicar sus trabajos allá por el año 2004.
Entre las líneas de trabajo disponibles en la red se encontraba este “Edén”, un conjunto de historias ambientadas en un reino imaginario e idílico en el que habitan humanos, animales, otras criaturas y gobernado por un monarca que, por aspecto y actitud, recuerda al King Aroo de Jack Kent.
Además de estas referencias lejanas, en “Edén” está muy presente la influencia de autores actuales como Liniers, especialmente en aquellas historias que retratan la poética de la cotidianeidad. Sin embargo, Kioskerman ha sido capaz de crear un estilo y universo coherente y sólido que permite que la obra tenga grandes posibilidades de desarrollo narrativo en el futuro.
De hecho, es la solidez de las historias y personalidad de los personajes lo que ha permitido que otros autores, concretamente Miguel B. Núñez, hagan su propia historia de “Edén” y que ésta se incluya en el libro sin que desentone con las realizadas por Kioskerman.
Por último, solo cabe destacar la buena presentación de esta edición, realizada por Sins Entido y Gráficas Díaz Turidi que, puestos a imprimir, han impreso hasta el interior de las cubiertas, para que aquellos que miran hasta debajo de las solapas de los libros se encuentren con una agradable sorpresa.

Edén. Kioskerman. Sins entido

124 páginas. Castellano

2011-04-15T07:23:00.000-07:00

Dentro de su colección Biblioteca Litterae, en la que se exploran temas relacionados con la aparición de la imprenta, las expresiones literarias manuscritas, la escritura epistolar, los antiguos archivos familiares y otros temas afines, la editorial Calambur ha editado este catálogo de las muestras de letras impresas en España hasta el año 1833. Un trabajo realizado por el historiador del arte y estudioso de la aparición y evolución de la imprenta en España Albert Corbeto, que pone al alcance del público aquellos impresos realizados por los grabadores, fundidores o impresores para mostrar las características de una determinada tipografía y que, normalmente, solían estar restringidos al uso profesional, lo que aumenta su escasez y curiosidad.

A pesar de iniciativas como la del proyecto “Imprenta Real”, lo cierto es que la historia de la imprenta española y sus artífices continúa siendo un arcano. Razón de más para considerar a “Especímenes tipográficos españoles” como un interesante e imprescindible libro que arroja luz a este hecho histórico no solo por su parte de ensayo sino, muy especialmente, por la reproducción de casi dos centenares de especímenes que harán las delicias de aficionados y estudiosos. Para aquellos que aún tengan ganas de más, Corbeto les reserva un localizador de ejemplares para conocer de dónde procede cada uno de esos especímenes, un índice de punzonistas, fundidores e impresores y una bibliografía sobre el tema.

Especímenes tipográficos españoles

Catalogación y estudio de las muestras de letras impresas

hasta el año 1833

Albert Corbeto / Calambur / 192 páginas / Castellano

2011-04-05T07:19:00.000-07:00

La labor de rescate y difusión de los orígenes del tebeo español que está realizando Glénat es digna de reconocimiento. De un tiempo a esta parte, y compaginándolo con sus divisiones de manga y proyectos realizados por autores de actualidad, esta editorial ha puesto a disposición del aficionado las obras de Purita Campos y Carmen Barbará, a las que se ha sumado recientemente la del dibujante José Grau y el guionista Silver Kane, pseudónimo de Francisco González Ledesma, conocido autor de cientos de novelas populares del oeste y policiacas.
“El teniente negro”, publicada por entregas durante la época de los 60 por la editorial Bruguera, es un tebeo del oeste tamizado por la personal visión que de la Norteamérica de la Guerra de Secesión tenían dos españoles de ideas republicanas en plena dictadura franquista.
El resultado es un libro de aventuras en el que se dan cita miembros del Klu Klux Klan, bellas muchachas, ricos hacendados que se disfrazan de negros para mantener su verdadera identidad oculta y oligarcas malvados.
“El teniente negro” es un trabajo que burla la censura allí donde puede, que la asume cuando toca y que incluye momentos verdaderamente delirantes como un bombardeo con botellas de nitroglicerina por parte de una bandada de buitres. No en vano y en palabras de Hernán Migoya, prologuista de este volumen, bajo su aparente inocencia “El teniente negro” esconde en sus viñetas considerables dosis de crítica política e incluso veladas referencias a la Guerra Civil.

El teniente negro / Silver Kane y José Grau
Glénat / 256 páginas / Castellano

2011-03-20T07:16:00.000-07:00

La alegría de ganar la lotería puede tornarse la mayor de las pesadillas si eres un miembro del GRAPO, vives en la clandestinidad y careces de documento nacional de identidad para cobrar el premio.
Ese el punto de partida de “Los Millones”, un proyecto de guión cinematográfico que, con el tiempo, ha terminado convirtiéndose en la primera novela de Santiago Lorenzo. Un libro en el que el autor de Portugalete retrata la vida del Madrid de final de los años ochenta, sin nostalgias, con inteligencia, un gran sentido del humor, un aún mayor dominio del lenguaje y un respeto total hacia el lector, algo poco frecuente en la literatura actual, en la que abundan los productos destinados únicamente epatar y satisfacer los egos de sus autores. En este aspecto, “Los Millones” es una novela escrita a la antigua usanza. Sin prisas, cocinada a fuego lento, paladeando el léxico, cuidando la urdimbre de las tramas, moldeando a los personajes y entendiendo esto de la literatura como un placer, tal vez un arte, pero nunca como un producto de usar y tirar.

Los Millones / Santiago Lorenzo
Libros de Mondo Brutto / 206 páginas / Castellano

2011-03-15T07:14:00.000-07:00

A diferencia de la energía, los símbolos se crean y se destruyen según las necesidades de las sociedades u organizaciones en las que surgen, pues una de sus finalidades es aglutinar a sus miembros, generar adhesiones sin fisuras y neutralizar (cuando no liquidar) a los disidentes.
Tras el fin de la Guerra Civil Española a finales de los años treinta de siglo pasado, se generó una enorme cantidad de símbolos destinados a justificar y enaltecer el Régimen Franquista. Personajes elevados a la categoría de héroes; combates disfrazados de cruzadas morales de liberación; el enaltecimiento de los caídos del bando vencedor; la demonización y el escarnio de los derrotados; el diseño de emblemas, ritos y celebraciones alusivas al nuevo orden y la construcción de la figura del Caudillo como personaje ungido por la divinidad son algunos de los elementos que caracterizaron la dictadura franquista y que son objeto de estudio en este ensayo.
Un libro que no solo arroja luz sobre una realidad de nuestra historia reciente, sino que nos pone alerta sobre la forma de creación de este tipo de elementos de manipulación de los estados, sean éstos democráticos o dictatoriales, y a los que, con menos folclore y boato que antaño, seguimos estando sometidos y expuestos todos los ciudadanos.

España, Año Cero
La construcción simbólica del Franquismo
Zira Box / Alianza Editorial / 392 páginas

2011-03-10T07:02:00.000-08:00

De un tiempo a esta parte, el mundo del arte, y en consecuencia los textos y manuales relacionados con él, han comenzado a interesarse por el diseño, tanto gráfico como industrial, entendiéndolo como una actividad que va más allá de un simple arte aplicado y en el que la creación y aportación del autor es casi tan trascendente como en la obra de arte convencional.
Dicho esto, no resulta tan sorprendente que una colección tan prestigiosa como los Manuales Arte Cátedra haya dedicado uno de sus volúmenes al diseño industrial español. Una iniciativa que viene a cubrir el vacío existente sobre este tema en el que abundan los libros dedicados a un autor, pero en el que se echaba a faltar una monografía exhaustiva que aportase una visión general de lo que ha sido el origen y evolución del diseño industrial desde sus inicios allá por el siglo XIX hasta nuestros días.
Resultado del trabajo colectivo de seis autores, “El diseño industrial en España” presta especial atención, además de a las cuestiones históricas, a temas estrechamente vinculados con la evolución de la sociedad actual, como la globalización o el ecologismo, definitivos a la hora de determinar la deriva que esta actividad ha experimentado recientemente y que, muy probablemente, determinará su evolución futura.
Como complemento a estos interesantes textos, el volumen se completa con abundante material gráfico a todo color, detalle aparentemente baladí pero que no siempre está presente en los manuales o ensayos destinados al ámbito académico, lo que nos invita a pensar que tardará bastante tiempo en aparecer otro título semejante que pueda hacerle sombra a este.

El diseño industrial en España
J. Galán, J. Gual, J. M. Marín, J. Olucha, R. Torrent y R. Vidal
Cátedra / 452 páginas / Castellano

2011-03-05T07:08:00.000-08:00

Con un poco más de retraso que la edición catalana, pero justo a tiempo para la reciente campaña de Navidad, ha llegado a las librerías la versión castellana del esperado trabajo de Daniel Clowes. La edición que, salvo un formato ligeramente más pequeño y un menor gramaje en el papel, nada tiene que envidiar a la edición original americana, pone al alcance del público español la historia de Wilson, un extraño y desequilibrado personaje cuya vida cambia al enterarse que tiene una hija adolescente, a la que no duda en secuestrar con la intención de iniciar relación paternofilial.
Una obra construida a base de historias cortas de una sola página en las que Clowes despliega su amplio registro de estilos, desde los más realistas a los de trazo más cómico e informal, que resulta más amable que las anteriores obras del autor norteamericano, experto en tejer historias atormentadas y desasosegantes.
“Wilson” cuenta con la ventaja de que, gracias a la labor de Mondadori y a su buena red de distribución, no ha quedado relegado a las librerías especializadas en tebeos sino que ha llegado a un gran número de librerías generalistas, lo que esperamos influya en la divulgación del cómic entre el gran público, la gran asignatura pendiente de la industria de la historieta en España.

Wilson / Daniel Clowes
Mondadori / 96 páginas / Castellano

2011-02-25T07:05:00.000-08:00

Después de sus aventuras junto a Moebius y Juan Jiménez, con los que firmó obras como “El incal” y “La casta de los Metabarones”, respectivamente, Alejandro Jodorowsky se ha unido a Fred Beltrán para desarrollar el guión de “Megalex”.
La historia, ambientada en una imaginaria ciudad del futuro en la que los valores han perdido la batalla frente al desarrollo industrial y el progreso tecnológico, retrata una sociedad en la que la adicción a la droga está impuesta por ley, la realización de cualquier tipo de trabajo está castigada y la pena de muerte rige para todo aquél que intente reproducirse por medios biológicos en lugar de por técnicas de laboratorio. A pesar estas restricciones, la Naturaleza y la vida sin restricciones legales se abren camino en Megalex en el Bosque de Chem y en la historia de amor protagonizada por Zerain y Kavatah.
Una fábula apocalíptica cargada de simbolismos y metáforas, realizada con un detallado dibujo y barroca ornamentación, en la que las técnicas tradicionales de dibujo se mezclan con las nuevas tecnologías de ilustración por ordenador. Un planteamiento que da como resultado una obra muy en la línea estética de los anteriores trabajos de Jodorowsky, que no defraudará a sus seguidores, tanto en el campo del cómic como en el de la psicomagia o el tarot.

Megalex / Alejandro Jodorowsky, Fred Beltrán
Mondadori / 166 páginas / Castellano

2011-02-20T06:58:00.000-08:00

Cátedra incorpora a su colección “Cuadernos arte Cátedra” este título publicado originalmente en 2008 y que, como afirman sus autores en la introducción, “ha sido concebido como libro de consulta para estudiantes universitarios y para el público en general que se interese por la historia del arte y las artes visuales”.
A diferencia de los tratados de arte tradicionales, que adolecen del manejo de conceptos y teorías excesivamente clásicos y no prestan atención a las nuevas corrientes surgidas en las últimas décadas, este “Arte básico” incorpora teorías y visiones procedentes del marxismo, el postestructuralismo, la posmodernidad e incluso describe cómo el mundo del arte es entendido y aplicado en nuevas herramientas como internet.
Nombres como los del ensayista John Berger, el filósofo Slavoj Zizek, el lingüista Saussure, el marqués Sade, se dan cita en este libro, pequeño en tamaño pero intenso y vasto en contenidos, que se completa con un glosario de términos e imágenes de muchas de las obras a las que se hace referencia en sus páginas.

Arte básico / Grant Pooke y Diana Newall
Cátedra / 336 páginas / Castellano

2011-02-10T06:55:00.000-08:00

Aunque el reclamo que aparece en suportada (“III Premio internacional de novela gráfica Fnac-Sins entido”), resulta un tanto confuso, “¡Pintor!” de Esteban Hernández ha sido, efectivamente, el ganador de la tercera edición del premio que esta editorial convoca en colaboración con la conocida cadena de tiendas especializadas en productos culturales.
Si en las dos primeras ediciones los trabajos elegidos abordaban el lenguaje del cómic desde un punto de vista más artístico y con un lenguaje elaborado y complejo, en esta ocasión el jurado se ha decantado por una obra que apuesta por la comicidad, tanto en el trazo como en la narración.
“¡Pintor!” cuenta la historia de un anciano que, bajo su apariencia de pintor de brocha gorda, oculta una curiosa actividad artística que, además de su faceta visual o decorativa, tiene mucho de conceptual. Una actividad anónima y hasta cierto punto clandestina que, cuando es descubierta, le acarreará tantos sufrimientos como satisfacciones.
Además de a la obra en sí misma, este premio hace también justicia a la labor que su autor lleva desarrollando en el mundo del tebeo de forma independiente desde hace muchos años. Un reconocimiento que esperemos le dé la repercusión que necesita para que echen a andar los muchos proyectos que tiene en mente y que pueden consultarse en su página web http://estebanhernandez.net.

¡Pintor! / Esteban Hernández
Sins entido / 80 páginas / Castellano

2011-02-05T05:36:00.000-08:00

Bajo la coordinación de Juan Antonio Ramírez, los autores Julián Díaz Sánchez, Ana Ávila, Carlos Reyero, Jesús Carrillo, Patricia Mayayo y Héctor Sanz Castaño realizan un interesante análisis sobre la situación y el funcionamiento del mundo del arte en España.
El papel de los museos, la influencia de los críticos y las revistas especializadas, la importancia de los catálogos, la labor de las administraciones públicas, la incorporación de las mujeres como creadoras artísticas, la importancia e institucionalización del arte marginal y “desviado” durante la Transición o la importancia de los capitales financieros como dinamizadores y motores del arte son algunos de los temas que se abordan en este ensayo.
Aunque no es un libro de divulgación ni un texto sencillo, lo cierto es que siempre es curioso saber cuáles son los mecanismos con los que se maneja un sector que, aunque siempre ha tenido una innegable vertiente cultural, también es cierto que posee mucho de negocio y apariencia. Una realidad que resulta evidente cuando analizamos el arte desde el punto de vista del coleccionismo –sujeto a extrañas corazonadas, caprichosas fluctuaciones e interesadas estrategias de promoción–, cuando nos fijamos en su relación con el sector inmobiliario –donde los centros de arte son jugosos encargos arquitectónicos– o cuando lo pensamos en relación con el sector turístico –que ha hecho de los museos epicentro de muchas de sus ofertas y propuestas.

El sistema del arte en España. Juan Antonio Ramírez (Ed.)
Ediciones Cátedra. 380 páginas. Castellano

2011-02-02T05:34:00.000-08:00

Tras su exposición en las calles de Oviedo durante el mes de mayo de 2010, los carteles realizados para la décimo primera edición de Motiva han sido recopilados en este libro, que lleva por título “Tu don más natural”, lema que sirvió de inspiración a la convocatoria y que pretendía concienciar a la población de la importancia y necesidad de donar los órganos para salvar otras vidas.
Además de reproducir todos los trabajos presentados, entre los que se encuentran los de Mario Eskenazi, Cruz Novillo, Enric Aguilera, La Camorra, Javirroyo, Ruiz+Company, Peret, Pablo Amargo y Marco Recuero, el volumen incluye imágenes de los carteles colocados en mupis e integrados en su contexto urbano.
La propuesta se completa con los textos que los autores adjuntaron a su obra para explicar las motivaciones de la misma y, en alguna que otra ocasión, facilitar su comprensión por parte de los espectadores.

Tu don más natural / Varios autores
Escuela de arte de Oviedo / 230 páginas / Castellano

2011-01-28T05:29:00.000-08:00

Eduardo Becerra reúne a algunos de los escritores más lúcidos del panorama actual para que reflexionen sobre la forma de concebir las ciudades en el campo de la literatura, el cine o los cómics.
Textos de Rodrigo Fresán, Jorge Eduardo Benavides, Jordi Costa sobre ciudades imaginarias, ciudades que se repiten, ciudades de cine negro que conforman un libro de ensayos que no desentonaría en las bibliotecas de las facultades de arquitectura y que tal vez serviría para que los arquitectos del futuro planificasen ciudades, si no más habitables, más imaginativas y sorprendentes.

Ciudades posibles
Arte y ficción en la constitución del espacio urbano
Eduardo Becerra (ed.) / 451 editores / 222 páginas / Castellano

2011-01-27T05:23:00.000-08:00

Si bien la arquitectura ha sido tradicionalmente estudiada como parte del arte –especialmente aquella que corresponde a los periodos clásico, románico, gótico, renacentista y barroco–, lo cierto es que en la época contemporánea parece haberse independizado de esta disciplina, para ser considerada una actividad por sí misma, al margen de los movimientos y tendencias artísticas y más atenta a cuestiones relacionadas con la política, la sostenibilidad o el ecologismo.
En los últimos tiempos, sin embargo, la arquitectura ha vuelto a formar parte del arte, no tanto por deseo de sus artífices, los arquitectos, sino por la atención que artistas de otros campos le han prestado, y que les ha llevado a integrar elementos propios de la arquitectura –desde fotografías de edificios, a materiales arquitectónicos, maquetas, interiores domésticos, desarrollos urbanos...– en sus propuestas visuales, pictóricas, de instalaciones, performánticas, etc.
A esta realidad artística, concretamente a la acaecida entre los años 1970 y 2008, es a la que David Moriente dedica “Poéticas arquitectónicas en el arte contemporáneo”, un ensayo en el que se dan cita nombres como Gordon Matta-Clark, Bernd y Hulla Becher, Isidro Blasco y Santiago Sierra, que, por excesivamente especializado, está indicado para estudiosos e interesados en el arte o la arquitectura, pero que tal vez abrume a los que se acerquen a él solo por curiosidad.

Poéticas arquitectónicas en el arte contemporáneo / David Moriente
Cátedra / 432 páginas / Castellano

2011-01-25T05:20:00.000-08:00

En 1980, el historiador Howard Zinn publicó “La otra historia de Estados Unidos”, una obra heredera de los movimientos surgidos en los años 60 que analizaban la historia del país norteamericano y su política imperialista desde un punto de vista crítico.
Tres décadas más tarde, Mike Konopacki y Paul Buhle han decidido adaptar la obra de Zinn al cómic, dando lugar a esta “Historia popular del imperio americano”, trabajo tan interesante como fallido. Interesante por su capacidad para atrapar al lector con una historia que nada que tiene que ver con la que han sostenido de manera oficial los diferentes gobiernos estadounidenses, y fallida por la mala ejecución de la misma, a consecuencia de unos dibujos torpes, un discurso estético más que discutible y un uso de la técnica –especialmente de los filtros de Photoshop y otros programas de diseño– falta no ya de gusto, sino de destreza y oportunidad.
Un libro que podría haberse convertido en un referente del tebeo histórico y en material de divulgación para colegios, institutos e incluso universidades, pero cuya pobre ejecución aconsejaría mantener fuera del alcance de los niños, porque al no tener todavía formado el criterio en cuestión de cómic, a ver si va a ser peor el remedio que la enfermedad y lo que se gana en el campo de la Historia se pierde en el terreno del Arte.

Una historia popular del Imperio Americano / Una adaptación gráfica
Howard Zinn, Mike Konopacki, Paul Buhle / Sins entido / 288 páginas

2011-01-22T04:24:00.000-08:00

Benito Navarrete Prieto ha sido el responsable de la actualización y revisión de la edición del clásico que sobre la pintura barroca española realizó Alfonso E. Pérez Sánchez en 1992.
A lo largo de sus casi seiscientas páginas, ilustradas con múltiples ejemplos gráficos, se analiza la realidad de los pintores en el siglo XVII, su formación, su relación con sus clientes y los géneros pictóricos por ellos desarrollados.
Además, el libro destaca por su exhaustivo análisis de la actividad pictórica en las ciudades y regiones más importantes de la época –como Madrid, Toledo, Valladolid, Valencia, Aragón, Sevilla–, de las diferentes escuelas, la mayoría de ellas vinculadas estrechamente a destacadas figuras de la disciplina y, por último, el análisis del trabajo de estos autores entre los que destacan Velázquez, Zurbarán y Carreño
Si bien “Pintura barroca en España” está pensado para el uso como manual de texto en el ámbito universitario, su carácter didáctico y su lenguaje, lo hacen accesible a todo tipo de público interesado en el tema que difícilmente encontrará otro título sobre el tema tan bien documentado pero que no caiga en el exceso academicista.
El volumen se completa con un amplio apartado de notas destinado a aclarar conceptos y datos aportados en los diferentes capítulos, una extensa bibliografía y un índice onomástico de los lugares, personajes y obras citados.

Pintura barroca en España, 1600-1750 / Alfonso E. Pérez Sánchez
Cátedra / 560 páginas / Castellano

2011-01-20T04:20:00.000-08:00

¿Qué pasaría si Dios en persona bajase a la tierra? La respuesta está en este libro de Marc-Antoine Mathieu galardonado con el Gran Premio de la Crítica de ACBD.
Un tratado de filosofía hecho tebeo cuyas viñetas desgranan algunas de las teorías sobre a existencia de Dios enunciadas por destacados pensadores como Descartes, Voltaire, Pascal, Sarte y Jung, a lo largo de la historia.
A diferencia de los títulos que se editan actualmente en el sector del cómic, “Dios en persona” es un trabajo denso, en ocasiones complicado, con un guión sólido muy bien ejecutado en el aspecto artístico, que pone en solfa la sociedad en la que vivimos, especialmente la de los medios de comunicación, la publicidad y los poderes fácticos comenzando por la judicatura y acabando por los diferentes gobiernos mundiales.
Un libro diferente, valiente en su planteamiento tanto en el aspecto artístico como en el empresarial que, de no ser por empresas como Sins entido, decididas a mantener con dignidad su personal línea editorial aunque ello les suponga renunciar a ventas masivas de ejemplares o a la aceptación por parte del gran público, pasarían sin pena ni gloria e incluso serían imposibles de publicar en nuestro país.

Dios en persona / Marc-Antoine Mathieu
Sins entido / 128 páginas / Castellano

2011-01-18T04:05:00.000-08:00

Aunque por el nombre pueda resultar un personaje desconocido, toda persona que haya tenido una infancia más o menos confortable durante la segunda mitad del siglo XX sabe quién es Ray Harryhausen. Si bien es cierto que son pocos los que podrían reconocerlo en una fotografía e incluso escribir bien su apellido, de lo que no hay duda es de que seguro guardan un magnífico recuerdo de sus películas. Hitos del cine, éxitos de las sesiones continuas y, hasta hace poco, habituales de la programación televisiva como “Surgió del fondo del mar”, “Simbad y la princesa”, “El viaje fantástico de Simbad”, “Simbad y el ojo del tigre”, “Los viajes de Gulliver”, “Jasón y los argonautas” y “Furia de titanes”, entre muchos otros títulos.
Carlos Díaz Maroto, de la mano de Calamar Ediciones y con el apoyo del propio Harryhausen y la The Ray&Diana Harryhausen Fundation, entidad encargada de gestinar su legado, rinde un homenaje al que merecidamente califica de “mago del stop-motion” con un estudio de casi trescientas páginas profusamente ilustrado con carteles, fotocromos e imágenes promocionales en el que, además de un perfil biográfico de Harryhausen y un análisis de los efectos especiales en el cine anterior a él, desgrana algunas de sus más destacadas producciones, analiza los proyectos que no llegaron a realizarse y dedica un capítulo a la influencia de su trabajo en los tebeos. Un interesante y ameno estudio que viene a cubrir de una vez por todas, el vacío existente en nuestro país en lo que se refiere a bibliografía sobre este gran genio del cine que tan buenos ratos ha proporcionado al público.

Ray Harryhausen / El mago del Stop-motion
Carlos Díaz Maroto / Calamar ediciones
288 páginas / Castellano

2011-01-16T04:01:00.000-08:00

Una nueva entrega, la cuarta ya, de las “pequeñeces de Lewis Trondheim”, en la que el autor francés da rienda suelta a sus preocupaciones cotidianas. Escenas del día a día con las que cualquier mortal se sentirá identificado, gracias a la capacidad de Trondheim para presentar al ser humano, empezando por él mismo, con toda sus grandezas y sus miserias.
A diferencia de otros trabajos autobiográficos semejantes firmados por otros autores, “Mi sombra a lo lejos” no resulta pretencioso ni pedante y entre sus muchas virtudes podríamos aventurarnos a afirmar que destacan sus efectos terapéuticos, gracias al optimismo e hilaridad que contiene y que está presente incluso en las situaciones más graves y preocupantes, como la extirpación de unos pólipos de las cavidades nasales del protagonista.
También cabe destacar la belleza de los dibujos y el talento de Trondheim para trabajar la acuarela, un hecho que acostumbra a pasar desapercibido a la hora de valorar esta línea de trabajo, que suele ser tomada más como un divertimento del autor que como una magna obra al estilo de las novelas gráficas. Un hecho curioso, habida cuenta de que, tras la publicación de cuatro volúmenes de estas aventuras, es evidente que este trabajo ha adquirido una entidad que supera con creces la anécdota y que, con el tiempo, constituirá un corpus a través del cual reconstruir la vida de su autor, algo que intentan hacer muchas otras obras con más aspiraciones que ésta, aunque con mucha menos fortuna.

Mi sombra a lo lejos / Lewis Trondheim
Sins entido / 128 páginas / Castellano

2011-01-16T03:58:00.000-08:00

Hartos de los acabados planos y artificiales de los ordenadores, muchos diseñadores se han reencontrado con la naturalidad del trazo manual, la imperfección del trabajo artesano y el carácter orgánico de las texturas. Proyectos que, además de disfrutarse visualmente, pueden ser tocados, desconchados, deshilachados o ninguna de estas tres cosas pues, en muchos casos, el empleo de las texturas se limita a un mero recurso estético o un trampantojo.
“Design textures”, magníficamente editado por PIE Books, presta atención a esta tendencia del diseño y la creatividad actual a través de más de un centenar de trabajos que emplean estos recursos de alguna manera, bien desde el punto de vista de los materiales, bien de los acabados, la técnica empleada o de las imágenes fotográficas que aparecen en ellos.
Posavasos que imitan cristales rotos o galletas partidas; encuadernaciones en tela y piel; estuches hechos con yeso; golpes secos y tintas en relieve; manchas de café; fondos de césped o de metales erosionados son algunos de los ejemplos que se incluyen en este volumen que despeja, en caso de que la hubiera, cualquier duda sobre las posibilidades creativas de las texturas y su eficacia a la hora de hacer menos artificial y más cercano cualquier trabajo de diseño.

Design texture. Varios autores
PIE Books. 192 páginas. Inglés y japonés

2011-01-15T03:55:00.000-08:00

Con un año de retraso y coincidiendo con el estreno de la película “El gran Vázquez” dirigida por Óscar Aibar, Glénat ha publicado el volumen definitivo que recopila la obra que el dibujante Manuel Vázquez realizó –bajo su propia firma o pseudónimos como Sappo–para el público adulto durante los años 70, 80 y 90 y que, aunque buena parte de ella había sido publicada por esa misma editorial en álbumes individuales y comic-books, resultaba actualmente imposible de encontrar.
Un magnífico libro que incluye títulos míticos como “Mujeres o diosas”, “Vázquez agente del fisco”, “Gente peligrosa” o “Sábado sabadete” y proporcionará horas de diversión y risas a aquellos niños que crecieron leyendo Anacleto, las Hermanas Gilda, la Abuelita Paz o la Familia Cebolleta y a los que dichos personajes entrañables les pueden resultar en la actualidad un tanto edulcorados en su madurez. Tal vez consciente de ello, o por liberarse de las estrecheces creativas de editoriales como Bruguera, Vázquez no dudó en ofrecer a sus lectores adultos temas más acordes con su edad. Desde autoparodias en las que se retrataba como aficionado al bingo y eterno moroso del fisco, a mofas sobre la sociedad actual y, por supuesto, generosas raciones de sexo y humor grueso. En resumen, “Lo peor de Vazquez” incluye el mejor humor cafre surgido de una de las mentes más lúcidas y brillantes que ha dado el tebeo español en toda su historia.

Lo peor de Vázquez
Vázquez
Glénat / 568 páginas / Castellano

2011-01-14T03:48:00.000-08:00

Un catálogo de tipografías de reciente creación que responden a las necesidades y gustos de los diseñadores actuales. Un libro de diseño que, a diferencia de lo que abunda en las estanterías de las librerías especializadas, es más útil y funcional que bello, pues su objetivo no es servir de adorno o de deleite visual sino de herramienta para los profesionales del diseño. De hecho sus únicas concesiones a lo ornamental son unas obras gráficas en las que se han aplicado las fuentes y que se adjuntan al lado de los especímenes de cada una de ellas, con la intención de que el lector se haga una idea de las posibilidades de uso de la misma. Como no podía ser de otra forma, “Fontology” se sirve con un CD en el que se incluyen todas las fuentes que aparecen en él, tanto para plataformas Mac como para PC. Sin embargo, hay que advertir que, al final del volumen, se hace la salvedad de que dicha inclusión no supone la cesión del copyright, que pertenece a sus respectivos autores, ni la autorización para usos lucrativos de las mismas. Un texto que, mucho nos tememos, no va a resultar muy eficaz pues ya se sabe como es esto: estando al final del libro y en letra pequeña...

Fontology. Maia Francisco

Promopress. 240 páginas. Castellano, ingles y francés

2011-01-13T05:25:00.000-08:00

Libro que recoge todos los premios, finalistas y miembros de los jurados de todos los premios de arquitectura e interiorismo organizados por el FAD desde 1958 hasta el año 2008. Casi seiscientas páginas en las que las imágenes de edificios, planos, escenografías y diseños expositivos, se aderezan con informaciones referentes a los hechos históricos y sociales más relevantes de cada año, como la elección de John F. Kennedy como presidente de los Estados Unidos, su asesinato, la apertura de la primera tienda Habitat en Londres, la guerra de Vietnam, el mayo del 68, la aparición del primer videojuego, la muerte de Franco, las primeras elecciones democráticas, el golpe de estado, las olimpiadas de Barcelona, la entrada del Euro y así hasta la crisis económica mundial.
Un libro ameno, que se puede disfrutar poco a poco sin necesidad de agotarlo en una sola tacada y cuya única pega es que solo se hayan editado 900 ejemplares destinados a obsequiar a los patrocinadores, mecenas, socios y otros compromisos de Arquin FAD.

Premios FAD 1958-2008. 50 anys D’Arquitectura i interiorisme a la península ibérica
Arquin FAD. 560 páginas. Catalán

2011-01-13T03:41:00.000-08:00

Un nuevo kilo de Kesselskramer que viene a sumarse a los dos publicados hace unos años aunque, en esta ocasión, su apariencia no es árida como la de un ladrillo, sino llamativa como un paralelepípedo verde fluorescente.
Salvo esas mínimas diferencias, esta nueva cita con los trabajos de la agencia holandesa es similar a la anterior: páginas y páginas de buenos trabajos, sean éstos para clientes, como las campañas para el Hans Brinker Budget Hotel y los caramelos Läkerol o con fines de autopromoción, como la colección de libros “In almost every picture”.
Magníficos proyectos que permiten hacerse una idea del potencial empresarial y el talento de los trabajadores de Kesselskramer y que invitan a sospechar que no es posible que todo en esa agencia sea tan bueno, tan inspirador, ni tan idílico. Como en cualquier compañía, creativa o no, es difícil darse cuenta de que no deben de ser pocos los trabajos incómodos, poco agradecidos y de resultados insatisfactorios que se hacen en ella. De no ser así, Kesselskramer es sin lugar a dudas el paraíso laboral para cualquier persona con interés en la creatividad, en el trabajo bien hecho y en la buena vida.

A new kilo of Kesselskramer. Varios autores
PIE Books. 428 páginas. Inglés y japonés

2010-10-17T08:26:00.000-07:00

Rocket company y PIE Books ponen a disposición de los lectores un resumido “Who’s who” del diseño realizado en el Reino Unido desde los años 80 hasta la actualidad.
Un volumen en el que, aunque faltan otros muchos nombres, se dan cita figuras de la talla de Neville Brody, Non Format, Tomato, Jonathan Barnbrook y Mind Design.
Sin apenas texto, tan sólo un breve perfil y una entrevista de cada uno de los protagonistas, el libro está centrado en repasar los mejores trabajos de cada uno de esos estudios, en los que abunda la producción para compañías discográficas y el trabajo editorial para revistas o editoriales.
Además de sus atractivos directamente relacionados con el diseño, el libro posee el interés añadido de retratar el día a día de los estudios e incluir imágenes de sus interiores, que permiten ver las zonas de trabajo, el contenido de sus estanterías, su decoración... algo semejante a lo que hacen las revistas del corazón con las casas de los personajes famosos pero infinitamente más interesante y enriquecedor.

Hello UK graphics. Graphic design in the UK since 1980s
Rocket company. Pie Books
208 páginas. Inglés / Japonés

2010-10-16T08:25:00.000-07:00

Un nuevo ejemplo de la magnífica labor que, en el sector editorial relacionado con el diseño, realiza la compañía japonesa PIE Books. En esta ocasión, su atención se centra en el uso de estampados, patrones y dibujos repetitivos a la hora de resolver un trabajo de diseño.
Como siempre, la capacidad de sus responsables para rastrear una amplia variedad de ejemplos procedentes de diferentes lugares del mundo es asombrosa y, una vez más, consigue que este “Patterns in graphics” sea un interesante manual de referencia sobre las posibilidades creativas de los patrones en folletos, guardas de libros, envoltorios para productos cosméticos, portadas e interiores de CD, carteles, tarjetas de visita, papeles de pared o bolsas para comercios.
Sin embargo, no son los usos que se les pueden dar sino el diseño de los propios patrones lo que verdaderamente llama la atención de este libro. Patrones en su gran mayoría creados expresamente para cada uno de los clientes empleando todo tipo de motivos, no sólo geométricos u ornamentales como suele ser habitual, sino con elementos figurativos e incluso aparentemente abstractos.
Un libro que permite una doble lectura, la de disfrutar de los buenos diseños entendidos como un todo homogéneo y la de escudriñar esos fondos, patrones y estampados para averiguar cómo se trenzan para formar esas repeticiones que pueden extenderse hasta el infinito.

Patterns in graphics. Varios autores
Pie Books. 160 páginas. Inglés. Japonés

2010-10-15T08:22:00.000-07:00

Este volumen recoge casi mil quinientos ejemplos entre pictogramas, ideogramas y signos, los cuales se adjuntan, para regocijo del lector, en un CD compatible con las plataformas de Mac y PC.
Un libro que será de utilidad en muchos estudios por la cantidad y variedad de ejemplos que incluyen, aunque es justamente ese exceso lo que en ocasiones juega en su contra. En nuestra opinión, y a sabiendas de que figuras de la talla de Félix Beltrán y Aaron Marcus no estarán de acuerdo a la vista de los elogiosos prólogos que han escrito para la ocasión, hubiera sido deseable una cierta criba de material que eliminase aquellos pictogramas poco logrados, confusos y en ocasiones un tanto pueriles.
Un comentario que, por supuesto, no pretende restar valor a aquellas series, que las hay y en abundancia, en las que la estética y el planteamiento confluyen dando lugar a colecciones de pictogramas útiles, funcionales y divertidas.

Imagomundi. LSDspace. Promopress
224 páginas. Castellano. Inglés. Francés

2010-10-12T08:19:00.000-07:00

“Flowerhead” del pintor alemán Olaf Hajek es un libro inusual. En primer lugar porque en estos tiempos que corren no es habitual que una editorial decida publicarle un libro monográfico, y menos aún con tan buenos acabados, a un artista vivo que aún no ha cumplido los 45 años. En segundo lugar, porque el trabajo de Hajek, aunque habitual en medios como la edición alemana de Payboy, no responde a las tendencias actuales de la ilustración y la pintura. Su estilo, en el que se pueden aislar trazos de primitivismo, el Gauguin de la época tahitiana, el fovismo y el arte pop, resulta muy personal y sorprendente tanto por la ejecución como por los planteamientos e inclusión en sus cuadros de temas clásicos y actuales. En este aspecto, las obras de Hajek opseen referencias a Boticelli, a Shakespeare según lo retrató John Taylor, a El Bosco, con la misma naturalidad que lo hacen con Michael Jackson, Gandhi; Joni Mitchell o Lisa Simpson.
Un curioso volumen que muy probablemente influirá en muchos de los trabajos de ilustración y publicidad que veremos en los próximos meses y años.

Flowerhead. Olaf Hajek. Gestalten
144 páginas. Inglés

2010-10-11T08:18:00.000-07:00

Lolo Rico, directora del recordado programa de RTVE La Bola de Cristal, ha recopilado en este libro -realizado con la colaboración especial de Iñaki Pérez-, seiscientos títulos, entre películas y series, destinadas al público infantil de entre 3 y 12 años.
Una guía destinada a facilitar a los padres su labor a la hora de elegir las películas que van a ver sus hijos y que incluye, desde clásicos del cine como “El acorazado Potemkin”, “Una noche en la ópera” o “El maquinista de la General”, hasta las cintas más recientes, como las de Harry Potter, “Up” o “Piratas del Caribe”, todas ellas explicadas con una sucinta descripción y una ficha con el género, la materia de la que trata, el tipo de personajes que aparecen en ellas y la edad recomendada.
Para facilitar la labor, al final del volumen se incluyen varios índices. Uno onomástico, otro que ordena las películas según la edad, otro de personajes, y por último, uno que agrupa las películas según los temas que en ellas se tratan, como “adopción”, “castigos”, “ricos”, “discapacidad”, “futuro”, “lealtad”...
Un útil e interesante libro, escrito sin prejuicios hacia la infancia que invita a que los niños se familiaricen desde pequeños con obras maestras del cine sin atender a excusas injustificadas como “es en blanco y negro”, “es antigua” o “es muda”.
Por último, cabe destacar que este libro pertenece a la Biblioteca Civican, proyecto elegido por los clientes de Caja Navarra, pionera en la Banca Cívica y en consultar con sus clientes, dónde quieren que se reinviertan los beneficios generados por sus depósitos.

Filmoteca infantil. Lolo Rico
Caja Navarra. 206 páginas. Castellano

2010-10-06T08:15:00.000-07:00

Un nuevo volumen del prestigioso anuario del Type Directors Club que recoge, en opinión del jurado correspondiente, el mejor trabajo creativo relacionado con la tipografía realizado en todo el mundo durante el año 2009.
Un libro que, como viene siendo habitual en los últimos años, supera en calidad y creatividad a la gran mayoría de los anuarios editados por los diferentes clubes de creativos y los surgidos como resultado de los diversos certámenes publicitarios que se celebran anualmente.
Un hecho que no es incompatible con afirmar que este volumen resulta un poco más flojo que los precedentes tal vez porque las dificultades económicas de estos tiempos han obligado a los estudios a ser más selectivos y conservadores a la hora de inscribir los trabajos más.
En todo caso, este Typography 30 contiene suficientes propuestas interesantes como para hacer que merezca la pena atesorar el tomo en los estantes de la biblioteca. Sin ir más lejos, el habitual anexo que, en esta ocasión, reproduce el sexto anuario de esta asociación y en el que se reproducen trabajos de Saul Bass, Paul Bacon, Herb Lubalin y George Lois, entre otros grandes del diseño y la tipografía.

Typography 30. The Annual of the Type Directors Club
Varios autores. Type Directors Club
364 páginas. Inglés

2010-10-04T07:45:00.000-07:00

Pocos libros hacen tanto honor a su título como este. Efectivamente, el arco le sirve al ingeniero de Caminos, Canales y Puertos César Lanza como excusa para repasar buena parte de la historia de la civilización occidental desde la época romana hasta nuestros días a través de ejemplos arquitectónicos, fotografías, manifestaciones artísticas e incluso aquellos personajes que, de forma directa o indirecta, han abordado la figura del arco en sus investigaciones.
De esta forma, figuras como la de Lewis Carrol, Ludwig Wittgenstein, Oscar Niemayer, Cerdá y Eduardo Torroja se suceden a lo largo de sus páginas, haciendo realidad la afirmación del propio Lanza, quien define el arco no como “una tipología estructural cuya misión más importante sea resistir sino otorgar paso y hacerlo, además, abriéndose ampliamente a la luz”.
Sin lugar a dudas, los arcos de César Lanza no son meras construcciones sino la abertura por la que pasa la arquitectura, sus disciplinas afines como la matemática, el urbanismo e incluso otras adyacentes como la pintura, la escultura y hasta la poesía.

El arco como excusa. Cosas y formas en la ingeniería del transporte
César Lanza. Ineco Tifsa
304 páginas. Castellano

2010-10-03T07:40:00.000-07:00

La revista Bloc continúa su interesante labor de divulgación del mundo de la ilustración y la literatura infantil y juvenil, un sector enormemente atractivo pero apenas conocido por el gran público, que suele quedarse con lo anecdótico y no llega a reparar en la calidad artística y conceptual de muchas de esas obras.
En su número cinco, correspondiente a la primavera de 2010, abordan como tema principal las relaciones entre el cine y los álbumes ilustrados. Un asunto de total actualidad a la vista de las recientes adaptaciones a la gran pantalla de obras como “Donde viven los monstruos”, “Shreck”, “El expreso polar” y otras no tan recientes, como “Ferdinando el toro”, uno de los clásicos de la primera época de los estudios Disney.
El número se completa con unas amplias entrevistas, profusamente ilustradas, a Miguelanxo Prado y a Roberto Innocenti.
Una interesante revista que promete más sorpresas, como la que se anuncia para su número seis, dedicado en buena parte a la relación entre los juguetes y los libros y cómo aquéllos pueden servir de materia prima a los álbumes ilustrados.

Bloc. Revista internacional de arte y literatura infantil
Varios autores. Publicaciones de Arte y Literatura S. L.
94 páginas. Castellano. Inglés

2010-10-02T07:33:00.000-07:00

La editorial Glènat puede enorgullecerse de haber redescubierto al gran público los tebeos para chicas, un género habitualmente denostado por los aficionados más puristas, pero que se ha vuelto cada vez más atractivo con el paso de los años, no solo porque permiten revivir la infancia a aquellos que los leyeron en su momento, sino porque sirven de documento sociológico para conocer cómo era la sociedad española en los años 60 y 70 o, mejor dicho, cómo le gustaría haber sido.
Tras el éxito de las reediciones de los libros de Purita Campos y su personaje Esther, ahora le ha tocado el turno a Mary Cuper Fernández, más conocida como “Mary ‘Noticias’”, una moderna y audaz reportera de televisión surgida de la imaginación y los lápices de Ricardo Acedo y Carmen Barbarà.
En este volumen, que respeta el formato horizontal de los cuadernillos originales, se incluyen los quince primeros números de “Mary ‘Noticias’”, la reproducción de sus portadas a todo color, una introducción a cargo de Antonio Martín y una entrevista con la propia Barbarà realizada por Mar Calpena, en la que la autora recuerda cómo surgió el personaje, su inesperada desaparición por decisión de la editorial y sus extenuantes procesos de trabajo, que le obligaban a entregar un tebeo a la semana.
Un cómic bien ejecutado, en la tradición de clásicos como Modesty Blaise y Diabolik, que se lee con gusto, cierta ternura y hace pasar un buen rato.

Mary “Noticias”. Ricardo Acedo y Carmen Barbará
Glènat. 168 páginas. Castellano

2010-10-01T07:14:00.000-07:00

Definitivamente, el que haga grafiti o esté relacionado con el y no esté representado en este libro es que no pinta nada, nunca mejor dicho, en el mundo del arte urbano.
De la mano de la editorial alemana Gestalten, Patrick Nguyen y Stuart Mackenzie han recopilado los trabajos y las opiniones de los artistas, responsables de galerías de arte y museos que destacan, a lo largo y ancho del mundo, por su labor en el campo del arte urbano. Una expresión artística sobre la que existen una serie de prejuicios y estereotipos que quedan totalmente demolidos gracias a “Beyond the street”, como el hecho de que el grafiti es sólo pintar las paredes con sprays y rotuladores; que es una expresión artística propia de gente muy joven o que es un arte al margen de los circuitos del arte convencional.
En sus páginas se dan cita autores emergentes, pioneros del grafiti que cuentan en la actualidad con edades comprendidas entre los cuarenta y cincuenta años; pintores o artistas que emplean técnicas peculiares, como el lisboeta Alexandre Farte, que hace retratos a gran escala picando el yeso de las paredes o el portorriqueño Dzine que hace esculturas barrocas inspiradas en la cultura popular, sin olvidar al alemán Boris Hoppek, conocido por sus muñecos de trapo.
Entre los representantes españoles (que también los hay) se encuentran Miss Van, Sixeart, Escif y, cómo no, la magnífica Nuria Mora.
Definitivamente, el que quiera saber qué se cuece en esto del arte urbano, tiene que tener en su biblioteca este “The 100 leading figures in urban art”.

Beyond the Street. The 100 leading figures in urban art
Patrick Nguyen y Stuart Mackenzie (Eds.). Gestalten
400 páginas. Inglés

2010-07-29T02:40:00.001-07:00

En el primer título de la editorial Tipo e, Manuel Sesma ha elegido a dieciséis tipógrafos nacionales e internacionales para que expliquen cuál es el método que emplean para elegir la tipografía que han de emplear en un determinado trabajo.
Andreu Balius, Pablo Cosgaya, Rubén Fontana, Laura Meseguer, José María Ribagorda, Íñigo Jerez, José Scaglione y John Moore son algunos de esos profesionales que nos adentran por los secretos, defectos y virtudes de tipografías como la Carmen, la Plasma, la Stempel Garamond, la Paper Planes#2 Set, la Caledonia o la Ibarra Real.
Prologado por Marina Garone, responsable de dar un enfoque teórico y científico al libro, “Tipo elige tipo” sigue la senda iniciada por Enric Jardí en su “22 consejos sobre tipografía” y, al igual que éste, logra acercar la disciplina, además de a los profesionales del diseño, a aquellas personas que no tienen por qué estar familiarizadas con la tipografía pero tienen curiosidad por saber algo más de un tema que, gracias a la llegada de las tecnologías al ámbito doméstico, está cada día más presente en sus vidas.

Tipo elige tipo. Varios Autores
Tipo e Editorial. 56 páginas. Castellano

2010-07-29T02:38:00.000-07:00

Más de tres décadas después de su aparición como reportaje periodístico, la editorial 451 pone a disposición del público español la versión íntegra de este trabajo realizado a cuatro manos entre el fotógrafo Jon Naar y el escritor Norman Mailer. Un proyecto que puede ser tenido como el primer acercamiento de un intelectual a la realidad del grafiti y la primera vez que éste es calificado como de movimiento artístico emergente, en contra de lo sostenido por muchos críticos, artistas y, por supuesto, las autoridades.
De hecho, y como buen periodista, Mailer no olvida recabar la opinión al respecto del máximo representante de aquellos que persiguen a los grafiteros: el alcalde de Nueva York, que describe el efecto destructivo y desmoralizador que los grafiteros tienen entre la población. Sin embargo, eso no es óbice para que “La fe del grafiti” acabe siendo un relato épico de los muchachos en su mayor parte procedentes de los guetos, que dedican buena parte de su tiempo a marcar la ciudad con sus nombres.
Un libro que habla de exclusión social, de evasión, de reafirmación personal, de violencia, rebeldía y de arte, aunque sus protagonistas no tengan conciencia de ser o de encarnar ninguno de estos principios, pues su mayor preocupación es poder desarrollar su afición de la forma más osada pero evitando cualquier roce con una policía que no duda en golpearlos, requisarles los útiles para pintar, multarlos y, en ocasiones, castigarlos con el que tal vez sea el castigo más humillante para un grafitero: limpiar las paredes y vagones de metro de pintadas, borrando las suyas y las de sus demás compañeros.

La fe del grafiti. Norman Mailer y Jon Naar
136 páginas. Castellano

2010-07-29T02:36:00.000-07:00

Trama editorial publica un nuevo título de su colección “Tipos Móviles” dedicada a sacar a la luz la labor callada y anónima de los editores.
En esta ocasión le ha tocado el turno a Diana Athill, veterana editora que colaboró con André Deutsch desde el lanzamiento de su editorial hasta la venta de la misma en 1985.
Un volumen en el que se dan cita, junto con cuestiones puramente del negocio, vivencias y anécdotas cotidianas más propias del ámbito familiar que de la labor editorial, lo que lo alejan de la típica lectura para iniciados y entendidos y la convierten en un texto agradable y ameno para aquellos que tengan cierto interés en el tema o deseen conocer cómo son en las distancias cortas escritores como Jean Rhys, Alfred Chester o V. S. Naipaul.
Un libro que, como es habitual en las colecciones de Trama, cuenta en su portada con un motivo o guiño relacionado con el mundo de la edición y la imprenta y que, en el caso de Stet, lleva la firma de Miguel San José Romano.

Stet [Vale lo tachado]. Recuerdos de una editora
Diana Athill. Trama editorial
256 páginas. Castellano

2010-07-21T03:52:00.000-07:00

Lo peor que le puede suceder a un chiste es que necesite explicación. Por ello, todo intento de explicitar los mecanismos y funcionamiento del humor es una tarea que requiere mucho tacto y talento si no se quiere aburrir a los destinatarios con explicaciones obvias o innecesarias.
Manuel Álvarez Junco, Doctor en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, diseñador gráfico y humorista, ha salido airoso de ese reto y ha conseguido que su “Diseño de lo incorrecto” sea un libro ameno en el que se repasa la historia del humor gráfico - especialmente la relación de éste con el diseño gráfico- recurriendo para ello a las más diversas fuentes, desde los conocidos tratados psicoanalíticos al respecto, los ensayos de Bretón sobre el asunto, manifestaciones humorísticas en restos arqueológicos griegos y cavernas prehistóricas, las incursiones en el tema de artistas clásicos como Da Vinci, Bernini o los Carracci, hasta llegar a las últimas teorías enunciadas sobre el humor gráfico. Un contenido que se adereza con citas de diversos autores al comienzo de los capítulos y, cómo no, numerosos ejemplos firmados por estrellas del género (y de otras disciplinas afines) como Gary Larson, Mingote, Forges, Brossa, Dalí y Peridis, que también firma el prólogo.
Un interesante acercamiento al tema del humor gráfico desde una perspectiva poco habitual, como es su capacidad de transgredir, su incorrección y su poder para poner en solfa el mundo que nos rodea.

El diseño de lo incorrecto. La configuración del humor gráfico. Manuel Álvarez Junco
La crujía. 144 páginas. Castellano

2010-07-21T03:38:00.000-07:00

El mundo de las etiquetas de vino es uno de los más atractivos para los diseñadores gráficos. Además de ser un sector muy relevante desde el punto de vista económico -lo que permite que destine buena parte de sus presupuestos al diseño-, siempre ha mirado con buenos ojos a esta disciplina por, entre otras cosas, ser las etiquetas de sus botellas el medio a través del cual establecen contacto con sus clientes.
Consciente de esta importancia, el diseñador Eduardo del Fraile ha escrito “Wine labels on bottle design”, libro que repasa la historia de las etiquetas de vino desde finales del siglo XIX hasta la actualidad, sin olvidar los diferentes tipos de botellas, cuyos nombre y formas merecen un capítulo aparte al comienzo del volumen.
Habitualmente, los libros relativos al vino y su gráfica eran realizados por las propias bodegas, que utilizaban ese tipo de productos como elemento promocional con el consiguiente sesgo a la hora de realizar la selección de las piezas pues, lógicamente, sólo incluían las de la bodega promotora.
“Wine labels on bottle design” viene a solventar ese problema pues su aproximación al tema se realiza de manera ajena a los intereses comerciales de las marcas que aparecen en él.
Cabe destacar, además del gran trabajo de documentación y recopilación realizado y de los cientos de imágenes que en él se recogen, el exquisito diseño y magnífica presentación de “Wine labels on bottle design” –con portada en corcho incluida- también responsabilidad de Eduardo del Fraile.

Wine labels on bottle design. Eduardo del Fraile
Index Books. 300 páginas. Inglés

2010-07-16T04:34:00.000-07:00

Hace algún tiempo y por obligación legal, los tebeos llevaban en su portada una leyenda que advertía que su contenido era para adultos. Una aclaración para aquellos que, pensando que los cómics son cosas de niños, se aventuraban a comprar sin ton ni son revistas plagadas de violencia, sexo y humor grueso.
Tras la lectura de “Duelo de caracoles”, el nuevo trabajo de Sonia Pulido y Pere Joan, no sería mala idea rescatar dicha advertencia e incluirla en la portada del mismo, para que los lectores supieran a qué se atienen.
No es que en este volumen abunden las obscenidades, la ultraviolencia o las salidas de tono; de hecho, brillan por su ausencia, pero les aseguramos que este libro es lo más “para adultos” que se ha publicado en el campo de los tebeos desde hace tiempo.
Si fuera un disco, “Duelo de caracoles” sería uno de Esclarecidos o de Franco Batiatto; si fuera un programa de televisión, uno de Eduardo Punset; si fuera una obra de teatro, una de David Mamet; si fuera un libro, uno de Luis Alberto de Cuenca. En definitiva, “Duelo de Caracoles” al que no le negamos la calidad de los dibujos de Sonia Pulido, del guión de Pere Joan y del Prólogo de Félix Romero, es un cómic para adultos, es decir, para personas mayores. Incluso nos atreveríamos a decir que es un tebeo para personas mayores que piensan, y más concretamente, que piensan los tebeos no son para niños.

Duelo entre caracoles. Sonia Pulido / Pere Joan
122 páginas. Castellano

2010-07-15T04:19:00.001-07:00

Nueva entrega de las pequeñeces de Lewis Trondheim que, como bien afirma en su contraportada, es “un libro con muchas cosas y no muy grandes”. Un centenar de páginas en las que se recogen anécdotas de viaje por parajes exóticos, vivencias de la vida en pareja, paradojas del día a día, charlas intrascendentes entre amigos y extrañas reflexiones como aquellas sobre en qué lugares de una habitación de hotel hay más gérmenes. En definitiva, una colección de las preocupaciones cotidianas de este ilustrador francés, fundador de la prestigiosa l’Association y presidente del festival de Angoulême. “La felicidad inquieta” es un divertido tebeo muy bien dibujado, que destaca por su acabado en acuarela y que nos demuestra que en el mundo de la historieta no todo tiene que ser novelas gráficas o proyectos ambiciosos. También hay sitio para productos sencillos, frescos y que analicen el mundo en que vivimos con menos solemnidad y más sentido del humor. Una fórmula que tal vez sea menos comercial a la hora de dignificar, poner en valor al cómic y llamar la atención de los medios sobre él, pero más efectiva a largo plazo, pues consigue aquello que le falta al tebeo en nuestro país y que no es otra cosa que lectores

La felicidad inquieta. Lewis Trondheim.
Sins entido. 128 páginas. Castellano

2010-06-10T19:00:00.000-07:00

David Bailey ha sido considerado el fotógrafo que mejor ha retratado la década de los 60, una afirmación en la que ha tenido mucho que ver el hecho de que Michelangelo Antonioni se inspirase en él para construir el personaje protagonista de Blow-Up, cinta emblemática que recreaba la efervescencia del Swingin’ London con aparición de The Yardbirds incluida.
Con el paso del tiempo, Bailey ha demostrado que era mucho más que un fotógrafo de temporada, afianzando durante los años 70, 80 y 90 una interesante carrera en la que ha desarrollado trabajos de moda, reportaje, publicidad y prensa.
El interés de su trabajo ha llevado a la editorial inglesa Phaidon a dedicarle esta monografía que acaba de ver la luz. Un volumen encuadernado entapa dura con solapas y a un precio que no supera los 10 euros, en el que se recogen más de cincuenta fotografías organizadas en orden cronológico y acompañadas de una breve explicación de las mismas realizada por Jackie Higgins, responsable también de la selección de imágenes y del estudio sobre Bailey que abre el libro.
Una buena oportunidad de acercarse a la obra de este profesional y revisar la historia de la sociedad occidental de las últimas décadas a través de algunos de sus iconos como John Lennon y Paul McCartney, Mick Jagger, Brigitte Bardot, Basquiat, Brassaï, Lartigue, Jane Birkin, Man Ray, Michael Caine o Andy Warhol.

David Bailey. Jackie Higgins
Phaidon. 128 páginas. Inglés

2010-06-09T19:00:00.000-07:00

Mondadori continúa con su interesante y arriesgada labor editorial en el terreno del cómic que le ha llevado a editar, junto a títulos de previsible éxito como “George Sprott” de Seth o “Viviendo del cuento” de Juanjo Sáez, otras obras cuyo calado entre los aficionados al género resulta más complicado. Este es el caso de, por ejemplo, los cuadernos de bocetos de Art Spiegelmann o este “Alicia en Sunderland” de Bryan Talbot.
A pesar de que estamos en el “Año Alicia”, lo cierto es que este libro no es uno de esos productos amables que aprovechan el éxito suscitado por la película de Tim Burton. “Alicia en Sunderland” es una ambiciosa obra de más de trescientas páginas que disecciona el clásico de Lewis Carrol desde todos los puntos de vista posibles, como la relación entre el autor y Alice Liddell -la niña que inspiró el personaje de Alicia-, la historia de Gran Bretaña o las reinterpretaciones que de la historia y el personaje han hecho otros autores.
Además de su interés narrativo, el libro cuenta con un gran atractivo gráfico gracias a la capacidad de Talbot para explorar, sin ningún tipo de pudor ni miedo, nuevos territorios en el campo de la historieta y mezclar estilos, estéticas y técnicas, entre las que se encuentran el collage, la fotografía o la superposición de imágenes.
De igual manera, sin prejuicios, sin miedo y consciente de que no está ante una adaptación de este clásico inglés a la manera de Disney, es como el lector debe acercarse a “Alicia en Sunderland”. Si así lo hace, sin duda lo disfrutará.

Alicia en Sunderland. Bryan Talbot
Mondadori. 336 páginas. Español

2010-06-08T16:00:00.000-07:00

Un libro que, como declara José Figueras, Presidente de Figueras internacional Seating, compañía editora de Seating together, muestra el diseño reciente de auditorios desde una perspectiva diferente: el patio de butacas.
El encargado de llevar a cabo esta tarea ha sido el arquitecto Juli Capella que, además de seleccionar aquellos auditorios más innovadores de los construidos en los últimos años en todo el mundo -como los del Casino de París, los Teatros del Canal de Madrid, la Casa Milá de Barcelona o el Dansk Radio Byen de Copenhague, algunos de los cuales llevan la firma de arquitectos de talla internacional como Jean Nouvell-, hace una introducción de la evolución de estos recintos públicos a lo largo de la historia, remontándose a los teatros de la antigua Grecia, los circos romanos, a las iglesias del medioevo y el Renacimiento, a los Corrales de Comedias del Siglo de Oro, los teatros de ópera del XIX, los cines del XX, los estadios deportivos, hasta llegar a los auditorios actuales.Un libro bien documentado, escrito, ilustrado y editado que dejará un tanto fríos a los lectores no especializados pero que hará las delicias de los aficionados y profesionales de la arquitectura, quienes seguro lo utilizarán como libro de referencia y consulta durante los próximos años.

Seating together. Arquitectura de auditorios en el siglo XX. Juli Capella
Figueras International Seating. 216 páginas. Español-inglés

2010-06-07T19:00:00.000-07:00

El rebétiko es un estilo musical originario de Grecia surgido durante los años 20 del siglo pasado y vinculado a ambientes marginales y arrabaleros, como lo estaban otro géneros similares como el tango argentino o la samba brasileña. Las referencias explícitas al sexo, las drogas, el alcohol, el asesinato, las peleas, la vida bohemia y su contenido satírico hicieron que Ioannis Metaxas, general que en 1936 instauró en Grecia una dictadura de corte fascista, persiguiera el rebétiko hasta el punto de llegar a prohibir la tenencia de buzokis y otros instrumentos musicales por parte de la población.
Partiendo de estos hechos y valiéndose de diferentes personajes inspirados en destacadas figuras de este género musical, David Prudhomme arma “Rebético, la mala hierba”, el álbum que le ha valido el premio “Una mirada al mundo” del pasado Salón Angoulême 2010.
Un trabajo estéticamente en la línea de ese cómic-arte que tanto gusta a Sins entido (véase “Fueye”, por ejemplo), que destila pasión tanto por la música como por el contexto histórico y trata como héroes a unos personajes cuya visión romántica de la vida les impide adaptarse, no ya a las convenciones sociales, sino a aquellos avances que podrían mejorar sus condiciones de vida y hacer crecer su arte. Su pretendida autenticidad les hacía ser reacios a, por ejemplo, participar en grabaciones que la casa Columbia realizaba en discos de 78 rpm y que estaban destinadas no sólo al público sino también a los emigrantes griegos que se habían trasladado a Estados Unidos, lo que provocó que perdieran toda posibilidad de éxito y acabasen siendo asimilados por esa sociedad a la que rechazaban pero que ya no se escandalizaba por esos modos de vida marginales.

Rebétiko. La mala hierba. David Prudhomme
Sins entido. 104 páginas. Español

2010-06-05T16:00:00.000-07:00

El término Novela Gráfica, tan socorrido a la hora de colocar en circuitos convencionales productos que antes estaban reservados a las tiendas especializadas en tebeos, resulta, sin embargo, limitado a la hora de definir algunos cómics, como sucede con los trabajos que Joe Sacco viene realizando en zonas de conflicto armado, como la antigua Yugoslavia, y cuya última entrega acaba de ver la luz de la mano de Mondadori en su colección Reservoir Books con el título “Notas al pie de Gaza”.
En estos proyectos Sacco no actúa como un mero dibujante, sino que se mete en la piel de un reportero de la antigua escuela que disecciona la realidad de los lugares que visita, repasando los hechos históricos que dieron lugar a esa situación y recabando los testimonios de los actores que los protagonizaron y de las víctimas que los sufrieron.De esta forma, Sacco más que “Novela Gráfica” desarrolla un género casi de su invención que podríamos denominar “Cómic Reportaje”, en el que la fidelidad a los hechos narrados es tal, que el autor utiliza fotografías tomadas del natural para realizar sus dibujos y reproduce textualmente y entrecomillados, testimonios de las personas a las que ha visitado, recogiendo incluso versiones contradictorias de los hechos que difieren entre sí en elementos relevantes de la historia. Una decisión que responde a la intención de Sacco de que no se le pueda objetar que ha sido parcial o ha manipulado aquello que cuenta, algo que, por otra parte, es comprensible, teniendo en cuenta que “Notas al pie de Gaza” es una narración sobre las penurias y persecuciones que sufren desde hace décadas los refugiados palestinos en esa franja ocupada por los colonos israelíes.

Notas al pie de Gaza. Joe Sacco
Mondadori. 432 páginas. Español

2010-06-04T19:00:00.000-07:00

Como indica el subtítulo de “El diseño como experiencia”, este ensayo de Mike Press y Rachel Cooper es un análisis actual del “Papel del diseño y los diseñadores en el siglo XXI”. Desde su primer capítulo, titulado “Verde, universal y digital” y a lo largo de sus más de doscientas páginas, se repasan temas como el diseño sostenible, la globalización, las nuevas tecnologías así como los cambios económicos y estructurales que afectan al sector, entre los que se encuentran las inversiones en investigación y desarrollo, los procesos de creación tanto individuales como colectivos, la evolución de las tendencias o la importancia y función de las asociaciones profesionales.
El conjunto de estos temas se aborda desde esa nueva perspectiva surgida en los últimos tiempos que concibe el diseño como una experiencia de consumo, lúdica e interactiva, que proporciona al usuario beneficios que abarcan desde el mero ocio hasta el compromiso ecológico o el cultivo de las relaciones sociales.El libro se completa con un glosario que recoge términos como “Apropiación”, “Capital cultural”, “Ciclo de vida del producto”, “Ecodiseño”, “Hiperrealidad”, “Segmentación”, “Sostenibilidad” y una amplia y actualizada bibliografía que permitirá ahondar en los temas propuestos por los autores.

El diseño como experiencia. Mike Press y Rachel Cooper
Gustavo Gili. 240 páginas. Español

2010-06-03T19:00:00.000-07:00

Después de los dos simpáticos volúmenes de “Rollos míos” y el desgarrador “Papá”, Aude Picault regresa con un libro en el que abandona el territorio de la pieza breve para adentrarse en territorios narrativos más ambiciosos.
Sin ser una obra de madurez, en “Travesía” Picault demuestra que ha crecido como autora de cómic. Su dibujo mantiene el trazo sencillo y suelto que lo caracteriza y que tanto recuerda en ocasiones al de Sempé, pero sus páginas muestran una composición totalmente diferente a la de sus trabajos anteriores, algo que no responde únicamente al hecho de que hay más cosas que contar sino a una planificación consciente de la obra y su ritmo narrativo, como demuestra el hecho de que alterne páginas repletas de viñetas con otras diáfanas en las que apenas se recrea una única escena.
Lo que sí que se mantiene inalterable en este nuevo trabajo es la capacidad de Picault para retratar con inteligencia, sentido del humor y mordacidad la sociedad en la que vive y los personajes que la rodean, muchos de los cuales (incluyéndose a sí misma) no siempre salen bien parados de ese examen.
“Travesía” es un libro amable, divertido, que ratifica a Picault como una buena autora de tebeos y que provoca en el lector la curiosidad de saber cuál será su próxima aventura.

Travesía. Aude Picault
Sins entido. 176 páginas. Español